Maxim Vengerov dans une interview

«Il n'y a rien de plus puissant que l'amour.»

Né en Russie en 1974, le violoniste Maxim Vengerov a commencé l'apprentissage du violon à l'âge de cinq ans auprès de Galina Turchaninova. Aujourd'hui, il se produit sur les plus grandes scènes internationales. Le directeur artistique de l'Académie de musique Menuhin en Suisse revient dans cet entretien sur son parcours, ses nombreux mentors, ses trois rôles de violoniste, de chef d'orchestre et de professeur, ainsi que sur son rôle de membre du jury du Concours Isaac Stern.

Classicpoint.net : Vous avez étudié avec Zakhar Bron et l'avez suivi des pays du bloc de l'Est à l'Académie de musique de Lübeck dans les années 1990. Pouvez-vous nous parler de cette période ?
Avant d'étudier avec le professeur Bron, j'ai étudié pendant cinq ans avec Galina Turchaninova. En tant qu'élève de Bron, je suis allée à Lübeck pour étudier et me produire. C'était une période vraiment passionnante pour moi, surtout venant de Russie. À cette époque, la Russie faisait encore partie de l'Union soviétique, et le contraste culturel entre ma nouvelle destination et mon pays d'origine était saisissant. En tant que jeune, c'était une période cruciale pour découvrir la culture occidentale, comprendre les différences entre les cultures orientale et occidentale, et m'imprégner de la richesse de la culture occidentale. À mon arrivée en Allemagne, j'avais déjà un niveau avancé, grâce à une formation musicale intensive et exceptionnelle reçue en Russie : j'ai étudié non seulement le violon, mais aussi l'harmonie et d'autres disciplines musicales. C'était une période vraiment extraordinaire quand j'y repense, car à 13 ans, j'étais déjà musicienne itinérante, sur le point de faire le tour du monde pour la deuxième fois.

Lorsque vous avez remporté le Concours Carl Flesch et que vous avez soudainement décroché 70 engagements à travers le monde, vous n'étiez pas encore certain de vouloir devenir musicien professionnel. Pourquoi cette hésitation, et qu'est-ce qui vous a finalement conduit à la musique ?
J'ai étudié la pédagogie pendant onze ans auprès de deux grands maîtres. De ce fait, tout le monde me considérait comme un musicien professionnel, car mon répertoire était très étendu. Je n'étais plus perçu comme un enfant prodige. Après mes études avec Bron, j'ai décidé de ne plus prendre de professeur. Une fois qu'on a étudié avec un professeur aussi exceptionnel, qui d'autre peut-on envisager ? Le niveau avec Bron était vraiment exceptionnel, mais j'ai dû le quitter pour des raisons familiales. J'ai donc dû travailler seul et découvrir la musique par moi-même. À cette époque, j'ai contacté Isaac Stern pour une courte leçon. Il m'a demandé de jouer les gammes, ce que j'ai fait. Il m'a dit que je n'arrivais pas à enchaîner deux notes et qu'il était très heureux que j'aie donné autant de concerts et d'engagements à Londres, au Japon et aux États-Unis, mais que je n'avais pas encore atteint le professionnalisme musical. Je lui ai demandé de m'aider et de me dire ce qui n'allait pas. Il m'a répondu qu'il pouvait bien sûr me le dire, mais qu'il croyait que j'étais capable de trouver la solution par moi-même. Il m'a confié qu'à seize ans, lui aussi s'était retrouvé seul, sans professeur. S'il avait pu découvrir la musique par lui-même, je le pouvais aussi. Cela m'a ouvert la voie à un défi, car j'ai compris que je devais changer de cap.

J'écoutais des orchestres, des symphonies et des opéras, et j'étudiais l'harmonie et l'analyse musicale, ainsi que de nombreuses autres disciplines en dehors du violon. Cela m'a vraiment permis d'élargir mes horizons, car j'ai compris que sans connaissances supplémentaires, je ne pourrais pas faire carrière comme violoniste. Un an plus tard, j'ai eu plusieurs professeurs, aucun n'étant professeur de violon, et je me produisais intensivement, donnant 70 concerts. À 17 ans, j'ai rencontré les grands Rostropovitch et Barenboim, qui sont devenus mes mentors pour la vie. Avec eux, j'ai enregistré une grande partie du répertoire classique. Ils ont ouvert de nouveaux horizons et de nouvelles perspectives à ma vie musicale, et je leur en suis très reconnaissant.

En 2007, vous vous êtes blessé au bras droit et n'avez pas pu jouer du violon pendant quatre ans. Quel impact cela a-t-il eu sur votre carrière ?
Je ne me suis jamais blessé au bras ! J'avais besoin de temps pour faire le point sur ma vie. Les gens ont du mal à comprendre qu'on puisse quitter une carrière aussi brillante pour se consacrer à autre chose. Personne ne croyait à la véritable raison, alors ils ont inventé une blessure au bras. En réalité, j'ai senti que je devais arrêter ce que je faisais et apprendre la direction d'orchestre. Si j'avais continué à diriger, je n'aurais pas pu progresser autant. Je voulais vraiment maîtriser l'art de la direction d'orchestre de l'intérieur. J'ai annoncé à tout le monde que je serais de retour en 2011, ce que j'ai fait, puisque j'ai joué Brahms à Bruxelles en mai 2011. Depuis, je joue à nouveau, mais à un niveau différent. Étudier la direction d'orchestre m'a apporté une compréhension plus profonde et une nouvelle dimension à mon travail de violoniste. Les grands concertos sont généralement écrits comme des symphonies, avec les parties de violon intégrées. Pour saisir la texture d'un orchestre, il faut d'abord comprendre ce qu'est un orchestre. Savoir diriger un orchestre permet d'aller beaucoup plus loin, car cela permet de parler le même langage que le chef d'orchestre. Ce processus m'a été extrêmement utile ; j'ai ainsi acquis une compréhension bien plus profonde des œuvres de Brahms et de Beethoven.

Rostropovitch et Barenboim – que pouvez-vous nous dire sur ces deux personnalités ? Quelle était votre relation avec eux, et qu’avez-vous appris d’eux ?
Ils étaient complètement différents, comme le soleil et la lune. Je me souviens qu’ils étaient tous deux assez exigeants avec moi. Un jour, avant un concert, j’ai joué le Concerto pour violon de Sibelius pour Barenboim. J’étais satisfait de ma prestation, car je l’avais joué avec succès un mois auparavant. Mais en quelques secondes, le silence de Barenboim a anéanti toute ma confiance ! Ces secondes m’ont paru une éternité. Je lui ai demandé s’il était content. Il m’a répondu que je pouvais certainement jouer le morceau, mais que ce n’était pas le Concerto pour violon de Sibelius. Je lui ai demandé de quel morceau il s’agissait, et il m’a tendu la partition en me disant que je devrais le découvrir un soir.

Le lendemain matin, je l'ai revu et il m'a dit qu'il ne suffisait pas de s'entraîner ; il fallait aussi que je synchronise ma partie de violon avec les lignes orchestrales. Après la première répétition, il m'a encouragé, me disant que j'avais bien commencé.

Mais lorsque je donnais des concerts avec Barenboim, il insistait toujours sur sa propre interprétation. Avec Rostropovitch, il me prodiguait une quantité incroyable d'informations, mais me laissait libre de façonner le contenu musical selon mon ressenti pendant les concerts. Et c'étaient là les différences fondamentales entre Rostropovitch et Barenboim. Rostropovitch me laissait véritablement la scène et une liberté totale.

Vous êtes également membre de jurys de concours. Quels sont vos critères de sélection ?
J’ai participé à de nombreux concours de violon. L’un d’eux est le Concours Isaac Stern, où je serai membre du jury pour la finale l’année prochaine. J’ai été membre du jury du Concours Wieniawski en Pologne à deux reprises, une expérience marquante de par son caractère novateur. J’ai dirigé l’intégralité des épreuves préliminaires en direct, écoutant 220 violonistes dans neuf villes du monde entier. La seconde fois, j’ai effectué une première sélection parmi 250 violonistes d’Amérique, d’Europe et du Japon. Parmi eux, j’ai dû en choisir 45. C’était une expérience remarquable car, à chaque fois, je leur donnais 20 minutes pour jouer, suivies de cinq minutes d’échange. J’ai ainsi pu constater leur potentiel et leurs véritables besoins. Pour moi, un concours ne se résume pas à la qualification pour la finale, ni même à la victoire. L’important, à mes yeux, est que chaque participant en retire quelque chose. Il faut qu’il en ressorte transformé. C'est aussi une excellente plateforme pour que de jeunes musiciens se rencontrent et échangent.
L'histoire nous apprend que tous les lauréats ne parviennent pas au sommet. Je crois que ce concours permet de comparer de jeunes musiciens aux répertoires différents. Par exemple, on peut très bien jouer le Concerto pour violon de Mendelssohn, mais son interprétation de Bach peut manquer d'intérêt stylistique.

Les concours nous permettent d'évaluer le potentiel d'un musicien. Nous sommes conscients que ces jeunes talents ne sont pas encore des musiciens confirmés ; ils ont à peine trente ans. C'est pourquoi nous nous concentrons sur leur potentiel et sur ce que nous pensons être leur jeu dans quelques années. Il est très rare de rencontrer un jeune musicien déjà considéré comme accompli, mais cela existe.

Ils perçoivent la musique comme un outil de guérison dans notre monde trépidant. Comment et pourquoi la musique peut-elle nous aider ?
La musique est lumière et vibration. Par conséquent, tout ce qui vibre a le pouvoir d'influencer les gens. Il est essentiel de toujours choisir un répertoire et une musique que l'on aime profondément. L'amour est la plus grande énergie qui soit. Rien n'est plus puissant que l'amour. Et si vous n'êtes pas certain d'aimer la composition que vous jouez, alors mieux vaut ne pas la jouer !

J'admire profondément le travail du compositeur américano-maltais Alexey Shor. Compositeur en résidence de l'Orchestre symphonique d'État d'Arménie (ASSO), je suis son artiste en résidence. Nous avons donc uni nos forces pour la prochaine tournée européenne. Nous entreprendrons une magnifique tournée de cinq villes en janvier, et au programme, nous interpréterons le « Concerto pour violon n° 1 » de Bruch et « Tzigane » de Ravel, ainsi que de nouvelles œuvres émouvantes d'Alexey Shor : « Barcarolle » ou « Lonely Sail », selon le concert. Par ailleurs, l'ASSO donnera la première européenne de la Deuxième Symphonie, « Le Destin de l'homme », du compositeur arménien John Ter-Tatevosian.

L'œuvre de Shor est magnifique, mélodieuse et s'intègre parfaitement au reste du programme de l'ASSO. La musique de Shor, d'une grande richesse, se compose essentiellement de chants sans paroles qui décrivent la nature. Profondément liées à ses aspects naturels, ses pièces portent souvent des titres évoquant la mer ou un sujet tout aussi pittoresque. La Mer de Debussy en est un excellent exemple : la musique parle d'elle-même et nous aide à la comprendre.

Je crois qu'il existe deux types de musique. Le premier est celui de Brahms et Beethoven. On écoute une symphonie, on en perçoit la structure, et c'est comme un monument. Le second est plus imagé, celui de compositeurs comme Debussy, Fauré et Poulenc. Ce qui est intéressant dans leur musique, c'est qu'elle laisse à l'auditeur la liberté d'imaginer les intentions du compositeur.

Vous avez fait vos débuts comme chef d'orchestre d'opéra l'an dernier et vous avez même pris des cours de chant. Et après ? Qu'aimeriez-vous apprendre d'autre ?
J'aimerais composer un jour. J'ai dirigé la plupart des grandes œuvres et j'ai maintenant très envie de composer moi-même. Mais je veux le faire quand j'aurai le temps et sans me presser. Je veux laisser les choses se faire naturellement, si besoin est. Concilier mes trois professions de chef d'orchestre, de violoniste et de professeur est un véritable défi, et avoir une famille est un travail à plein temps !

Je suis également très impatient de travailler avec l'Orchestre symphonique d'État d'Arménie et Sergey Smbtayan pour la tournée européenne. J'ai rencontré Sergey lorsqu'il avait une vingtaine d'années ; c'est un violoniste très talentueux. Bien qu'il ne se produise pas souvent sur scène, sa maîtrise du violon est remarquable et met immédiatement à l'aise. L'orchestre est composé de musiciens talentueux, débordants d'énergie et dotés d'un immense potentiel.

De quel enregistrement ou projet êtes-vous le plus fier ?
Je suis fier de l’enregistrement du Concerto pour violon de Tchaïkovski que j’ai réalisé avec Myung-Whun Chung et l’Orchestre de Radio France en 2015. Il sonne différemment à mes oreilles aujourd’hui, car je l’interprète dans un style plus symphonique depuis que j’ai dirigé la Symphonie de Tchaïkovski. Chung est également un excellent chef d’orchestre et un partenaire fantastique, et l’orchestre a fait un travail remarquable.

Je suis également fière du récital que j'ai donné l'an dernier en direct du Carnegie Hall avec le pianiste Roustem Saitkoulov. Le concert a duré près de deux heures ! Nous avons interprété des œuvres de Rachmaninov, Paganini et Kreisler. Nous avons aussi joué « La Dernière Rose de l'été » d'Ernst, ce dont je suis particulièrement fière car je n'avais que dix ans lorsque je l'ai jouée pour la première fois ! C'était donc un plaisir de la rejouer.

Avez-vous d'autres passions que la musique ?
Ma passion, c'est ma famille. Mes enfants jouent aussi d'un instrument. L'aînée vient de faire ses débuts avec un orchestre en Russie, au piano.

Interview de Florian Schär | Classicpoint.net | 3 janvier 2020 |
Photographe : © Benjamin Ealovega