Maurice Steger dans une interview

« Cet amour a mûri, mais il est toujours aussi frais. »

Le journal The Independent a qualifié Maurice Steger de « plus grand virtuose de la flûte à bec au monde ». En effet, grâce à ses tournées internationales et à ses nombreux enregistrements, dont certains ont été récompensés par de prestigieuses récompenses, l'artiste s'est imposé comme l'un des solistes les plus populaires dans le domaine de la musique ancienne. Son charisme et son jeu, à la fois spontané et d'une grande virtuosité technique, ont permis à Maurice Steger de rehausser le prestige de la flûte à bec et de lui redonner toute sa place dans le paysage musical.

Classicpoint.ch : Il existe de nombreuses flûtes à bec différentes, qui varient en hauteur et en taille. Combien d’instruments possédez-vous et jouez-vous régulièrement ?
C’est vrai. Un violoniste n’a besoin que d’un seul instrument exceptionnel, mais nous, les flûtistes à bec, en avons besoin de plusieurs, qui diffèrent également par leur construction et leur accordage. Si je devais classer mes instruments, il s’agirait de flûtes à bec modernes, d’instruments historiques de styles très variés et de reconstitutions à partir d’originaux, ainsi que d’instruments fabriqués sur mesure – au total, probablement un peu plus de 70 flûtes à bec, toutes en excellent état et prêtes à être jouées à un haut niveau.

Vous êtes un spécialiste de la musique ancienne de renommée internationale. Comment avez-vous acquis ce savoir ?
J’ai d’abord étudié la musique ancienne, en me concentrant non seulement sur les techniques des instruments à vent, mais aussi en explorant les instruments à cordes. J’ai lu d’innombrables partitions, puis étudié la basse continue, et c’est seulement après, mes notes en main (elles sont conservées au grenier de la maison de mes parents), que le véritable travail a commencé. J’ai eu l’immense chance de grandir en jouant avec des ensembles de musique ancienne renommés, et l’apprentissage de la musique allemande auprès de Reinhard Goebel a été tout aussi précieux. Découvrir le style d’interprétation italien a été une expérience formidable. Plus tard, j’ai étudié la direction d’orchestre, et ces dernières années, j’ai également travaillé avec des orchestres anglais. Grâce à Europa Galante, Musica Antiqua Köln, l’Académie de musique ancienne de Berlin, I Barocchisti et The English Concert, j’ai entrepris un voyage au cœur du baroque européen, accumulant d’innombrables impressions, expériences et approches – sans doute plus enrichissant que n’importe quel cadre d’apprentissage formel.

La flûte à bec est considérée comme un bon instrument d'initiation avant d'apprendre un « vrai » instrument. Comment as-tu commencé à jouer de la flûte à bec et comment as-tu persévéré ?
J'ai eu beaucoup de mal avec cet instrument au début ; ma motricité fine était vraiment très mauvaise. J'ai donc dû ranger ma flûte à bec dans mon placard pendant quelques années et je n'ai commencé à en apprendre qu'à 10 ans. Je suis vraiment tombée amoureuse de cet instrument à 13 ans, et à 15 ans, il n'y avait plus rien d'autre dans ma vie. Cet amour a mûri, mais il est toujours aussi vif.

Avec le projet Tino Flautino, vous vous adressez aux écoliers. Pouvez-vous nous en dire plus sur ce projet et ce qui vous plaît tant ?
Notre premier projet Tino Flautino, mettant en vedette des musiques de compositeurs plus âgés, a touché un très grand nombre d'enfants et nous a permis de réaliser notre mission : offrir aux plus jeunes un souvenir précieux qui les accompagnera tout au long de leur vie. Ce succès nous a encouragés à créer une suite, avec une musique composée spécialement pour l'occasion par le jeune compositeur franco-suisse Rodolphe Schacher. Comme pour le premier conte, nous sommes partis d'images évocatrices, importantes pour les enfants, et avons cherché à dépeindre des éléments de la nature, des émotions humaines et des scènes à travers les textes et la musique, les tissant ensemble en une œuvre d'art complète qui raconte une histoire captivante et propose une musique entraînante. Les enfants sont un public formidable, sincère et direct. Ils savent reconnaître l'authenticité. C'est une excellente école pour nous, musiciens ! Et même après près de 200 concerts pour enfants, je reste fasciné par le fait de jouer pour eux. Au printemps 2011, j'ai également dirigé la première mondiale de « Pinocchio et le joueur de flûte » de Victor Fortin et j'ai invité de jeunes talents exceptionnels comme solistes pour créer un lien avec les plus petits – c'était formidable !

Vous dirigez également des orchestres. En tant que spécialiste de la musique ancienne, vous êtes souvent sollicité par des orchestres modernes peu familiers avec l'interprétation historiquement informée. Dans quelle mesure ces musiciens sont-ils ouverts aux nouvelles perspectives ?
​​En Allemagne, ces perspectives ne sont plus nouvelles ; les orchestres évoluent constamment, et la question est désormais de savoir quel rôle un chef d'orchestre doit jouer avec la musique ancienne. La direction proprement dite – raconter une grande histoire, comme un bon chef d'orchestre devrait le faire avec une symphonie de Beethoven – est largement absente de la direction de la musique baroque. Ce travail consiste plutôt à transmettre des compétences techniques, à concrétiser des idées musicales et à les exécuter avec le plus grand savoir-faire possible, à insuffler la motivation de créer une grande musique, à reconnaître l'esprit, le langage, voire le dialecte d'une œuvre, à jouer avec, sans se sentir contraint par l'absence du vibrato habituel ou d'une forte pression de l'archet. C'est une tâche merveilleuse qui insuffle une énergie nouvelle à chaque orchestre et enrichit l'expérience sensorielle de la musique ancienne – et qui me comble.

Vous travaillez avec le ZKO. Quel est exactement votre rôle ?
Je collabore avec le ZKO depuis très longtemps. Dès mes études, j’ai eu l’opportunité d’y interpréter mon premier concerto en solo. Par la suite, j’ai été invité à plusieurs reprises à jouer avec l’orchestre. J’ai participé au développement des concerts pour enfants et, ces deux dernières saisons, j’ai occupé le poste de directeur de la musique baroque. À ce titre, j’ai fait des concerts baroques un événement populaire et très apprécié, en accueillant des invités prestigieux et inspirants, en proposant un concept clair et en présentant un répertoire d’une grande qualité . Durant cette période, j’ai assisté à de nombreux concerts magnifiques avec le ZKO, aussi bien comme chef d’orchestre que comme spectateur. La série d’abonnements baroques est désormais bien établie et mon contrat prend fin cet été. Roger Norrington, qui possède une vaste expérience de la musique baroque, prendra la direction de l’orchestre.

Vous arrive-t-il de vous sentir limité et contraint par le répertoire ?
Non. Les restrictions sont généralement liées aux personnes et non à la musique elle-même.

Comment percevez-vous le lien entre les connaissances acquises grâce à l'étude des sources et la liberté d'interprétation d'un artiste ?
L'art réside dans le sentiment de liberté, malgré les contraintes des règles et des coutumes établies. En un sens, je suis un musicien sérieux qui, fort d'une solide connaissance du répertoire et des sources, sait à quoi doit ressembler et s'exprimer la liberté d'un musicien interprète. Explorer au mieux ces libertés est un art. Je crois que cette liberté est aujourd'hui plus étendue qu'elle ne l'était autrefois, compte tenu de notre familiarité avec tant de styles et d'époques. Les pratiques d'interprétation, la taille des salles de concert et les compositions orchestrales sont également très différentes. Il s'agit de trouver le merveilleux équilibre entre une musique chargée d'émotion – stylistiquement consciente, authentique, moderne et adaptée au contexte actuel – et une invitation simultanée à l'auditeur à s'immerger dans l'univers baroque.

En tant que soliste, comment vivez-vous la collaboration avec les principaux ensembles de musique ancienne ? Existe-t-il un consensus dans les pratiques d’interprétation, ou des différences d’approche subsistent-elles ?
Nous avons tous accès aux mêmes informations, et pourtant, nous les interprétons tous différemment. Quelle observation pertinente ! La plupart des sources qui nous sont parvenues sont écrites en allemand, et un Berlinois les lit, les prononce et les interprète différemment d’un Français qui, bien qu’il comprenne le contenu, le traduit. Il en va de même pour les instructions italiennes, les descriptions de règles françaises ou les traités anglais. De plus, l’origine d’un musicien est intrinsèquement liée à sa langue maternelle. Un Allemand du Nord, dès son plus jeune âge, sait parfaitement construire de longues phrases, les accentuer clairement et ainsi définir précisément ce qu’il dit. Il en va de même pour la musique : lisez Bach ou Telemann, et vous comprendrez vite que cette musique construite prend tout son sens grâce à ses accentuations et à son articulation. Les Italiens, par exemple, sont tout à fait différents. Leur langue est mélodieuse, elle évite les accents, et les passages sont clairement articulés. Autrement, on croirait entendre une dame cultivée de Hanovre commander son déjeuner dans un hôtel romain : la prononciation est claire, les consonnes sont bien articulées, l’élocution est parfaite, et pourtant le serveur italien réprime un rire, car cela dénaturerait son langage ; c’est moins une question de définition que de sonorité. Et c’est exactement la même chose en musique. Bien sûr, nous avons tous appris à comprendre nos voisins, à nous intégrer, mais – vive la diversité culturelle  ! – il n’en reste pas moins que lorsque j’écoute une suite de Bach avec l’Académie de musique ancienne de Berlin, non seulement je comprends tout, mais je ressens aussi les nuances dialectales jusque dans les moindres détails, et l’écoute m’apporte une information précieuse. Et lorsque j’écoute un opéra baroque à Naples, je ressens la même chose ; je suis subjugué par la sonorité de la langue.

La fréquentation des concerts de musique classique est en baisse. La musique classique est-elle en train de devenir obsolète ?
Non, je ne le crois pas. La musique classique est un genre qui ne séduit qu'une petite partie de la population, certes exigeante. C'est le cas depuis longtemps. De nouvelles formes hybrides émergent constamment, mêlant musique classique, folk, pop et musique populaire. Cette évolution crée des ponts entre les styles et attire un public plus large. La musique classique pure reste l'apanage des connaisseurs.
Personnellement, je suis ravi que mes concerts attirent toujours un public nombreux, qu'il s'agisse du répertoire habituel ou de pièces originales. J'ai récemment donné un concert d'un compositeur peu connu, M. Graupner, à la Philharmonie de Cologne, à guichets fermés : c'était tout simplement incroyable  ! Le public était au rendez-vous, même pour cette musique, qui représente une spécialisation supplémentaire au sein de la musique baroque ! Mon CD de musique baroque ancienne, datant d'environ 1625, a également trouvé sa place dans de nombreux foyers depuis sa sortie. La musique et ses compositeurs sont inconnus, même des mélomanes avertis. De même, notre ensemble de musique de chambre, composé de flûte à bec, de viole de gambe et de luth – trois instruments oubliés – le groupe avec lequel je me produis le plus souvent dans les plus grandes salles de concert d'Europe. Cela me prouve que l'essentiel réside dans le fond, dans la passion pour la musique, dans l'interprétation et dans la joie de la découverte. Et cela me rend heureux.



Interview de Florian Schär | Classicpoint.ch | 22 août 2011
Photo : Marco Borggreve

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