Vadim Gluzman dans une interview

« Les instruments sont des êtres vivants, dotés d'une âme, de sentiments, d'humeurs et d'opinions. »

Le talent exceptionnel de Vadim Gluzman réside dans sa capacité à perpétuer la grande tradition du violon des XIXe et XXe siècles, qu'il insuffle à la modernité et au dynamisme de notre époque. Son vaste répertoire inclut également la musique contemporaine, qu'il défend et chérit. Soliste de renommée internationale, il réalise des enregistrements en public et des disques primés, exclusivement pour le label BIS, qui viennent compléter son importante activité de concertiste.

Classicpoint.net : Enfant, vous faisiez croire à vos parents que vous vous entraîniez beaucoup. Quand cela a-t-il changé, et preniez-vous plaisir à jouer ?
Je pense que la véritable raison pour laquelle j’ai commencé le violon était une jalousie enfantine. Mon père est chef d’orchestre et ma mère musicologue. Ils enseignent tous les deux, et je voulais recevoir autant d’attention de leur part que celle qu’ils accordaient à leurs élèves. Je voulais donc aussi apprendre d’eux. Cependant, ils ont délibérément choisi de ne pas m’enseigner eux-mêmes et m’ont inscrit dans une école pour enfants surdoués en Union soviétique. À cette époque, je vivais à Riga, la capitale de la Lettonie. À la fin des auditions, on m’a dit que j’avais un son très puissant et que j’étais admis. Le jury a ensuite voulu voir mes mains. J’étais absolument convaincu qu’ils voulaient vérifier si mes ongles étaient propres. Le lendemain, la liste des élèves admis a été affichée. J’y figurais, et à côté de mon nom, il était écrit « Skripka » – violon. Il n’y a eu aucune discussion ni négociation. On m'a dit que je serais violoniste, et c'est tout. J'ai dû m'y faire.
En russe, le violon est féminin et le piano masculin. Mon père m'avait expliqué que le piano était le roi des instruments et le violon la reine. Croyez-vous qu'un garçon de six ans veuille jouer de la reine ? Bien sûr que non, il veut jouer du roi ! J'ai décidé que lors de mon prochain séjour à Riga, je demanderai aux gens comment ils évaluent le développement des mains d'un enfant de six ans. Comment prédisent-ils leur évolution ? Comment peuvent-ils juger s'ils deviendront de bons violonistes ? Car, en réalité, mes mains sont parfaitement adaptées au violon, mais absolument pas au piano. Mon premier professeur enseigne toujours dans cette école ; il a presque quatre-vingts ans maintenant.
Lorsque nous avons émigré à Jérusalem après l'effondrement de l'Union soviétique, ce fut un choc culturel pour moi. Personnellement, musicalement, artistiquement – ​​tout : l'attitude face à tout était complètement différente. Ce qui m'a le plus séduite, c'est cette nouvelle autonomie, la possibilité de prendre mes propres décisions. La liberté est un don de Dieu, un don qui nous avait été volé en Union soviétique. Arriver dans un pays où la démocratie est pratiquée, c'était comme réaliser que je n'avais jamais respiré auparavant. Jusqu'à mes seize ans, je n'avais pas le droit de respirer, et je n'avais même pas conscience de ne pas respirer. Mais soudain, j'ai eu accès à l'oxygène, à cette liberté, et cela a complètement changé ma perspective.
Dès mon plus jeune âge, on me disait : « Tu es violoniste. » L'idée même que je puisse remettre cette affirmation en question était inconcevable. Mais quand on m'a enfin permis de questionner mon monde, j'ai commencé à en douter. Étais-je vraiment violoniste ? Il y a eu une époque où je pensais que non. Sans Isaac Stern et Arkady Fomin (mon premier professeur à Dallas, lorsque je suis partie étudier en Amérique), j'aurais probablement abandonné. Ils ont été des guides ; ils m'ont dissuadée de douter de mon avenir et m'ont au contraire encouragée à le façonner.

Ils ont été formés selon le modèle de l'école russe. Que pensez-vous de ce type d'enseignement aujourd'hui ?
Ce n'est pas tout à fait exact. J'ai étudié en ex-Union soviétique, mais mon premier professeur à Riga (Romans) enseignait selon l'école et la tradition allemandes du violon. Mon seul véritable contact avec l'école russe a été une année d'études avec Zakhar Bron à Novossibirsk. Je ne peux donc pas être considéré comme un violoniste représentatif de l'école russe. Néanmoins, je la connais très bien. Elle présente de nombreux aspects positifs, comme un haut niveau de professionnalisme dès le plus jeune âge et une solide base technique. Mais elle comporte aussi de nombreux aspects que je n'apprécie pas. L'accent est trop mis sur le répertoire virtuose ; les occasions de se produire en public et l'expérience précoce de la musique de chambre font défaut. Il en résulte une formation très unilatérale. L'enseignement est généralement très autoritaire et repose sur l'interprétation unique et « correcte » du professeur, au lieu d'encourager les élèves à rechercher et à développer leurs propres opinions, goûts et orientations musicales.

Pouvez-vous nous raconter comment vous avez eu la chance d'être l'élève d'Isaac Stern ? Qu'avez-vous appris de lui ?
J'avais seize ans et je venais d'arriver à Jérusalem deux semaines auparavant lorsque j'ai appris qu'Isaac Stern faisait passer des auditions à des enfants au Centre de musique. Tous les autres avaient probablement réservé leur audition deux ans à l'avance, mais je suis simplement allé le voir, je me suis présenté et j'ai dit que je souhaitais auditionner pour Isaac Stern. Finalement, il est entré dans la pièce, la réceptionniste lui a expliqué qu'un garçon de Lettonie était arrivé, et il a eu la gentillesse de m'écouter. Quelques heures plus tard, je quittais le Centre de musique avec un violon flambant neuf, une place à l'école, une bourse et la prise de conscience que je ne connaissais absolument rien à la musique, et encore moins au violon.
Ma relation privilégiée avec Isaac Stern m'a énormément aidé, même si ce fut loin d'être facile. Il avait une énergie incroyable, comme une machine infatigable. Rien n'était jamais assez bien pour lui, et je le dis dans le meilleur sens du terme. Il ne s'intéressait qu'à ce qui pouvait être amélioré. Il était inutile de perdre du temps à se concentrer sur ses points forts alors qu'on pouvait perfectionner ses points faibles.

Son professeur était également Zakhar Bron. Elle Maxim Vengerov, Vadim Repin étudiait dans la même classe
Avec le recul, c'était une période extrêmement stimulante. Bien sûr, je ne pouvais pas vraiment en profiter sur le moment ; j'étais adolescente. Mais quel environnement incroyable pour grandir avec eux tous ! C'était une compétition quotidienne. Il n'y avait pas que Maxim et Vadim, mais aussi Natalia Prischepenko, qui a longtemps été la première violoniste du Quatuor Artemis. … C'était un milieu incroyablement fertile, et Zakhar Bron était, bien sûr, une grande source d'inspiration. Il savait nous inspirer de mille façons, que ce soit en jouant pour nous ou en nous criant dessus, et chacun d'entre nous recevait un suivi vraiment personnalisé.

Avez-vous des conseils pour gérer le trac ?
Le trac, c'est assez simple, je ne m'en préoccupe pas. Bien sûr, je suis nerveux comme tout le monde, et bien sûr, cela affecte ma prestation. Le seul remède que j'ai trouvé au fil des années, c'est de monter sur scène, encore et encore. L'expérience est la meilleure des solutions. Montez sur scène aussi souvent que possible. Il n'y a absolument pas d'autre solution. On est anxieux au début, c'est parfaitement normal. Même si vous n'êtes que devant 10 personnes, vous êtes presque trop nerveux pour parler. C'est normal. Mais la normalité est une bonne chose ; je n'y vois rien de mal. Franchement, si vous savez gérer votre trac, cela ne peut qu'améliorer votre prestation. De temps en temps, j'arrive à canaliser cette soi-disant « nervosité » et à la transformer en inspiration créative. Cela ne nuira pas à votre performance si vous avez appris à la gérer. Et cela s'apprend en pratiquant. Vous pouvez apprendre à apprivoiser le trac. Entourez-vous de vos amis. Et même plus près de vos ennemis. Et peut-être qu'un jour vous comprendrez, vraiment, que nous ne faisons que produire du son, un son, espérons-le, beau. Nous ne pratiquons pas la chirurgie, nous ne construisons pas d'immeubles, nous ne fabriquons pas de produits. Ce que nous faisons ne nuit à personne, même si nous le faisons mal. Si vous aimez vraiment ce que vous faites, si vous ne pouvez pas vivre sans musique, le jour viendra où l'expérience accumulée compensera le trac. Je dis à tous ceux qui me posent cette question : saisissez toutes les occasions de passer des auditions, et ne pensez pas à l'argent, du moins pas sur le moment. Une maison de retraite, une église, une synagogue, ou n'importe quel autre lieu de spectacle. Et puis, jouez, tout simplement.

Vous voyagez beaucoup à travers le monde pour donner des concerts. Avez-vous une anecdote amusante à nous raconter ?
Mes moments les plus drôles se produisent toujours pendant les répétitions, ou même parfois pendant les concerts, quand les musiciens se font des blagues. Malheureusement, on ne peut pas les raconter ; il faut les vivre. Mais une anecdote me revient en mémoire. Il y a quelques années, je me suis trompé d’horaire pour un concert au festival du Colorado. J’ai à peine eu le temps d’ouvrir l’étui de mon violon, de l’accorder et de monter sur scène. J’avais déjà joué la moitié de la Sonate n° 2 de Prokofiev quand je me suis rendu compte que j’avais oublié de changer de chaussures et que je portais des baskets blanches à rayures jaune vif. C’était incroyablement difficile de ne pas rire, et je suis sûr que beaucoup de spectateurs se demandaient ce que je faisais de ma tenue.

Vous jouez sur le légendaire Stradivarius ex-Leopold Auer de 1690. Pouvez-vous nous parler de ce merveilleux instrument ?
Le violon ex-Leopold Auer a été fabriqué par Antonio Stradivari en 1690. Il porte le nom de son ancien propriétaire, un violoniste juif hongrois qui fut l'un des plus importants professeurs de violon du XIXe siècle. Parmi ses élèves figuraient des légendes telles que Heifetz, Elman et Gorski. Auer vécut de 1845 à 1930. Il résida en Russie pendant un demi-siècle et fut violoniste de la cour impériale auprès de trois tsars.
Mary Galvin et Geoff Fushi, les fondateurs de la Stradivari Society, ont assisté à mon premier récital au Festival de Ravinia. Ils ont dû apprécier ma prestation car, à mon retour de tournée un mois plus tard, j'ai trouvé un message sur mon répondeur m'invitant à venir à Chicago chercher un violon qui venait d'être mis en vente. Je m'y suis rendu dès le lendemain. Quand on m'a tendu le violon et que j'ai commencé à l'accorder, j'ai eu l'étrange impression d'être observé. Je me suis retourné et j'ai vu un immense portrait de Leopold Auer qui me fixait du regard, accroché au mur de la boutique Bein & Fushi !
J'ai réalisé à quel point ce lien avec la Russie était une source d'inspiration. J'ai été formé dans la tradition russe, et cette tradition a été fondée sur cet instrument. Oui, j'aime ce point de repère historique que m'offre ce violon. Mais je pense qu'en bouclant la boucle, je peux aussi en initier une nouvelle. Je crois fermement que les instruments sont des êtres vivants, dotés d'une âme, de sentiments, d'humeurs et d'opinions. La relation avec un instrument est comparable à bien des égards aux relations humaines. Comme dans toute relation, on s'influence mutuellement, on laisse une part de son âme dans l'autre. Nous laissons assurément notre empreinte sur l'instrument. Quiconque a joué de ce violon depuis Auer avant moi – Leonidas Kavakos et Dylana Jensen – y a laissé une part de son âme.
Le violon fait partie de moi. Les mots me manquent pour décrire la beauté de cet instrument. Il me permet de courir quinze fois plus vite, de plonger quinze fois plus profondément. La première fois que j'ai tenu ce violon entre mes mains et que j'en ai tiré des sons avec mon archet, j'ai compris que ma vie avait changé.
Ce violon possède toutes les nuances de couleurs et d'intensités imaginables, et parfois même inimaginables, des sonorités les plus sombres, les plus profondes et les plus intenses aux sonorités les plus claires, les plus lumineuses et les plus célestes ! Disposer d'une telle palette sonore est le plus beau cadeau pour un artiste. Cela m'inspire constamment à rechercher de nouveaux sons et de nouvelles interprétations.

Vous avez récemment enregistré Brahms avec l'Orchestre symphonique de Lucerne. Quel est votre rapport au compositeur Brahms et aux œuvres que vous avez enregistrées ?
Il est important de se rappeler qu'il s'agissait d'une œuvre moderne lorsque Joseph Joachim l'a interprétée. C'est grâce à sa curiosité, à son esprit novateur et à sa confiance en des compositeurs comme Brahms que nous disposons de ce répertoire. Bien sûr, je ne dis pas que Brahms n'aurait pas pu écrire ce concerto sans Joachim, mais il aurait été différent sans son influence. Il y a de nombreuses années, lorsque j'ai joué ce concerto pour la première fois avec un orchestre, je suis entré en scène et l'orchestre a joué le tutti initial. Je me souviens m'être soudain posé cette question : « Qui me donne le droit de jouer cette musique ? » Cela ne m'était jamais arrivé auparavant, ni pendant les répétitions ni pendant les séances de travail. Ce n'est que lorsque je me suis retrouvé face au public que cette pensée m'a frappé de plein fouet. Mais j'ai compris que je ne pouvais pas porter sur mes épaules le poids de tous les grands interprètes qui avaient joué cette œuvre. Cela aurait été paralysant. Tout ce que je peux faire, c'est vous exprimer avec la plus grande sincérité ce que je ressens pour cette œuvre.
J'ai joué presque l'intégralité du répertoire de Brahms pour violon, et j'ai même osé enregistrer certaines de ses pièces. Il va sans dire qu'il est l'un des plus grands compositeurs que l'humanité ait jamais connus. Chacune de ses œuvres est un chef-d'œuvre, sans exception. Chaque fois que je joue le Concerto pour violon de Brahms, par exemple, j'ai l'impression de prendre possession d'un palais parfait, à l'architecture extérieure et intérieure extraordinaire. Ma tâche consiste alors à l'aménager de manière à sublimer sa beauté, tout en y apportant ma touche personnelle. C'est un exercice d'équilibre délicat, un défi de taille, mais source d'une inspiration et d'une satisfaction immenses.
La sonate me touche plus profondément que presque aucune autre œuvre de Brahms. Elle recèle une intimité et une émotion profondes, indescriptibles. C'est l'une des œuvres les plus introspectives de Brahms, ce qui la rend d'autant plus puissante et impressionnante. Les tourments intérieurs sont les plus douloureux, et c'est ce que l'on ressent en travaillant sur ce projet.

Qu'est-ce qui vous intéresse en dehors de la musique ?
J'adore lire et j'ai toujours trois ou quatre livres dans ma valise. Pour l'instant, je ne lis pas de livres numériques. J'ai des goûts assez variés ; je lis à peu près tout, des biographies aux livres d'histoire, en passant par les nouvelles et les romans policiers.

Interview de Florian Schär | Classicpoint.net | 3 octobre 2017
© Photo : Marco Gorggreve

Prochains concerts

2 novembre 2026 - Vadim Gluzman (violon), Yulianna Avdeeva (piano)
14 janvier 2027 - Vadim Gluzman (violon), Orchestre symphonique tyrolien d'Innsbruck, Daniel Cohen (direction)