Daniel Hope dans une interview

« De la discipline et une équipe formidable. »

Daniel Hope est l'un des violonistes les plus importants de sa génération. Il a joué avec Yehudi Menuhin dès l'âge de 11 ans. Parallèlement à sa carrière solo, il a également été membre du Beaux Arts Trio. Daniel Hope est aussi auteur et a publié deux ouvrages.

Votre mère était l'une des secrétaires de Yehudi Menuhin. Bébé, vous l'accompagniez constamment aux répétitions, aux concerts et en tournée. Comment avez-vous vécu votre enfance et votre adolescence au contact de Yehudi Menuhin ?
Je suis venue vivre avec lui à l'âge de six mois. Jusqu'à mes sept ans, je passais presque toutes mes journées avec lui, surtout chaque été à Gstaad. Plus tard, à seize ans, je suis partie en tournée avec lui et j'ai joué des concerts sous sa direction pendant dix ans : il dirigeait, j'étais soliste, même lors de son dernier concert. C'était une période merveilleuse ; Menuhin était toujours chaleureux et accessible. Il se considérait comme mon grand-père musical. Menuhin était très spontané. Il y avait toujours un Stradivarius ou un Guarneri ouvert sur la table ; il ne le rangeait jamais. Il le prenait et jouait, sans chichis, comme s'il buvait un verre d'eau. C'est de lui que j'ai appris qu'il faut jouer tous les jours. Il a dit : « Nous sommes comme un oiseau, et pouvez-vous imaginer un oiseau dire : aujourd'hui je suis fatigué, aujourd'hui je n'ai pas envie de voler ? »

Que représente Yehudi Menuhin pour vous, en tant que musicien et violoniste ?
 « Je sais maintenant qu’il y a un Dieu au ciel », avait déclaré Albert Einstein lors des débuts de Yehudi Menuhin en concert à Berlin, à l’âge de sept ans. Bruno Walter, le chef d’orchestre ce soir-là, l’avait surnommé « le petit garçon à la grande âme ». Bien que Menuhin soit décédé depuis longtemps, son souvenir reste vivace. Lorsque j’écoute ses enregistrements, je pense naturellement à son jeu et à sa sonorité si particulière. L’intensité des émotions qu’il transmet à l’auditeur est bouleversante.

Avez-vous vécu une expérience marquante en tant que mélomane ?
J’ai entendu pour la première fois le Concerto pour violon op. 64 de Mendelssohn, interprété par Pichas Zuckermann à Londres, à l’âge de cinq ans. Dès lors, je rêvais de le jouer, mais j’étais loin d’avoir le niveau technique requis. À l’internat, j’étais frustré car on ne me donnait pas assez de morceaux à travailler. Un jour, je me suis enfermé dans les toilettes et j’ai répété le concerto en cachette. J’avais emprunté la partition à un ami. Je me suis fait prendre et j’ai reçu une sévère réprimande. Mes parents ont été prévenus et ont cru que j’avais incendié l’école. Mais lorsqu’ils ont découvert la vérité, ils m’ont retiré de l’établissement.

Y a-t-il eu un moment marquant lors d'un concert en tant que musicien ?
Presque à chaque concert !

Vous avez joué du violon au sein du Beaux Arts Trio de 2002 à 2008. À votre avis, y a-t-il un son spécifique au Beaux Arts Trio que vous avez dû rechercher, ou jouiez-vous simplement dans ce trio comme vous l'aviez toujours fait ?
Cette période avec le Beaux Arts Trio a été une sorte de spécialisation en musique de chambre. Et quoi de mieux que de donner 400 concerts et d'enregistrer trois CD avec le merveilleux pianiste Menahem Pressler ? J'ai peut-être appris plus pendant ces années que durant toute ma vie. À chaque répétition, Pressler cherchait à réinventer les morceaux, même s'il les avait déjà joués des milliers de fois. Il n'y avait pas une seule répétition, par exemple, du Trio « Archiduc » de Beethoven sans qu'il marque une pause d'une trentaine de secondes avant. Pour lui, c'est toujours une question de vie ou de mort. Il se bat pour chaque accent et se retient énormément dans le jeu d'ensemble. C'est ainsi que naissent les moments magiques. L'alchimie entre Pressler, le violoncelliste Antonio Meneses et moi-même, au sein de la dernière formation du trio, était si forte que Pressler souhaitait que nous poursuivions l'aventure avec un autre pianiste. Mais cela m'était impossible. Le Beaux Arts Trio, c'est Menahem Pressler.

Vous êtes également auteur. Votre premier livre, « Familienstücke » (Fragments de famille), a connu un grand succès en Allemagne. Vous y racontez votre recherche de vos arrière-grands-parents à Berlin. Tous deux étaient des Juifs convertis au christianisme qui vivaient à Berlin, et vos deux arrière-grands-pères ont été assassinés pendant l'Holocauste. Quand et pourquoi l'idée d'écrire un livre à ce sujet vous est-elle venue ?
En 2007, j'ai reçu une proposition des éditions Rowohlt pour écrire ma biographie. J'étais flatté, mais en même temps, je trouvais cette demande absurde à l'aube de la trentaine. J'ai donc décliné avec gratitude. Quelques mois plus tard, j'étais à Berlin et j'ai visité l'ancienne maison de mes arrière-grands-parents. Par hasard, j'ai fait une découverte étonnante : mes ancêtres ont connu un sort tragique, fréquent à cette époque. Sous la pression, ils ont accepté la vente forcée de la villa et ont émigré en Afrique du Sud. Mon arrière-grand-père, incapable de supporter le voyage, est décédé en cours de route. La maison a d'abord abrité l'école juive privée Kaliski ; 39 élèves y ont péri durant l'Holocauste. À partir de 1939, le ministère des Affaires étrangères du Reich s'y est installé. Le principal centre de décryptage nazi y a été établi par le ministre des Affaires étrangères lui-même, von Ribbentrop. Aujourd'hui, la maison appartient toujours au ministère allemand des Affaires étrangères, et l'Institut archéologique allemand y gère une maison d'hôtes. Il est à la fois beau et poignant d'être dans cette maison. Lors d'une de mes premières visites, j'y ai découvert de vieux meubles ayant appartenu à mes ancêtres et un blason familial. Cette histoire m'a profondément marqué, et je me suis souvenu de la proposition de Rowohlt. J'ai donc pris mon téléphone. C'est ainsi qu'est né « Family Pieces ».

En septembre 2009, votre deuxième livre, un guide de concerts intitulé « Quand puis-je applaudir ? », a été publié. Pourquoi et pour qui avez-vous voulu écrire ce livre ?
Il examine les règles de la musique classique et de sa présentation. Il s’interroge sur la raison d’être de certaines règles et sur leur origine. Je l’ai écrit car je n’en savais pas assez moi-même. L’objectif est d’inciter les gens à aller à des concerts en leur expliquant les choses. Après avoir quasiment abandonné la pratique musicale à la maison et l’enseignement musical à l’école, on ne peut plus supposer que tout le monde connaît ces règles. Lors d’une lecture de mon premier livre, une personne m’a dit qu’elle n’allait pas à des concerts car elle ne savait pas quand applaudir. J’ai donc commencé à me plonger dans l’histoire des applaudissements sur cinq siècles…

Vous donnez plus de 100 concerts par an, enregistrez des CD, faites des apparitions à la télévision et écrivez des livres qui deviennent des best-sellers : comment parvenez-vous à tout concilier ?
Grâce à la discipline et à une excellente équipe.

Vous êtes déterminé à rendre la musique classique accessible au plus grand nombre. Quels sont les projets qui vous tiennent particulièrement à cœur ?
Live Music Now et Rhapsody in School sont deux projets exceptionnels qui allient idéalement musique et engagement social, et j’y participe régulièrement. Je dirige également deux festivals (Mecklembourg-Poméranie-Occidentale en Allemagne et Savannah aux États-Unis) – tous deux proposent d’importants programmes pour les jeunes artistes ou des concerts pour enfants.

Vous n’hésitez pas à collaborer avec d’autres styles musicaux que le classique. Qu’est-ce qui vous motive à réaliser des projets collaboratifs avec la pop, le rock, le folk ou la techno ?
La techno ne m’intéresse pas particulièrement, mais je m’intéresse à tous les autres genres. Je trouve passionnant et enrichissant de parler avec des musiciens, d’échanger avec eux et d’apprendre d’eux. Les genres n’ont pas d’importance à cet égard.

La plupart des stars de la musique classique ne souhaitent pas s'intéresser à d'autres genres musicaux. Pensez-vous que ce soit une bonne chose, ou un changement de mentalité est-il nécessaire ?
Chacun doit trouver sa propre voie. Pour moi, être musicien implique d'être très à l'écoute.

Croyez-vous que la musique classique puisse toucher les gens plus profondément que la musique pop ?
Sans aucun doute. La musique pop est à la musique classique ce que le champagne est au vin rouge. Le champagne a un effet immédiat, il agit directement, il est incroyablement puissant, mais seulement pour un court instant. L'effet d'un bon vin rouge, en revanche, est lent, progressif, mais dure beaucoup plus longtemps. On oublie vite le goût du champagne, mais on peut encore apprécier un grand vin le lendemain, et parfois même se souvenir d'un très bon millésime des mois plus tard.

Interview de Florian Schär | Classicpoint.ch | 4 mai 2012
Photo : Harald Hoffmann / DG