Herbert Schuch dans une interview

« J'écoute mes anciens enregistrements de temps en temps. »

Le pianiste Herbert Schuch s'est imposé comme l'un des musiciens les plus intéressants de sa génération grâce à ses programmes de concerts et ses enregistrements de CD à la conception audacieuse. En 2013, il a reçu le prix ECHO Klassik pour son enregistrement du Concerto pour piano de Viktor Ullmann et du Concerto pour piano n° 3 de Beethoven avec l'Orchestre symphonique de la WDR, sous la direction d'Olari Elts. Dès 2012, Herbert Schuch avait reçu un ECHO Klassik dans la catégorie « Meilleur enregistrement de musique de chambre de l'année » pour son enregistrement des quintettes pour piano et instruments à vent de Mozart et Beethoven.

Classicpoint.ch : Vous êtes né en Roumanie et avez déménagé en Allemagne après vos premiers cours de piano dans votre ville natale. Où vivez-vous aujourd’hui ? Qu’est-ce qui vous lie encore à la Roumanie ?
Mon chez-moi, c’est l’Allemagne. Étant né en Roumanie dans une famille allemande et l’allemand étant ma langue maternelle, arriver à Nuremberg en 1988, dans ce pays qui m’était alors étranger, a été comme un retour aux sources. Enfin, tout le monde parlait la même langue que moi ! Ma famille n’était cependant pas entièrement allemande. Mes cousins ​​ont été élevés en parlant hongrois car mon oncle avait épousé une Hongroise. Le nom de jeune fille de ma mère était Draskovic, un nom serbe. C’était donc un environnement multiculturel, en quelque sorte. L’État roumain était relativement tolérant envers les minorités. Par exemple, il y avait une école allemande où mon frère était scolarisé. Cela s’explique aussi par l’histoire. Jusqu’au début du XXe siècle, la population du Banat était majoritairement allemande et hongroise. Ses habitants sont devenus roumains du jour au lendemain après le rattachement de cette région à la Roumanie à la suite de la Première Guerre mondiale. Cependant, l'influence de l'ancienne monarchie austro-hongroise était encore perceptible sur le plan linguistique. Ma grand-mère disait encore « Paradeiser » au lieu de « tomates »… D'ailleurs, je n'ai parlé roumain qu'à la maternelle et pendant mes deux premières années d'école primaire, mais il ne m'en reste plus rien. Mon seul lien avec la Roumanie est ma première professeure de piano, Maria Bodo. C'est elle qui a posé les bases de ma technique ; je lui dois énormément.

Tous vos professeurs avaient plus de cinquante ans. Les avez-vous choisis délibérément ?
Non, pas du tout ! M. Kurt Hantsch, avec qui j'ai poursuivi mes cours en Allemagne, plus précisément à Rosenheim, était tout simplement le meilleur et le plus exigeant des professeurs. Il avait même étudié avec Edwin Fischer. Son appartement est encore pratiquement vide, tant il est rempli de livres, de partitions et de milliers de CD. Karl-Heinz Kämmerling, à Salzbourg, fut le premier professeur que mon père put me trouver dans la région, lorsque j'avais douze ans. Ainsi, tout en étant lycéen, j'ai étudié avec lui à Salzbourg et j'ai commencé à comprendre l'importance du répertoire d'Europe centrale pour nous, pianistes ! Avec Brendel, ils furent les professeurs qui m'ont le plus influencé. Tous trois sont nés vers 1930 ! J'ai la chance inouïe d'avoir pu m'imprégner de cette époque lointaine grâce à eux.

Vous avez également travaillé avec Alfred Brendel ces dernières années. Pouvez-vous nous en parler ?
On peut certes décrire les cours avec Alfred Brendel, mais cela ne rendra jamais compte de l'intensité de nos collaborations. Malgré les différences inhérentes à certains détails, je n'ai jamais rencontré de musicien qui pense, ressent et vit la musique avec autant de passion. Son humour légendaire est d'ailleurs totalement absent de son enseignement. Il est sérieux, d'une précision incroyable et toujours en quête du caractère juste, en harmonie avec le son, l'agogique et l'articulation. Je me sens un peu impuissant, car, écrit ainsi, tout cela sonne comme des platitudes. Pour vraiment comprendre la structure des leçons avec Alfred Brendel, il faudrait que je joue un morceau et que j'explique, à partir du son, les réflexions qui ont germé chez Brendel, puis, avec le temps, chez moi aussi. Si je dois néanmoins tenter de tirer une conclusion de cette profusion d'informations, il faut noter que Brendel, en tant que pianiste, s'efforçait toujours de ne pas être « un pianiste », mais plutôt de représenter un orchestre, un quatuor à cordes ou un chanteur sur scène. Cela vaut d'ailleurs pour presque toute la musique germano-autrichienne ! De Bach à Schoenberg, le piano n'est qu'un instrument brillant, mais paradoxalement pauvre, pour exprimer directement des pensées. C'est pourquoi, en tant que pianiste, on se demande toujours : quel est le rendu sonore ? Y a-t-il quatre ou quatre-vingts musiciens qui jouent ? Cette question ne se pose jamais avec Chopin. Il y a toujours un pianiste qui s'accompagne au piano tout en chantant.

On recherche des combinaisons surprenantes dans ses programmes de CD et de concerts. Comment abordez-vous la conception de vos programmes, qu'est-ce qui est important pour vous et comment trouvez-vous ces combinaisons ?
Cela varie énormément. Le cycle Schubert-Janacek, où j'associe les grandes œuvres pour piano de Schubert aux pièces pour piano, bien trop méconnues, de Janáček, et que j'ai interprétées lors de six concerts à Salzbourg, est né d'une inspiration soudaine, comme en plein sommeil. Quant à mon programme « Invocation », c'est un coup de fil de Nike Wagner qui m'a demandé un récital de piano sur le thème de l'« Invocation » pour le Festival des Arts de Weimar. J'ai donc simplement commencé à composer des morceaux sur ce thème.
Schumann a toujours été l'un de mes compositeurs préférés. J'ai compilé mon album « Sehnsuchtswalzer » (Valses de la nostalgie) lors de l'Année Schumann de 2010 pour célébrer ses premiers cycles de danses et révéler le lien caché entre Carnaval, op. 9, et une valse de Schubert. De nombreuses idées naissent de conversations avec d'autres musiciens et artistes. La créativité s'épanouit grâce aux échanges !

Lorsque vous avez remporté trois concours majeurs en une seule année, vous avez fait sensation dans le monde entier. Aimiez-vous participer à des concours ? Quel était votre secret de la réussite ? Jouiez-vous différemment en concours qu’en concert ?
Mon dernier concours remonte à plus de dix ans ; cela me paraît une éternité. À l’époque, je pensais que les concours étaient l’unique voie vers une carrière musicale. Cela était bien sûr dû en grande partie à mon professeur, Karl-Heinz Kämmerling, qui encourageait plus ou moins subtilement tous ses élèves à participer à des concours. J’ai eu de la chance, d’une certaine manière. J’ai rapidement remporté plusieurs concours importants et, bien sûr, j’ai savouré ces succès. Au-delà de l’aspect compétitif, les concours m’ont surtout appris l’importance d’une préparation minutieuse. J’ai également perçu la compétition comme une motivation pour m’investir pleinement et intensément dans les œuvres. Je n’ai jamais joué de sonates de Schubert en concours, sauf en concert. Cependant, après quelques concours peu fructueux, j’ai compris qu’il valait mieux les éviter. Les avis des juges étaient trop partagés, et je n'étais probablement pas à la hauteur pour jouer ce genre de musique à ce moment-là. Mais la progression ne s'acquiert qu'avec l'expérience, et c'est en concert, pas en compétition, que l'on progresse le mieux.

Tu es encore jeune. Avec le recul, quelles sont les principales étapes de ton développement ?
J'y vois plusieurs grandes tendances. D'une part, mes années d'école ont été très protégées, durant lesquelles j'ai beaucoup pratiqué mais peu joué en public. J'ai suivi un cursus scolaire classique et obtenu mon baccalauréat. C'était donc une période plutôt tranquille. Puis est venue la période intensive d'études à Salzbourg, ponctuée de nombreux concerts inoubliables ! La scène musicale y est très stimulante en dehors des festivals, notamment pour la musique contemporaine. J'ai beaucoup écouté et fait de nombreuses découvertes. Lachenmann, Klaus Huber et Toshio Hosokawa étaient tous présents à Salzbourg pour présenter leurs œuvres. Je me souviens d'une soirée inoubliable avec Nikolaus Harnoncourt et le Quatuor Hagen, où un quatuor de Mozart a été interprété. Harnoncourt a ensuite travaillé la partition avec le Quatuor Hagen à partir de l'autographe.
Puis est venue la phase des concours, suivie d'une certaine incertitude : j'avais gagné des concours, mais comment poursuivre mon développement musical ? À ce moment-là, Alfred Brendel est entré dans ma vie et m'a montré sur quoi un musicien peut et doit travailler tout au long de sa vie pour mener une vie musicale épanouissante. 

En novembre, vous avez fait vos débuts avec Valery Gergiev et l'Orchestre Mariinsky à Munich. Avez-vous choisi le Concerto pour piano n° 1 de Prokofiev ?
Valery Gergiev a interprété les cinq concertos de Prokofiev à Munich et souhaitait un soliste allemand pour le premier. J'étais, bien sûr, ravi qu'il me choisisse comme soliste. Prokofiev ne fait pas vraiment partie de mon répertoire habituel. Mais j'adore cette musique ! Elle est si spirituelle, si rafraîchissante, si différente de ce que je joue d'habitude ! Prokofiev avec le Mariinsky et Gergiev : c'est comme Noël et Pâques réunis ! Ce fut aussi une expérience intense, et très intéressant de voir comment il parvient à créer toute une atmosphère au sein de l'orchestre avec seulement deux ou trois détails lors des répétitions. D'ailleurs, j'ai joué la Sonate pour piano n° 8 de Prokofiev lors de mes débuts à Zurich, à la Tonhalle, il y a de nombreuses années. C'est une œuvre gigantesque et profonde, qu'on ne termine probablement jamais vraiment.
 
Où souhaitez-vous aller, quels sont vos objectifs ?
Il y a toujours deux réponses possibles à une telle question : quelle est l’évolution de votre carrière, ou comment évolue votre musique ? Idéalement, on pourrait poursuivre les deux simultanément. Malheureusement, jouer avec des orchestres de plus en plus prestigieux ne signifie pas automatiquement devenir un musicien plus accompli ! Parfois, l’évolution va même dans le sens inverse. Je tiens absolument à l’éviter ! Pour trouver un équilibre, j’ai besoin de moments où je peux me concentrer sur une œuvre dans le calme et la tranquillité. La musique de chambre est extrêmement importante pour moi ! Être sur scène avec de merveilleux musiciens et des amis chers, cultiver cette forme de communication musicale, me remplit de joie, et je souhaite le faire aussi souvent que possible. De temps en temps, j’écoute mes anciens enregistrements. C’est fascinant de voir comment ma musique a évolué au fil des ans et ce que je souhaite encore changer. On n’en a jamais vraiment fini avec la musique.

Interview de Florian Schär | Classicpoint.ch | 3 février 2016
© Photo : Felix Broede

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