Frank Bungarten dans une interview

« J'ai été une provocation pour la scène guitare toute ma vie. »

Frank Bungarten occupe une place unique parmi les guitaristes d'aujourd'hui. Cela tient d'une part à sa démarche artistique, à son attachement indéfectible à la tradition, à sa fidélité à la partition et à sa quête intransigeante de la vérité musicale ; d'autre part à l'ampleur et à la pérennité de son succès, qui dépasse largement la simple reconnaissance dans le monde de la guitare.

Classicpoint.ch : Vous venez de la musique improvisée et avez débuté la guitare en autodidacte. Est-ce courant à la guitare ?
Oui, à mes débuts, dans les années 60 et 70, c'était presque toujours le cas, et à bien des égards, c'était une bonne chose. Je ne regrette pour rien au monde mes années dans le monde de la musique libre. Surtout, l'approche anti-hiérarchique et la conscience accrue de l'écoute et de la communication. Paradoxalement, mon statut d'autodidacte a profondément influencé ma façon d'enseigner. Aujourd'hui, la nouvelle génération de guitaristes classiques vient majoritairement d'Europe de l'Est et a un parcours complètement différent. Parallèlement, le nombre de jeunes musiciens dans les pays occidentaux a diminué.

La guitare classique occupe une place à part dans la musique classique, alors qu'elle est un instrument essentiel dans la pop/rock. Pourquoi n'a-t-elle jamais connu une notoriété comparable dans la musique classique ?
Elle l'a pourtant connue à l'époque de Segovia et de Bream ! Pourquoi, nous, jeunes musiciens, alors que nous étions témoins de l'apogée des légendes du rock, avons-nous perçu quelque chose d'aussi saisissant, voire de plus prometteur, dans la guitare classique ?
Julian Bream a déclaré, avec le recul : « C'était dans l'air. » Cette mystérieuse fascination pour la guitare auprès du public, que j'ai moi-même ressentie en tant qu'interprète jusque dans les années 1990, était liée à un contexte social et à une culture d'écoute particulière. Dans ce brouhaha acoustique et visuel croissant, que je perçois comme une forme de violence, les instruments les plus raffinés peinent encore davantage à se faire entendre. Pourtant, je n'ai jamais eu pour ambition de donner plus d'importance à la guitare. Si je peux jouer ma musique comme je l'entends et trouver un public, cela me convient parfaitement.

Alors que les instrumentistes à cordes, les pianistes et les instrumentistes à vent des académies de musique collaborent fréquemment dans le cadre de projets de musique de chambre et d'orchestres, les guitaristes évoluent généralement seuls ou entre eux. Les guitaristes sont-ils solitaires ?
Personnellement, je le suis. Mais en tant que musicien, j'ai toujours entretenu des liens d'amitié et des contacts avec des instrumentistes de tous genres. Ma collaboration avec la flûtiste Andrea Liebknecht sur nos CD était quasiment symbiotique, et ces derniers temps, je joue régulièrement avec des ensembles ou des orchestres. Cela contribue notamment à toucher de nouveaux publics. À l'académie de musique, je recherche délibérément des étudiants avec des personnalités affirmées, mais je les prépare à une vie riche en activités de musique de chambre. De mon point de vue, la plupart des élèves guitaristes ne sont ni assez doués pour un instrument avec lequel ils sont naturellement solistes, ni assez à l'aise pour aborder les autres instruments comme des partenaires égaux.
Cependant, cela ne conduit pas à l'isolement, mais plutôt à la création d'une véritable « scène de la guitare ».

Vous êtes professeur à l'Université de musique, d'art dramatique et de médias de Hanovre. Vos élèves jouent-ils tous du rock et du jazz en plus de la guitare classique, ou est-ce mal vu ?
Les meilleurs jouent encore de la guitare électrique, improvisent, peignent, écrivent de la poésie ; chacun fait ce qu’il a à faire. Pour moi, seuls l’arbitraire et le manque d’authenticité sont mal vus, quel que soit le style. J’échangerais volontiers la plupart des mascarades actuelles de « crossover » en quête de reconnaissance contre un simple riff de Billy Gibbons, qui disait : « On ne joue que trois accords, mais l’ordre compte. »

Vous jouez aussi à la guitare des œuvres qui n'ont pas été composées pour cet instrument, comme les sonates pour violon seul de Bach. Comment justifiez-vous cela ?
Je tiens à préciser que ma version des sonates et partitas pour violon de Bach est la seule transcription que je joue. Pour un tel projet, il me faut ressentir une nécessité artistique, qui découle de la musique elle-même. Je savais que je pouvais faire ressortir certains aspects de cette musique différemment, voire mieux, que ce que j'avais entendu auparavant, alors je me devais d'essayer. Au-delà de ça, je n'y ai jamais vraiment réfléchi.

Les œuvres pour violon ou violoncelle seul de Bach sont considérées comme sacrées par de nombreux violoncellistes et violonistes. Ils sont souvent déconcertés lorsque ces œuvres sont interprétées par d'autres instruments. Avez-vous déjà reçu ce genre de commentaires ?
Depuis trente ans, je n'ai reçu que des retours positifs de ce côté-là. Au départ, la maison de disques avait des réserves, mais le succès de l'enregistrement les a dissipées.
Les violonistes ont toujours été ma plus grande joie, et ce jusqu'à aujourd'hui : ils sont constructifs et empreints de respect mutuel. Les musiciens d'un certain niveau et d'une certaine attitude se reconnaissent et se comprennent tout naturellement. Au cours d'une exploration artistique sincère, les frontières et les concepts s'estompent, même entre les personnes. La question essentielle à laquelle sont confrontés aujourd'hui tous les interprètes de Bach, qu'ils soient spécialistes du sacré ou non, est de savoir comment s'approprier les acquis incontestables de l'interprétation historiquement informée.

La guitare est en réalité prédestinée à la musique polyphonique. Pourtant, nous connaissons surtout des pièces mélodiques avec des accords. Comment expliquer cela ?
Le dernier guitariste compositeur capable de parcourir le manche avec une grande maîtrise polyphonique était Fernando Sor, décédé à Paris en 1839. Pour écrire en polyphonie avec autant de naturel que Sor ou les maîtres du XVIe siècle, il faut une maîtrise exceptionnelle de l’instrument. C’est en effet une tâche ardue, et les compositeurs qui ne jouent pas de guitare en sont souvent découragés. Dans les « 24 Caprices de Goya » de Castelnuovo-Tedesco, une œuvre est née d’une longue et minutieuse étude du sujet, où différentes voix sont constamment sollicitées pour exprimer des dynamiques et des articulations variées. On évolue toujours à la limite, mais c’est aussi l’œuvre pour guitare la plus aboutie et la plus impressionnante, démontrant tout le potentiel de cet instrument.
Le fait que musiciens et public aient tendance à privilégier la facilité, une tendance renforcée par l’éducation et la société, n’est pas un problème propre à la guitare. J'aime aussi m'amuser, mais d'un point de vue de politique culturelle, je ne m'opposerais pas à la réintroduction des normes du XVIe siècle et de leurs notions de « maîtrise ».

Vous avez déjà reçu deux fois le prix Echo Klassik. Que représente-t-il pour vous et pour la scène guitaristique ?
Par tout ce que je fais – ma philosophie d’enseignement radicale en particulier, mais aussi le choix de mon répertoire, mon instrument et même mon image publique – j’ai toujours été une provocation pour la scène guitaristique. Au final, le terme « scène » rime avec conformisme et médiocrité. Pourtant, certains se disent : « S’il réussit, c’est finalement une bonne chose pour nous tous. »

De quel compositeur vivant, dont la musique pour guitare est une composition récente, aimeriez-vous jouer ou écouter ?
Je prépare actuellement la création mondiale d'une œuvre majeure pour électronique, claviers et guitare, composée par le jeune Damian Marhulets, et j'ai vraiment hâte d'y être. Je suis ouvert aux nouvelles créations, mais je ne les recherche pas activement. En réalité, je ne souhaite pas plus de musique, mais plutôt plus de silence, d'où la musique puisse émerger.

Quelle pièce recommanderiez-vous aux amateurs de musique classique qui ne connaissent pas encore très bien la guitare classique ?
C’est une question pertinente, mais à laquelle il m’est difficile de répondre, car j’ignore comment chacun conçoit la musique et son degré d’ouverture d’esprit. C’est dans cet esprit que j’ai enregistré le CD « Cancion y Danza » il y a quelques années, en imaginant un auditeur impartial, peut-être même quelqu’un qui ne connaît absolument rien à la musique classique. Il se voulait une introduction, proposant diverses approches sans privilégier les morceaux à succès. De manière générale, je recommande d’écouter toute pièce que vous découvrez avec un esprit ouvert, en comparant les différentes interprétations ! Et en prêtant attention à la qualité de l’enregistrement et à celle de votre système audio.


Interview de Florian Schär | Classicpoint.ch | 2 juin 2014