Entretien avec Philippe Tondre

« Je vais faire du jogging avec mes élèves. »

Né en 1989, Philippe Tondre a débuté le hautbois à Mulhouse, sa ville natale, auprès d'Yves Cautres, avant d'étudier avec David Walter au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris. Sa carrière professionnelle a commencé à l'âge de 18 ans, alors qu'il était encore étudiant, lorsqu'il a été nommé hautboïste principal de l'Orchestre Symphonique SWR de Stuttgart. Il a également été invité à occuper ce poste auprès d'orchestres prestigieux, tels que le Royal Concertgebouw Orchestra d'Amsterdam, le Budapest Festival Orchestra et l'Orchestre Symphonique de la Radio Bavaroise. En 2010, Seiji Ozawa l'a choisi comme hautboïste principal du Saito Kinen Festival Orchestra, aujourd'hui connu sous le nom de Seiji Ozawa Festival Orchestra. Son dévouement absolu au hautbois et sa volonté constante de se perfectionner l'ont conduit à participer pendant cinq années intenses et exigeantes à des concours internationaux. L'un de ses plus grands moments fut sans aucun doute sa victoire au Concours international de musique ARD de Munich en 2011, qui lui valut le prestigieux Anneau Beethoven, une distinction musicale décernée par le Beethovenfest de Bonn. En 2016, il fut nommé hautboïste principal de l'Orchestre du Gewandhaus de Leipzig. En 2020, il devint hautboïste principal de l'Orchestre de chambre d'Europe et obtint le poste convoité de hautboïste principal de l'Orchestre de Philadelphie, sous la direction de Yannick Nézet-Séguin. En 2022, il fut nommé professeur au Curtis Institute of Music de Philadelphie.

Vous êtes devenu hautboïste principal de l'Orchestre symphonique de la SWR alors que vous étiez encore étudiant. Comment s'est déroulé ce début de carrière professionnelle ?
Devenir hautboïste principal de l'Orchestre symphonique de la SWR alors que vous étiez encore étudiant a été une expérience passionnante et formatrice. C'était un immense honneur d'occuper une position aussi importante à un si jeune âge, mais cela impliquait aussi de grandes responsabilités. Concilier mes études et les exigences de la vie professionnelle a nécessité de la discipline et un apprentissage rapide.

J'ai eu l'immense chance de travailler avec des collègues exceptionnels qui m'ont accueilli à bras ouverts et ont fait preuve d'une patience exemplaire envers une jeune recrue. Leur soutien et leur générosité m'ont permis de m'épanouir dans ce rôle et de développer mes compétences ainsi que ma confiance en moi. Travailler avec des musiciens aussi accomplis a été une source d'inspiration et m'a permis de mûrir rapidement, tant comme musicienne que comme membre d'une équipe. Avec le recul, je suis profondément reconnaissante de cette opportunité : elle a façonné ma façon d'aborder la musique et m'a inculqué une quête d'excellence qui m'accompagnera toute ma vie.

Trois ans plus tard, Seiji Ozawa vous a nommée hautboïste principale de l'Orchestre Saito Kinen. Comment avez-vous vécu la culture et le peuple japonais ?
Trois ans après le début de ma carrière professionnelle, la nomination de Seiji Ozawa comme hautboïste principale de l'Orchestre Saito Kinen a constitué une étape importante. Elle m'a non seulement offert l'opportunité de travailler avec l'un des chefs d'orchestre les plus inspirants de notre époque, mais m'a également fait découvrir la richesse du patrimoine culturel japonais et la chaleur de son peuple.

Mon lien avec le Japon a commencé par la musique, mais s'est rapidement étendu bien au-delà. Travailler avec l'Orchestre Saito Kinen, c'était comme intégrer une famille : il régnait une incroyable camaraderie et un but commun entre les musiciens. En dehors des répétitions et des concerts, je me suis immergé dans la culture japonaise, explorant l'art, l'histoire et la gastronomie du pays, et découvrant le profond respect et la bienveillance qui font partie intégrante du quotidien au Japon.

Ce qui m'a le plus marqué, c'est l'importance accordée à l'harmonie et au détail dans tous les aspects de la culture japonaise, une approche qui a profondément résonné avec ma propre conception de la musique. Ces expériences ont non seulement enrichi ma vie personnelle, mais ont aussi profondément influencé ma vision de musicien. Le Japon demeure un lieu à part pour moi, tant sur le plan professionnel que personnel.

Seiji Ozawa était bien plus qu'un chef d'orchestre pour moi : il était un mentor, presque un père spirituel. Son dévouement, sa vision et son humanité étaient une source d'inspiration inépuisable, et sa confiance en moi m'a permis de m'épanouir, tant comme musicien que comme personne. Il m'a transmis des leçons inestimables sur la musique, le leadership et l'humilité, et son influence perdure encore aujourd'hui. Travailler avec lui fut un privilège et une expérience que je chérirai toujours.

En 2016, vous avez ensuite rejoint l'Orchestre du Gewandhaus de Leipzig en tant que hautboïste principal. Quelles ont été les différences par rapport à vos orchestres précédents ?
Intégrer l'Orchestre du Gewandhaus de Leipzig comme hautboïste principal en 2016 a été une expérience extraordinaire. L'Orchestre du Gewandhaus possède une tradition remarquable de plus de deux siècles, et faire partie d'une institution aussi prestigieuse a été à la fois un honneur et une source d'inspiration.

L'une des différences les plus marquantes avec mes précédents orchestres résidait dans la tradition sonore unique de l'Orchestre du Gewandhaus. Le son de cet orchestre possède une chaleur et une profondeur singulières, héritées de sa longue tradition avec des compositeurs tels que Mendelssohn et Brahms. M'adapter à cet univers sonore si particulier fut à la fois un défi et un privilège, car il me fallut affiner mon propre jeu pour me fondre harmonieusement dans l'ensemble, tout en apportant ma propre voix en tant que hautboïste soliste.

De plus, les liens étroits qui unissaient l'Orchestre du Gewandhaus à sa ville d'origine, Leipzig, ont favorisé un profond sentiment d'appartenance. Le contact avec le public était très personnel, comme si l'orchestre faisait partie intégrante de l'identité culturelle de la ville. Cela différait quelque peu de l'orientation plus internationale d'autres orchestres avec lesquels j'avais joué et conférait aux concerts une dimension incroyablement riche et intime.

Chaque orchestre a son propre caractère, et l'importance accordée à la tradition et à l'esprit d'équipe au Gewandhaus m'a beaucoup appris sur l'importance du patrimoine et sur la façon dont la musique nous relie au passé tout en inspirant le présent.

Puis, en 2020, j'ai rejoint l'Orchestre de Philadelphie en tant que hautboïste principal. Comment avez-vous vécu les différences culturelles aux États-Unis ?
Intégrer l'Orchestre de Philadelphie comme hautboïste principal en 2020 a été une étape passionnante dans ma carrière, mais cela a aussi présenté de nouveaux défis, notamment l'adaptation à un environnement culturel différent. Les États-Unis possèdent une culture musicale unique qui met l'accent à la fois sur l'expression individuelle et la collaboration collective. On a très fortement conscience que la voix du musicien fait partie intégrante de l'orchestre, et je l'ai rapidement ressenti à Philadelphie.

L'une des différences les plus marquantes pour moi a été l'ouverture à l'expérimentation et à l'innovation qui règne sur la scène musicale américaine. On y observe une volonté d'explorer de nouvelles interprétations, de repousser les limites et d'essayer des choses qui seraient moins courantes dans les institutions européennes plus traditionnelles. Parallèlement, il existe un profond respect pour la tradition classique, et j'ai trouvé un véritable équilibre entre l'hommage rendu au passé et l'ouverture au présent.

En définitive, mon passage à l'Orchestre de Philadelphie a été enrichissant à tous égards. Il ne s'agit pas seulement des différences musicales, mais aussi de la manière dont ces différences reflètent les valeurs et l'esprit de la culture américaine.

Parallèlement, vous avez remporté d'importants concours qui ont servi de tremplin à votre carrière de soliste. Quel a été le concours le plus important pour vous, et comment l'avez-vous vécu ?
Les concours ont joué un rôle essentiel dans mon parcours musical, et chacun d'eux m'a apporté des enseignements précieux. Si je devais choisir le plus marquant, ce serait le Concours international de musique ARD de Munich en 2011. Remporter ce prestigieux concours a été un tournant dans ma carrière, car cela m'a ouvert de nombreuses portes et m'a permis de me faire connaître sur la scène internationale.

Se préparer à un concours aussi prestigieux et y participer fut une expérience intense. Cela exigea des mois de pratique assidue et de concentration, non seulement pour maîtriser le répertoire, mais aussi pour développer la force mentale nécessaire pour jouer sous pression. Le Concours ARD était particulièrement exigeant car il mettait en valeur aussi bien les solistes que les chambristes. Il me permit de démontrer ma polyvalence et ma capacité à créer des liens avec d'autres musiciens – des atouts que j'utilise encore aujourd'hui.

Au-delà des exigences techniques et musicales, ce concours était particulièrement important car il m'a permis de toucher un public plus large et de rencontrer des musiciens exceptionnels du monde entier. La victoire a été une reconnaissance de mes années de travail acharné, mais surtout, elle m'a offert une tribune pour me présenter comme soliste à un public plus vaste. Ce fut un moment charnière qui a façonné mon parcours de musicien d'orchestre et de soliste.

Vous enseignez également à l'Institut Curtis de Philadelphie. Quels sont vos critères de sélection pour vos étudiants ?
Enseigner à l'Institut Curtis est une facette très enrichissante de ma carrière. Curtis est réputé pour sa tradition d'excellence et pour former certains des meilleurs jeunes musiciens au monde ; le processus de sélection y est donc rigoureux et méticuleux.

Lors de la sélection des élèves, j'accorde une attention particulière à leur musicalité et à leur potentiel. Bien sûr, une solide base technique est importante, mais ce qui m'impressionne vraiment, c'est leur capacité à transmettre quelque chose qui transcende les notes sur la partition – que ce soit par le phrasé, le timbre ou une connexion émotionnelle avec la musique. Je recherche l'individualité, cette étincelle de créativité et de curiosité qui témoigne de leur aptitude à progresser en tant qu'artistes.

Une autre qualité essentielle est leur dévouement. Être musicien exige non seulement du talent, mais aussi une éthique de travail et une persévérance exceptionnelles. Je souhaite travailler avec des élèves passionnés et ouverts d'esprit, prêts à s'investir pleinement pour perfectionner leur art et développer leur propre style.

Enfin, j'accorde une grande importance au travail d'équipe. La musique est une expérience partagée, et à Curtis, où la musique de chambre et le jeu d'ensemble font partie intégrante du cursus, il est essentiel que les élèves puissent collaborer de manière constructive et respectueuse. Mon objectif est de former des musiciens complets, non seulement techniquement compétents, mais aussi dotés d'une réflexion artistique et prêts à contribuer au monde de la musique.

J'ai lu que vous faites aussi du jogging avec vos élèves. Essayez-vous de créer un esprit d'équipe au sein de la classe, ou cela vient-il des élèves eux-mêmes ?
Oui, c'est vrai, je fais du jogging avec mes élèves ! Je crois que développer un sentiment d'appartenance et de camaraderie au sein de la classe est tout aussi important que de se concentrer sur le développement individuel. La musique peut être très compétitive, mais elle est aussi profondément collaborative ; j'essaie donc de créer un environnement où les élèves peuvent se soutenir et s'inspirer mutuellement, aussi bien en classe qu'en dehors.

Faire du jogging ensemble – ou simplement passer du temps dans une ambiance détendue – contribue à briser la glace et crée un espace propice à des échanges plus personnels. Il ne s'agit pas seulement d'activité physique ; il s'agit aussi de bâtir la confiance, de favoriser une communication ouverte et de créer un sentiment d'appartenance. Par ailleurs, l'esprit d'équipe naît aussi naturellement des élèves eux-mêmes. Ils apportent leur énergie et leur personnalité au groupe, et j'ai la chance d'avoir des classes où les élèves prennent réellement plaisir à travailler ensemble et à progresser collectivement.

En fin de compte, je conçois mon rôle non seulement comme celui d'enseigner le hautbois, mais aussi comme celui d'aider mes élèves à devenir des musiciens et des individus accomplis. Que ce soit en faisant du jogging, en jouant de la musique de chambre ou lors de discussions en studio, je m'efforce de créer une atmosphère où chacun se sent encouragé à contribuer, à collaborer et à s'inspirer mutuellement pour donner le meilleur de soi-même.

Que préfèrent vos élèves : une carrière de soliste ou un poste dans un orchestre ? Que leur conseillez-vous ?
Mes élèves ont des objectifs différents : certains rêvent d'une carrière de soliste, d'autres préféreraient jouer dans un orchestre. À la Curtis School of Music, nous encourageons les deux voies, ainsi que la musique de chambre, l'enseignement et d'autres moyens créatifs de construire une carrière musicale.

Mes recommandations dépendent de chaque élève. Une carrière de soliste exige non seulement un talent exceptionnel, mais aussi une grande confiance en soi artistique, de l'autonomie et la capacité de s'épanouir dans un environnement très imprévisible. Un poste au sein d'un orchestre, en revanche, requiert une grande adaptabilité, un esprit d'équipe et la capacité de s'intégrer harmonieusement tout en conservant son propre style. Les deux voies sont enrichissantes, chacune à sa manière, et je conseille toujours à mes élèves de rester ouverts d'esprit, car les carrières réservent souvent des surprises.

Plus important encore, je les encourage à diversifier leurs expériences durant leur formation – que ce soit en participant à des concours de solistes, en jouant dans des orchestres ou en formant des ensembles de musique de chambre – afin qu'ils découvrent ce qui les inspire vraiment. La carrière la plus épanouissante est celle qui correspond à leurs passions et à leurs points forts, que ce soit en tant que soliste, musicien d'orchestre ou les deux.

Tu es encore jeune ; quels sont tes objectifs et tes ambitions musicales ?
Je me sens incroyablement chanceuse d'avoir exploré tant d'aspects différents du monde musical : me produire en soliste, jouer dans des orchestres exceptionnels et former la prochaine génération de musiciens. Mon principal objectif pour l'avenir est de continuer à évoluer en tant qu'artiste et de trouver de nouvelles façons de partager la musique avec le public.

L'un de mes objectifs est d'enrichir le répertoire du hautbois en promouvant des œuvres moins connues et en collaborant avec des compositeurs pour créer de nouvelles musiques. Le hautbois possède une sonorité si riche et expressive, et je souhaite contribuer à son développement en ouvrant de nouvelles perspectives pour cet instrument.

Parallèlement, je souhaite approfondir mes collaborations artistiques, que ce soit par le biais de la musique de chambre, de projets d'enregistrement ou d'œuvres interdisciplinaires mêlant musique et autres formes d'art. Et bien sûr, l'enseignement demeure une part importante de ma vie ; j'espère continuer à inspirer et à guider les jeunes musiciens dans leur cheminement.

Mon but ultime est de découvrir, d'apprendre et de partager ma passion pour la musique de toutes les manières possibles.

Quelles sont vos passions en dehors de la musique ?
La musique occupe une place importante dans ma vie, mais j'ai aussi des passions qui m'inspirent et m'apportent l'équilibre. J'adore le sport et bouger : que ce soit la natation, le jogging, le vélo ou la randonnée, être dehors me permet de me ressourcer physiquement et mentalement. La natation est essentielle pour moi.

Par ailleurs, j'apprécie énormément les arts visuels. Ma sœur et moi partageons une passion pour la peinture et le dessin, et je trouve que la créativité visuelle est une forme d'expression différente, mais tout aussi puissante. Voyager est une autre de mes grandes passions : découvrir de nouvelles cultures, rencontrer des personnes d'horizons divers et m'imprégner des riches traditions artistiques et culinaires du monde m'inspire constamment, tant sur le plan personnel que musical.

Finalement, je pense que mes passions en dehors de la musique m'aident à rester ouvert et créatif, et qu'elles influencent souvent ma façon de jouer et d'enseigner.

Interview de Florian Schär | Classicpoint.net | 1er juin 2025
© Image : Philippe Tondre