David Philip Hefti dans une interview

« Heureusement, les idées me viennent sans effort. »

David Philip Hefti est lauréat du prestigieux Concours de composition Gustav Mahler à Vienne, du Concours Pablo Casals à Prades et du Concours George Enescu à Bucarest. Il a également reçu le prix Hindemith et le prix de compositeur de la Fondation musicale Ernst von Siemens. Son œuvre remarquable comprend de la musique de chambre, des compositions pour ensemble et des œuvres pour orchestre.

Classicpoint.ch : D’où vous viennent vos idées, quand vous viennent-elles ?
Heureusement, les idées me viennent en un éclair. Mais c’est totalement imprévisible. C’est pourquoi j’ai toujours mon petit carnet sur moi. L’un de mes moments les plus créatifs est juste avant de m’endormir, dans cet état crépusculaire entre veille et sommeil – dans un silence absolu. Par ailleurs, je suis généralement inspirée par la vie quotidienne, et plus particulièrement par la poésie, les arts visuels, les promenades et les conversations avec mes amis. Bien que je vais très souvent à des concerts, il est rare qu’une musique « étrangère » m’inspire à composer ma propre musique – ce qui me surprend toujours.

Pouvez-vous exprimer verbalement votre style de composition actuel ? Et comment a-t-il évolué ?
Malheureusement non, car je ne suis pas écrivain ! Plus sérieusement : il m’est en effet difficile de décrire mon style actuel, car il faut écouter la musique – la percevoir sensoriellement. Voici néanmoins une tentative : mon langage musical s’est développé assez naturellement. Au début de ma carrière, je travaillais exclusivement avec les douze notes chromatiques. Après mes premiers essais timides avec la tonalité durant mon enfance, je me suis très vite orienté vers le langage tonal d’Alban Berg, sans toutefois jamais atteindre son niveau… Les années suivantes, j’ai enrichi mon langage sonore en y intégrant les micro-intervalles et les notes naturelles, les multiphoniques et toutes les techniques de jeu contemporaines, jusqu’à la production de bruit pur, jusqu’à ce que mon style actuel émerge de ces composantes comme une fusion organique. Mon but n’est pas d’enchaîner les effets, mais plutôt de créer un élargissement multiforme de la palette sonore et de l’harmonie qui en résulte. Cependant, mon cheminement est loin d’être terminé ! Mon style continuera d’évoluer tant que je composerai. Cependant, l'évolution de la situation reste totalement ouverte, car je ne l'influencerai pas de manière rationnelle, mais laisserai plutôt ma voix intérieure me guider.

Avec le recul, quelles sont les différences entre vos œuvres ?
Lorsque je termine une nouvelle pièce, j'ai toujours l'impression d'avoir créé ma meilleure composition, indépendamment de l'instrumentation ou de la durée. Logiquement, on pourrait classer toutes mes pièces chronologiquement, comme un collier de perles, créant ainsi un catalogue d'œuvres de qualité croissante. Pourtant, avec le recul, je constate que la qualité, l'originalité et la profondeur musicale varient. L'évolution est loin d'être linéaire ! En revanche, on observe que la maîtrise de la composition, le maniement des instruments, s'affine et se nuance au fil des années grâce à l'expérience. Stylistiquement, deux œuvres composées à la même période sont relativement similaires, car mon style, comme je l'ai déjà dit, s'est développé lentement et organiquement. Mais en y repensant, les différences les plus marquantes résident dans l'expression émotionnelle, les aspects formels et la transparence de la musique.

Comment votre biographie influence-t-elle votre travail ?
Ma biographie influence mon travail constamment et partout. Je ne pourrais l’empêcher, même si je le voulais, car je ne suis pas un robot, mais un être humain avec des fluctuations émotionnelles. J’ose affirmer que c’est le cas pour tous les artistes. Cependant, il ne faut pas en conclure que je compose de la musique joyeuse quand je suis en forme et de la musique sombre et triste quand je ne le suis pas. Tous les facteurs qui influencent ma vie se répercutent donc indirectement et inconsciemment sur ma musique. Pour moi, le lieu où je me trouve est également crucial. Par exemple, j’ai vécu à Londres pendant environ six mois et je n’ai pas composé une seule note durant cette période, car j’étais tout simplement submergé par l’offre culturelle, l’énergie vibrante de la ville et, bien sûr, les nombreux pubs, ce qui m’empêchait de travailler. Après mon séjour londonien, mon énergie créatrice a jailli comme une source inépuisable. Ce n’est que quelques mois plus tard que j’ai enfin réussi à assimiler, canaliser et traduire sur le papier cette profusion d’inspiration. Ma vie privée a également eu une influence considérable sur mon travail : depuis ma rencontre avec ma femme il y a quatre ans, le nombre de compositions que je réalise chaque année a doublé. Le mariage a transformé l’écrivain initialement lent en un compositeur un peu plus rapide et extrêmement inspiré !

Composerais-je différemment si je vivais dans une autre partie du monde ?
Absolument ! Mon bref séjour à Londres n’en est qu’un exemple. Bien sûr, ma musique est déjà présente en moi, elle ne demande qu’à s’exprimer et à être couchée sur le papier. Je puise en quelque sorte dans mes ressources intérieures. Cependant, les influences extérieures, notamment les autres lieux, affectent les sonorités qui m’habitent. Si je vivais au Japon, ma musique sonnerait certainement très différemment, même si ma signature musicale resterait indéniablement reconnaissable. Mais même là, il ne faudrait pas en conclure que ma musique acquerrait une « touche extrême-orientale » audible au Japon. L’influence géographique serait très subtile et, encore une fois, inconsciente.

Pourriez-vous décrire votre processus créatif pour la composition d'une œuvre ?
La composition étant à la fois ma vocation et mon métier, je m'efforce de rendre mon quotidien aussi intéressant et varié que possible. De ce fait, chaque œuvre suit un processus créatif différent. Je me permets d'esquisser les deux extrêmes entre lesquels se situent mes approches compositionnelles, avec toutes leurs formes hybrides : je développe d'abord la structure et la progression formelle de l'ensemble de la pièce et j'établis un diagramme chronologique dans lequel j'insère tous les paramètres musicaux. J'utilise pour cela des mots, des symboles inventés, voire des notes de musique. La dramaturgie et les relations entre les tempi, les sections formelles, les motifs, etc., s'intègrent également à cette esquisse, à la manière d'un plan d'architecte. Ce n'est qu'ensuite que je m'assieds avec une partition vierge et que je commence à écrire l'intégralité de la pièce, l'acte d'écriture lui-même influençant la musique. Aux premières étapes de ma composition, j'appliquais méticuleusement les concepts existants, m'obligeant à ne pas m'écarter du plan initial. Avec l'expérience, je me suis laissé guider de plus en plus par l'inspiration, m'affranchissant des contraintes de l'esquisse pour y revenir sans cesse. Le second extrême du processus créatif est apparu bien plus tard, avec encore plus d'expérience et de confiance en moi : plus de concept, plus d'idée, plus de limites. Je m'assieds devant la feuille blanche et j'attends de voir ce qui se passe. Ce moment, parfois douloureux, peut durer une éternité ! Quand (ou plutôt, si !) l'inspiration finit par arriver, c'est pour moi la manière la plus exaltante de composer. Comme guidé par une main invisible, les notes s'enchaînent jusqu'à ce que l'œuvre achevée, développée organiquement, se présente à moi. Il est étonnant de constater qu'une œuvre ainsi créée se révèle souvent, après analyse, plus rigoureusement composée qu'une œuvre suivant un concept mathématique. Cela me montre qu'on compose non seulement avec les tripes et non seulement avec la tête, mais avec les deux simultanément, car elles sont inextricablement liées. Entre ces deux types de processus créatifs, il existe, bien sûr, d'innombrables formes hybrides fascinantes. Tous les processus créatifs ont cependant en commun le fait que la double barre épaisse à la fin marque l'achèvement définitif d'une partition. Dès lors, les œuvres ne sont plus jamais modifiées, ni pour des corrections ni pour les dégrader, et sont diffusées dans le monde musical telles quelles.

Vous travaillez actuellement sur votre premier opéra. Pouvez-vous nous en parler ?
J'avais un immense respect pour ce projet, même si, après des décennies d'expérience en composition, ma maîtrise technique de l'orchestre est devenue une routine, tout comme mon travail avec les parties vocales. Mais un opéra, c'est tellement plus qu'un orchestre, un chœur et des solistes ! Son ampleur même – mon œuvre la plus longue à ce jour dure 35 minutes – m'a donné des sueurs froides, sans parler de la dramaturgie d'une entreprise aussi colossale et du développement des rôles et des personnages. J'ai cependant l'immense chance de mettre en musique un livret magnifique. Il s'intitule « Le Masque d'Anna », d'après la nouvelle éponyme d'Alain Claude Sulzer. L'auteur, grand amateur de musique et d'opéra, a écrit lui-même le livret. Son style est si rythmé qu'il a résonné en moi dès la première lecture. Environ la moitié de l'opéra est maintenant composée, et mon anxiété initiale s'est dissipée. De plus, travailler sur mon opéra me procure un plaisir plus intense que presque aucune autre expérience de toute ma carrière. Bien sûr, il y a toujours des périodes de stagnation, des phases critiques et des obstacles à surmonter, mais la joie que je trouve dans ce travail les surpasse largement. J'attribue cela au livret exceptionnel qui, malgré toute sa tragédie – meurtre ! suicide ! – me fait très souvent sourire, voire rire, dans le calme de ma chambre. Je n'aurais jamais imaginé que travailler sur un opéra puisse m'inspirer et me ravir à ce point. Aussi, j'attends avec impatience la première à Saint-Gall en mai 2017…

Percevez-vous une influence d'Internet sur le développement de la musique contemporaine ?
Les nouveaux médias exercent une influence considérable sur l'évolution de la musique (contemporaine). Il est frappant de constater que, notamment dans les domaines de la musique électronique et des projets multimédias, les limites sont pratiquement inexistantes. Aujourd'hui, les artistes ont accès non seulement à des logiciels très sophistiqués, mais aussi à d'immenses bases de données sonores. Composer avec des outils électroniques est devenu techniquement plus facile, tandis que les exigences artistiques et esthétiques restent (et doivent rester) aussi élevées qu'auparavant. Il est donc devenu plus difficile de sélectionner les œuvres de qualité parmi l'abondance infinie de compositions actuelles. Cela vaut naturellement aussi pour la musique acoustique. Une partition créée par un logiciel de notation est presque toujours d'une grande beauté graphique ; il faut donc avoir une oreille extrêmement fine pour reconnaître si cette partition magnifiquement imprimée possède réellement une valeur artistique. Cependant, Internet est primordial pour la diffusion de la musique contemporaine. Aujourd'hui, un ensemble complet de matériel d'exécution peut être envoyé à un orchestre à l'autre bout du monde, imprimé et joué. Il en va de même pour les enregistrements. Pour un compositeur d'aujourd'hui, il n'est plus absolument nécessaire qu'un éditeur distribue ses œuvres. Avec un peu de savoir-faire et de temps, ils peuvent le faire eux-mêmes. Je dois avouer que je me réjouis que les partitions et les fichiers audio soient disponibles partout et à tout moment. Cependant, le fait que tout doive être gratuit de nos jours me dérange énormément. Au final, cela nuit non seulement aux artistes, mais aussi à des pans entiers de l'industrie musicale. L'édition musicale tout entière est déjà en pleine mutation, et je suis très curieux de voir comment cette évolution se déroulera. L'innovation est essentielle ! En matière de diffusion musicale, je suis totalement optimiste quant à l'avenir d'Internet. Je suis convaincu que les réseaux sociaux joueront un rôle extrêmement important pour attirer un public de tous âges dans les salles de concert. Les possibilités me semblent illimitées et sont déjà explorées. L'attention se portera toutefois de plus en plus sur les réseaux sociaux. Bien sûr, on trouve aussi une quantité infinie d'absurdités sur Internet, mais si l'on sait utiliser les médias numériques et en tirer profit, Internet est un formidable outil d'information complémentaire.

Qu'est-ce qui est important pour vous dans toutes vos œuvres ? Établissez-vous des normes et des critères généralement applicables ?
Il est primordial pour moi que ma musique, quelle que soit la densité de l'instrumentation, soit toujours transparente et audible. Chaque note a sa place essentielle et exige d'être perçue par l'oreille. Il en résulte que même les passages les plus denses et les plus sombres de l'orchestration sonnent limpides. Un paradoxe ! De plus, j'accorde une grande importance à la rigueur formelle qui, en quelque sorte, prend l'auditeur par la main et le guide à travers toute la composition, garantissant que les éléments essentiels de l'œuvre restent gravés dans la mémoire dès la première écoute. Enfin, mon objectif est de noter mes partitions avec une telle précision que l'interprète n'ait pratiquement aucune question quant à leur exécution technique, même pour les œuvres complexes. C'est la seule façon pour moi d'être certain que les pièces sonneront exactement comme je les ai imaginées, même en mon absence lors des répétitions et des concerts – bien entendu, cette méticulosité ne s'étend pas à l'interprétation des musiciens !

Que souhaitez-vous accomplir avec votre musique ?
Je souhaite que les personnes qui l'écoutent soient touchées d'une manière ou d'une autre. Que ce soit par une adhésion enthousiaste ou un rejet catégorique, cela m'importe peu. Seule l'indifférence apathique me dérange. Si ma musique suscite également des réflexions qui, par la suite, changent ou influencent quelque chose dans la vie de l'auditeur, j'en suis ravi ! Bien que toute musique soit politique, la plupart de mes morceaux ne véhiculent aucun message politique ou socio-critique ; ce ne sont rien de plus, rien de moins que du son.

Avez-vous un objectif de vie global en tant que compositeur ?
J’ai eu quarante ans cette année et je me suis posé la même question. Statistiquement parlant, je travaille encore sur mes premières œuvres… Avec le recul, je suis étonné de la quantité de musique que j’ai déjà composée. Je me suis donc demandé si je ne devrais pas simplement écrire davantage d’œuvres orchestrales, de musique de chambre et de musique vocale. En ce sens, la commande d’opéra est arrivée à point nommé, comme un défi inattendu. Parallèlement à l’opéra, je travaille sur ma vaste symphonie, que j’écris mouvement par mouvement sur commande de quatre orchestres différents. Deux mouvements ont déjà été créés par l’Orchestre symphonique de Montréal sous la direction de Kent Nagano et par l’Orchestre symphonique de Bamberg sous la direction de Jonathan Nott. J’aimerais me consacrer à des projets aussi particuliers et ambitieux à l’avenir. Bien sûr, il y a aussi de nombreux orchestres et interprètes avec lesquels j’aimerais collaborer. Cependant, je n’ai pas de plan de carrière, car la vie, comme chacun sait, est totalement imprévisible. J'avance lentement et prudemment, étape par étape, et j'attends avec impatience toutes les commandes, tous les projets, toutes les performances à venir, et surtout de nouvelles rencontres avec des artistes intéressants.

Interview de Florian Schär | Classicpoint.ch | 2 novembre 2015
© Photo : Manu Theobald