Entretien avec Lukas Sternath

« Le silence peut être très puissant, presque choquant. »

Lukas Sternath (né en 2001 à Vienne) est un pianiste autrichien et l'un des jeunes artistes les plus prometteurs de sa génération. Il a acquis sa première expérience internationale au sein des Petits Chanteurs de Vienne. Il a étudié le piano à Vienne et à Hanovre auprès de professeurs renommés. Il a obtenu une reconnaissance internationale en remportant le Concours de musique de la chaîne ARD en 2022. Depuis, il se produit régulièrement dans les plus grandes salles de concert d'Europe et a reçu de nombreuses récompenses, dont le prix ECHO Rising Star et le prix BBC New Generation Artist.

Vos interprétations semblent souvent très structurées et pourtant si libres ; comment parvenez-vous à concilier réflexion analytique et intuition lorsque vous travaillez sur une œuvre ?
Je n’y vois pas de contradiction. Bien sûr, on prépare, on analyse, on s’interroge. Mais au moment du concert, il faut avoir la liberté de faire confiance à son intuition et d’explorer une autre voie émotionnelle ou interprétative. Les deux se complètent et forment une structure qui se recrée sans cesse au moment de jouer.

Existe-t-il une œuvre qui vous a complètement déconcerté lors de votre première écoute, une œuvre que vous avez dû approfondir pour la comprendre ?
Le Quatrième Concerto pour piano de Rachmaninov. À la première écoute, j’étais déconcerté et je ne savais pas quoi en penser. Ce ne fut pas le coup de foudre. Mais avec le temps, l’œuvre est devenue de plus en plus familière, presque tangible. Elle est devenue une pièce maîtresse pour moi – je l’ai jouée en finale du Concours ARD et lors de mes débuts au Musikverein de Vienne. C’est précisément parce que la connexion n’a pas été immédiate que cette relation est devenue d’autant plus intense.

Quel rôle joue le silence pour vous en musique, notamment lors des transitions ou après les moments culminants ?
Le silence est essentiel. L’instant qui précède la première note, lorsque la salle se tait, est particulièrement intense, tout comme la fin d’une œuvre. Le silence peut être très puissant, presque saisissant. Dans les dernières œuvres de Schubert, par exemple, on observe souvent des ruptures où la musique bascule dans le silence ou s’achève brusquement. Ces moments façonnent notre perception de ce qui a précédé et de ce qui a suivi. Le silence n’est jamais identique ; il varie selon le contexte.

Comment décider quand suivre scrupuleusement la partition et quand s'en écarter délibérément ?
En général, je suis la partition à la lettre et prends très au sérieux les indications du compositeur. Parallèlement, l'expérience – notamment avec les enregistrements de Rachmaninov ou lors de discussions avec des compositeurs contemporains – montre que l'interprétation est un processus dynamique. Les compositeurs, eux aussi, font constamment évoluer leurs idées. Les écarts sont possibles, mais doivent toujours être justifiés et reposer sur une compréhension solide.

Quels compositeurs considérez-vous comme plus « intellectuels » et lesquels comme plus « émotionnels » ?
Je pense que cette distinction est artificielle. La musique peut être les deux à la fois. Bach en est un bon exemple : une œuvre très structurée et, simultanément, profondément émotionnelle. Ce sont précisément les aspects réfléchis qui peuvent susciter une forte émotion. Le facteur crucial réside dans la diversité des niveaux d'expression.

Comment élaborez-vous vos programmes ? Par vocation théâtrale ou par curiosité personnelle ?
Les deux entrent en jeu. Le point de départ est toujours un besoin viscéral de créer. De là naît un programme réfléchi, doté d’une cohérence. L’interaction entre les différentes pièces et la manière dont elles créent une progression visuelle sont essentielles. C’est ainsi que chaque soirée se transforme en un voyage cohérent.

Y a-t-il une œuvre qui vous intéresse particulièrement en ce moment, mais que vous ne présenteriez pas encore en public ?
Si une œuvre m'intéresse, je souhaite la jouer au plus vite. Bien sûr, certaines choses demandent du temps et de la préparation, surtout les œuvres d'envergure. Mais c'est précisément en les jouant qu'elles s'enrichissent. On les met de côté plus tard et on y revient avec de nouvelles expériences. Ce processus d'évolution partagée est important pour moi.

Y a-t-il eu un concert où un événement totalement inattendu s'est produit et a influencé votre interprétation ?
Je n'ai pas d'exemples précis en tête, mais il se passe toujours quelque chose d'inattendu : l'ambiance, votre propre humeur, la réaction du public. On ne peut rien prévoir, et c'est ce qui rend chaque représentation unique et vibrante.

Quel genre de musique écoutez-vous en privé, d'inattendu ?
J'écoute des styles très variés et je ne fais pas de distinction entre les genres. Pour moi, l'essentiel, c'est la qualité et une passion palpable. Quand la musique est créée avec dévouement, elle a un effet touchant et inspirant, quel que soit le style.

Quelles sont vos passions en dehors de la musique ?
La philosophie est un complément important pour moi ; elle me permet de réfléchir à mon amour de la vie. Mes semblables et le temps que je passe avec eux sont tout aussi importants. L’humour joue également un rôle essentiel, notamment grâce aux émissions de fin de soirée. La musique, le rire et les relations humaines sont des sources d’énergie essentielles pour moi.

Interview de Florian Schär | Classicpoint.net | 1 mai 2026
Droit d’auteur de l’image : Daniel Delang

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