Entretien avec Elena Stikhina

« L’Opéra de Zurich a une signification très particulière pour moi. »

Elena Stikhina est une soprano russe de renommée internationale qui s'est imposée ces dernières années comme l'une des voix les plus exceptionnelles de son art. Née en Russie, elle a reçu sa formation musicale au prestigieux Conservatoire de Saint-Pétersbourg. Elle s'est fait connaître au sein de la troupe du Théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg, où elle a interprété des rôles majeurs du répertoire italien et russe. Elena
Stikhina a connu un succès international retentissant, notamment au Metropolitan Opera de New York, à l'Opéra d'État de Vienne, à La Scala de Milan et au Festival de Bayreuth. Elle est particulièrement admirée pour sa voix à la fois puissante et lyrique et pour son intense présence scénique. Parmi ses rôles les plus importants figurent Tosca (Puccini), Aida (Verdi), Senta dans Le Vaisseau fantôme et Elisabeth dans Tannhäuser (Wagner).
Grâce à son expressivité musicale et à sa précision technique, Elena Stikhina est considérée comme l'une des sopranos les plus remarquables de sa génération.

Comment votre compréhension de « Tosca » ou d’« Aida » a-t-elle évolué au fil des ans ?
Lorsqu’on tombe amoureux de l’opéra, on s’y abandonne totalement. On absorbe tout comme un ensemble vaste et magnifique. Puis on commence à apprendre un rôle, et soudain, on est dans la tête du personnage, on vit au cœur du livret. Mais chaque fois qu’on reprend un rôle pour une nouvelle production, on découvre quelque chose de nouveau. Une nuance différente dans la musique, une nouvelle tension entre les personnages, une vérité qu’on avait inconsciemment négligée auparavant. Avec « Aida », la première chose qui frappe, c’est le spectacle. Les grands ensembles, le chœur, l’ampleur même de l’œuvre. Ce n’est que plus tard qu’elle devient beaucoup plus intime. Une histoire de gens réels, leurs choix impossibles, leur chagrin. « Tosca » était une énigme en soi pour moi. Pendant longtemps, le premier acte m’a déconcerté. Pourquoi est-il si différent de tout ce qui suit ? Pourquoi la musique est-elle si légère ? Puis mon professeur m’a donné la clé : l’aborder comme une opérette. Avec légèreté et vulnérabilité. Car la tragédie n’a pas encore commencé. Cette prise de conscience a tout changé.

Y a-t-il un rôle que vous auriez interprété complètement différemment il y a cinq ans ?
Honnêtement, absolument tous. On ne peut jamais chanter deux fois le même opéra de la même façon. Chaque représentation est unique. Quand on reprend un rôle au fil des ans, il évolue avec nous. Notre vie change, notre perspective évolue, et le personnage évolue avec nous. Je ne vois pas un seul opéra que je pourrais interpréter aujourd'hui de la même manière qu'il y a cinq ans, ni de la même manière que je l'interpréterai dans cinq ans. Le rôle vieillit avec nous.

Quels préjugés concernant les voix dramatiques rencontrez-vous fréquemment ?
J’en ai récemment découvert un assez charmant : il paraît que les personnes à voix dramatiques n’apprécient que d’autres voix dramatiques. Complètement faux et, franchement, un peu insultant pour nos goûts ! Mais le mythe le plus répandu est celui selon lequel les voix dramatiques seraient pleinement développées dès l’âge de vingt ans. Certes, le potentiel doit être présent dès le départ. Mais une voix puissante mûrit très souvent sur plusieurs années. Il est vraiment rare qu’un instrument dramatique soit stable et complet si tôt dans la vie. Et puis, il y a cette idée reçue selon laquelle les belles voix n’ont pas besoin de technique. Que les chanteurs comme moi n’ont qu’à se laisser aller et laisser la nature faire le travail. Cela me fait toujours sourire.

Chaque scène offre-t-elle vraiment une expérience différente, ou est-ce un mythe ?
Absolument pas. Chaque scène est unique car chaque théâtre possède sa propre acoustique et son atmosphère. L’acoustique est le fruit du travail des architectes. L’atmosphère, quant à elle, est d’une toute autre nature. Elle se construit au fil du temps, grâce au public, des décennies plus tard, et ne peut être conçue. Elle s’accumule, tout simplement. 

Existe-t-il un opéra qui vous a particulièrement marqué ?
Tous les théâtres sont uniques. Mais l'Opéra de Zurich occupe une place toute particulière dans mon cœur. C'est là que j'ai chanté Salomé pour la première fois en Europe. La pression émotionnelle était immense. Chanter un opéra allemand dans un pays germanophone est un véritable défi. La prononciation est impitoyable, et Salomé exige une grande mobilité physique. Mais tous ces efforts ont été récompensés, et Zurich restera donc à jamais gravé dans ma mémoire.

Vous interprétez actuellement le rôle d'Amelia dans « Un ballo in maschera » à l'Opéra de Zurich. Quelle part d'Elena retrouve-t-on en Amelia ?
Honnêtement, très peu. Je me reconnais rarement dans mes personnages. Nous sommes généralement très différentes. Mais pendant les répétitions, je m'efforce de penser comme elle, de justifier chacune de ses décisions, même celles qui me semblent totalement illogiques. Si je ne la comprends pas de l'intérieur, je ne peux tout simplement pas l'interpréter de manière convaincante.

Nombre de vos rôles impliquent une pression émotionnelle extrême. En ressentez-vous les effets chez vous ?
J’ai un principe : quand on quitte le théâtre, on laisse le personnage derrière soi. Pour moi, séparer vie professionnelle et vie privée est absolument essentiel. La porte de la loge s’ouvre dans les deux sens. 

Y a-t-il un personnage qui vous a changé personnellement ?
Chaque rôle me fait réfléchir. Pas forcément sur moi-même, mais chacun laisse une trace. Je dirais même que c'est l'inverse : la vie marque mes personnages. Un événement ou une expérience particulière de votre vie peut complètement bouleverser votre compréhension d'un rôle, ce que vous y apportez et ce que vous ressentez en l'interprétant. Ce n'est pas le personnage qui vous change, c'est vous qui le changez. 

Y a-t-il eu une représentation où la réaction du public a été particulièrement intense ?
Oui, en 2017, j'ai remplacé Anna Netrebko dans « Eugène Onéguine » à l'Opéra de Paris. Les protestations contre ce changement de distribution ont été aussi fortes que l'ovation après la scène de la lettre. L'accueil au lever de rideau final a été extraordinaire. C'était, littéralement, un nouveau chapitre dans ma carrière. 

Si je n'étais pas devenue chanteuse, où mon chemin m'aurait-il menée ?
On ne le saura jamais. Quand on trouve sa passion, qu'on la trouve vraiment, on ne peut plus imaginer penser à autre chose. Je suis sûre que j'aurais trouvé ma place quelque part. Mais spéculer sur ce que cela aurait été ? Impossible. 

Existe-t-il des rituels d'avant-spectacle importants pour vous ?
J'aime me reposer avant un spectacle, parfois même faire une sieste l'après-midi. Mais ce qui est vraiment sacré, ce sont les trente dernières minutes avant que le rideau ne se lève. Je m'échauffe, j'écoute ma voix intérieure, je trouve le calme. J'ai besoin d'être seule, sans interruption, sans bruit. Juste moi et la musique qui va bientôt commencer. 

Quelles sont vos passions en dehors de la musique ?
Avant tout, ma famille. Les moments passés avec eux sont irremplaçables. Aller au cinéma, faire de longues promenades, profiter de la nature et savourer de bons petits plats. Des choses simples, en somme. Mais après une semaine avec Verdi, c’est précisément ce dont on a besoin.

Interview de Florian Schär | Classicpoint.net | 1er juin 2026
Droit d’auteur de l’image : Daria Valetova