Kaspar Zehnder dans une interview

« Je trouve cette division entre l'Est et l'Ouest obsolète. »

Depuis 2015, il est le programmateur du Klangantrisch Festival, festival de musique croisée fondé par Treffpunkt, dans le village de Riggisberg (canton de Berne, parc naturel de Gantrisch), où il est né en 1970. Auparavant, de 2005 à 2012, il a été directeur musical du Zentrum Paul Klee à Berne. Il a succédé à Jiří Bělohlávek à la tête de l'Orchestre philharmonique de Prague (PKF) de 2005 à 2008.

Dans sa ville natale de Berne, il a étudié la flûte (avec Heidi Indermühle) et la direction d'opéra et d'orchestre (avec Ewald Körner) tout en poursuivant ses études. À Zurich, Bâle, Sienne, Paris et en tant que membre de l'Académie européenne Mozart, il a bénéficié de nombreuses influences artistiques d'Aurèle Nicolet, Ralf Weikert, Charles Dutoit,
Manfred Honeck et bien d'autres.

Flûtiste, il se produit régulièrement en concert avec ses ensembles « mit vier » et « Ensemble Paul Klee », ainsi qu'au sein d'un ensemble de musique de chambre avec Magdalena Kožená et Sir Simon Rattle & Friends. Leur projet « Soirée » a fait l'objet de tournées en 2016 et 2019, a été enregistré sur CD par Pentatone et sera repris en 2022.

Vous êtes à la fois flûtiste et chef d'orchestre. Quels sont les avantages et les inconvénients de cette double activité ? Pour un chef d'orchestre, il faut avant tout être un bon musicien. Je ne vois pas vraiment d'inconvénients à mener de front deux carrières. Autrement, j'aurais abandonné la flûte depuis longtemps. Au début de ma carrière, les managers, les organisateurs de concerts et les agences me conseillaient de me concentrer sur une seule chose, car ce serait plus facile à vendre. Aujourd'hui, je peux me vendre tel que je suis. Dans mon travail, c'est un désavantage pour moi, en tant que flûtiste, que le fait d'être chef d'orchestre m'oblige à tendre vers le perfectionnisme, ce qui me rend très exigeant envers moi-même. Mais au final, c'est un atout. Autre atout important : je sais parfaitement ce que signifie maîtriser un instrument à la perfection, garder son sang-froid lors d'un passage difficile et rester en forme malgré l'âge. J'ai un grand respect pour le talent et les efforts que déploient mes musiciens. Quand les membres de l'orchestre savent que je ne suis pas seulement musicien mais aussi un bon instrumentiste, quand ils sentent que je sais de quoi je parle, je peux être exigeant envers eux ; le respect mutuel est alors primordial, sans aucun besoin de rapports de force.

Vous êtes également le directeur artistique du
des Classiques de Murten . Qu'est-ce qui rend ce festival si particulier ? J'ai récemment quitté mes fonctions de directeur artistique de Murten Classics après 22 ans. Depuis 1999, nous avions transformé le festival, initialement un rassemblement amical de fin de semaine, en un événement toujours aussi intime et familial, mais d'envergure nationale, proposant désormais une trentaine de concerts. La programmation des concerts symphoniques a toujours été d'une grande cohérence, sans pour autant être élitiste, car, en tant qu'organisme culturel non subventionné, Murten Classics comptait sur une forte fréquentation. Ces dernières années, celle-ci a régulièrement dépassé les 90 %. Les formats de concerts plus courts (baroque, vocal, musique de chambre et contemporain) nous ont permis d'explorer plus en profondeur le thème central du festival, et nous souhaitions également proposer des programmes plus audacieux. Durant mon mandat à Murten, la programmation primait sur les artistes ; nous privilégions donc une programmation cohérente, riche et dynamique plutôt que les grands noms. Il y a déjà beaucoup de grands noms avec les mêmes programmes.

Quels sont vos projets et votre vision pour le festival ?
Mon successeur, Christoph-Mathias Mueller, prend la relève d'un festival en pleine forme. J'espère qu'il ne fera pas de changements à tout prix, mais aussi qu'il apportera rapidement sa propre touche, car après plus de 20 ans, un festival a besoin de ce genre de changement. C'était la principale raison pour laquelle je souhaitais passer le relais, non pas parce que le festival ne me convenait plus ou parce que des difficultés personnelles étaient apparues.

Vous êtes le directeur musical de l'
Orchestre symphonique de Bienne-Solouthurn . Qu'a fait l'orchestre pendant la pandémie actuelle ? Je suis très heureux de faire partie de l'équipe de l'Orchestre de Théâtre de Bienne-Solouthurn (TOBS), brillamment dirigée par Dieter Kaegi, qui a toujours souhaité rester active. Dès avril 2020, nous avons commencé à donner de petits concerts sur des balcons et dans des jardins pour nos voisins, les résidents de résidences et les maisons de retraite. Organisés de manière privée, mais annoncés officiellement, documentés et largement relayés par les médias. Nous avons ensuite été parmi les premiers à retourner en studio. Début juin, nous avons enregistré le premier de trois CD consacrés aux œuvres du compositeur suisse Joseph Lauber (1864-1952), figure oubliée du romantisme tardif. Le deuxième CD, enregistré en décembre 2020, paraîtra prochainement. Durant l'été, nous avons donné de nombreux concerts en plein air et, à partir de septembre, nous nous sommes principalement consacrés à la création d'œuvres pour le théâtre. Le premier opéra de Janáček, « Šárka », par exemple, n'a été créé qu'en mai 2021. Dans cette optique, nous avons diffusé en streaming une sélection de concerts, tels que le concerto de Beethoven avec la Chapelle musicale Reine Elizabeth de Bruxelles, « Inachevée » de Schubert et « Das Lied von der Erde » de Mahler pour la chaîne de télévision locale « Telebielingue » en janvier. Nous avons également produit un film de Noël, incluant des chants de Noël que les téléspectateurs pouvaient chanter chez eux, et exploré de nouveaux horizons cinématographiques avec « Der Bürger als Edelmann » de Richard Strauss. Enfin, nous avons enregistré plusieurs morceaux pour « NomadPlay », un format en ligne original qui permet, par exemple, à un musicien amateur ou à un étudiant de travailler la partie de clarinette d'une symphonie de Brahms de la visualiser et de l'entendre sur son écran, chez lui. La partie de clarinette elle-même. Musique sans un en ligne. Cela donne à notre orchestre une large audience ; NomadPlay compte des fans de Buenos Aires à la Corée du Sud. Ce qui était également très important pour moi pendant la pandémie, c'étaient les programmes de soutien aux jeunes artistes. Par exemple, en février, la classe de direction d'orchestre de la Haute École d'Art de Zurich (ZHdK) est venue nous voir et a pu utiliser tous les services d'un concert annulé pour ses répétitions. Ces jeunes chefs d'orchestre n'avaient pas pu pratiquer leurs instruments pendant une année entière, et nous étions déterminés à les maintenir engagés et à leur permettre de continuer à jouer. Un orchestre professionnel qui ne joue pas, c'est comme une maison inhabitée ; elle se dégrade rapidement et a besoin d'être rénovée. En parlant de maisons : pendant la pandémie, nous avons pu emménager dans notre nouvelle maison d'orchestre, l'église Zwingli à Bienne-Bözingen. Nous voulons transformer cette magnifique église des années 1960 en un centre culturel et communautaire dynamique et moderne qui puisse profiter à tout le quartier.

Quel type de son et quelles qualités sont importantes pour vous dans un orchestre ?
Le son est, bien sûr, quelque chose de très personnel. Je soutiens qu'une même œuvre sonne complètement différemment avec le même orchestre sous la direction de deux chefs différents. Je recherche la transparence sonore, l'assurance stylistique, au moins de l'époque baroque à la musique contemporaine. Le texte original est, à mes yeux, bien plus important que mon interprétation. Je souhaite que mon orchestre joue avec plaisir et enthousiasme, sans pression inutile. Un son détendu est bien plus beau. Il faut pouvoir débattre lors des répétitions, et le mot « concert » lui-même contient le mot « débat » (« certo », du latin « je débats »), mais aussi le préfixe « con », qui évoque une compétition, un joyeux échange.

Vous dirigez de nombreux orchestres d'Europe de l'Est. Comment cette collaboration a-t-elle vu le jour ?
Lorsque j'ai terminé mes études au début des années 1990, l'Europe de l'Est commençait tout juste à s'ouvrir ; c'était un vaste champ d'exploration qui s'offrait à moi, jeune Européen de l'Ouest. J'ai pris conscience de ce potentiel quasi illimité lors de mon séjour à l'Académie européenne Mozart de Cracovie. Alors que de nombreux musiciens d'Europe de l'Est cherchaient à gagner leur vie au sein d'orchestres occidentaux, j'ai eu la chance, très jeune en Europe de l'Est, de diriger des œuvres symphoniques majeures ou de me produire en soliste avec des orchestres nationaux – une opportunité qui m'aurait été impossible ici. J'ai pu apprendre sans cesse. On m'a confié de grandes responsabilités alors que j'étais encore inconnu. Par exemple, l'Orchestre philharmonique de Sibiu (Hermannstadt, Roumanie) m'a proposé le poste de chef d'orchestre vacant en 2002. Je suis infiniment reconnaissant pour cette opportunité et pour tant d'autres, et j'aimerais aujourd'hui rendre la pareille à ces orchestres. Par exemple, en continuant à jouer avec eux pour un cachet modeste et peut-être même en persuadant des solistes exceptionnels de me rejoindre pour une fraction de leur salaire habituel. Cela donne lieu à des rencontres intenses et à des expériences partagées profondes. La culture doit se fonder sur les rencontres plutôt que sur le profit. J'espère que la pandémie nous a permis d'en apprendre beaucoup.

Quelles sont, selon vous, les principales différences entre l'Est et l'Ouest en matière de musique classique ?
Je trouve cette division entre l'Est et l'Ouest obsolète et arrogante après plus de trente ans. Il n'y a fondamentalement aucune différence. Les mécanismes sont exactement les mêmes. L'écart budgétaire entre les centres ou capitales et les régions ou provinces est tout aussi important qu'ici, même si c'est précisément dans les régions que naissent parfois les grandes idées, et que la pensée créative est particulièrement encouragée par les contraintes budgétaires. Dans les pays communistes, la discipline, l'orientation, la détection précoce des talents étaient plus marquées qu'ici, et la culture était universellement soutenue par l'État, accessible à tous comme un droit fondamental, tandis qu'en Suisse, elle a toujours été un « plus » en période faste, quelque chose qu'il faut sacrifier ou du moins remettre en question existentiellement en période de crise. Par ailleurs, la culture n'a jamais été censurée ici. Aujourd'hui encore, dans de nombreuses institutions des anciens pays communistes, par exemple dans le milieu universitaire, on se débat encore avec des structures dépassées. Mais de nombreux jeunes artistes rentrent désormais dans leur pays d'origine après avoir étudié à l'étranger et réforment lentement mais sûrement le système.

Outre le répertoire classique, la découverte et la rareté vous passionnent. Comment vous y prenez-vous ?
Je lis, j’écoute et je vois beaucoup ; je passe beaucoup de temps dans la nature. J’ai de nombreux amis et connaissances qui n’ont rien à voir avec la musique. Nos conversations élargissent mes horizons. L’intérêt naît de l’« inter esse », de l’immersion ; je suis au cœur même de l’action, je n’ai donc pas besoin de suivre un processus particulier pour trouver ce que je cherche. J’exerce mon métier avec passion. C’est pourquoi je suis heureux.

Quels sont vos plus grands accomplissements musicaux ?
Je suis ravi que presque tous les orchestres que j’ai dirigés m’aient réinvité. C’est une grande joie pour moi de n’avoir jamais connu de départ difficile dans un lieu où j’ai travaillé longtemps, même après dix ou vingt ans. Et je suis tout aussi heureux de pouvoir apporter ma contribution dans un lieu a priori moins prestigieux, comme jouer aux côtés de Sir Simon Rattle à la Philharmonie de Berlin ou au Wigmore Hall. Ce qui compte, ce n'est pas le lieu, mais le quoi, le comment et avec qui. Soyons honnêtes : le succès est quelque chose que l'on doit vivre pour soi-même ; une carrière est avant tout une affaire de cœur et d'esprit. Après une vie de 50 à 70 ans, qu'est-ce qui importe le plus : avoir consacré sa vie entière au succès, à la présence médiatique et au nombre de « j'aime », ou avoir été heureux, avoir une vie privée épanouissante et pouvoir se regarder en face sans honte ?
J'exerce mon métier avec passion. C'est pourquoi je suis heureux.

Quels sont vos objectifs ?
Continuer d'apprendre, aller de l'avant, me fixer des objectifs ambitieux, ne pas oublier qui je suis et d'où je viens, et ne jamais cesser de rêver.

Quelles sont vos passions en dehors de la musique ?
La littérature est très importante pour moi, tout comme les arts visuels et du spectacle. Outre la culture, j'ai besoin de beaucoup d'exercice : voyages, randonnées, vélo, natation, tango. Et puis, il y a toujours ma famille et mes amis. Sans eux, rien de tout cela ne serait possible.

Interview de Florian Schär | Classicpoint.net | 11 mai 2021