Entretien avec Gwendolyn Masin

«Je suis un passionné !»

Gwendolyn Masin est l'une des plus grandes violonistes de concert et une figure majeure de la musique classique contemporaine. Elle se produit sur la scène internationale en soliste et avec d'autres
musiciens, artistes et orchestres. Parmi ses enregistrements et tournées, on compte des concerts avec l'
Orchestre symphonique national d'Irlande, l'Orchestre de concert RTÉ d'Irlande, l'Orchestre philharmonique national de Hongrie, l'Orchestre de chambre de Hongrie, l'
Orchestre philharmonique de Savannah, l'Orchestre philharmonique de Géorgie et l' Orchestre symphonique de Berne. Sa carrière internationale l'a conduite à travers l'Europe, aux États-Unis, en Asie, en Afrique du Sud et
au Moyen-Orient.

En tant que commissaire de musique contemporaine, vous avez créé de nombreuses œuvres. Comment choisissez-vous les compositeurs ?
Je me produis comme violoniste soliste depuis l’enfance. Mon premier concert public dans une grande salle a eu lieu à Budapest, à l’Académie Liszt Ferenc, alors que j’avais six ans. À cette occasion, j’ai rencontré un compositeur pour la première fois. Ma mère, altiste hongroise, m’a présenté ses amis Marta et György Kurtág. Leurs personnalités remarquables m’ont impressionnée. György a parlé avec enthousiasme à ma mère de sa dernière composition, et j’ai été touchée par l’énergie et la passion avec lesquelles il s’exprimait. Plus tard, mes parents m’ont fait écouter certaines de ses pièces et m’en ont joué quelques-unes. J’y ai perçu la même fantaisie, la même audace et la même curiosité que chez Kurtág.
Des années plus tard, à la fin de mon adolescence, une idée m’est venue alors que je me sentais seule dans une chambre d’hôtel lors d’une tournée au Mexique. Tout en m’exerçant un peu sans but précis, je me suis souvenue de Kurtág et je me suis demandée si les compositeurs qui travaillent en solitaire éprouvent eux aussi ce sentiment d’isolement. Et puis, j'ai compris que jouer de la musique, c'est dialoguer avec un compositeur et ses idées, exprimées à travers la musique.
Depuis, chaque fois que je rencontre des compositeurs avec lesquels j'aimerais collaborer, je prends le temps d'échanger et de partager mes réflexions. Ce lien entre l'artiste et sa musique me permet d'être au cœur du processus, un point où, en tant qu'interprète, je peux me rapprocher au plus près de la musique, et où j'espère pouvoir également amener le public.

Donnez-vous des directives pour les compositions commandées et guidez-vous le processus créatif ?
Cela varie selon les cas. Lorsque le compositeur irlandais John Buckley a écrit son premier concerto pour violon, que j'avais commandé, j'étais très impliqué, jusqu'à la cadence, que nous avons en partie construite à partir de mes improvisations. Pour les commandes d'œuvres du festival GAIA, j'essaie de fournir un cadre ou un thème et l'ensemble, tout en laissant au compositeur la liberté dont il a besoin. Lorsque Dobrinka Tabakova était compositrice en résidence à GAIA, elle a d'abord créé des œuvres autour des musiciens participants, adaptant certaines de ses compositions à leurs besoins. Nous avons interprété l'une de ses pièces en duo, et cela m'a fait prendre conscience de l'importance du rôle du dédicataire dans ses œuvres.

Vous êtes la fondatrice et la directrice musicale du GAIA Music Festival. Qu'est-ce qui distingue ce festival ?
Beaucoup de choses, je crois. Les thèmes de la diversité, du développement durable et de l'égalité nous sont chers depuis le début. Le nom même du festival y fait allusion. Gaïa, née du chaos, est la déesse grecque primordiale incarnant la Terre.
Le festival vise à créer des interprétations uniques et vivantes. Elles émanent de musiciens qui se réunissent pendant dix jours pour élaborer un répertoire. Et au lieu de privilégier la diffusion culturelle au point d'en faire une obligation vide de sens, nous avons tissé des liens avec les habitants du village d'Oberhofen et de nos autres lieux de représentation dès le départ. Nous collaborons sur des projets, ouvrons nos portes pendant les répétitions, dialoguons avec le public et échangeons des idées lors de soirées intimistes. J'invite des artistes désireux de créer des liens, qui reflètent les réalités de notre société.

Le festival approche à grands pas ; quels sont vos moments forts cette année ?
J'attends avec impatience de nombreux événements. La reprise de la pièce « Le Voyage », que j'ai créée avec Lukas Bärfuss. Le concert avec Amandine Beyer, où musique baroque et Renaissance rencontre la « Nuit transfigurée » de Schoenberg. Des œuvres de compositeurs moins connus comme Bodorová, Ben-Haim et Bacewicz, mais aussi des pièces célèbres : le Septuor de Beethoven ou un concerto pour piano de Mozart.

Vous avez lancé le cycle multidisciplinaire « À la recherche du temps perdu » en 2004. Pouvez-vous nous en parler ?
Ayant commencé à me produire très jeune, à 23 ans, j'aspirais à la connexion, à la collaboration et à intégrer les autres formes d'art que j'affectionne à ma vie scénique.
J'ai très tôt embrassé l'idée de performances multidisciplinaires. « À la recherche du temps perdu » en est un exemple, et a connu quelques évolutions depuis. À l'origine, ce spectacle mêlait musique classique, théâtre, littérature, danse et création lumière dans des espaces insolites ; par la suite, la musique contemporaine y a été ajoutée.
La série s'est déroulée en Irlande et en Suisse et est actuellement suspendue au profit d'autres productions qui ont retenu mon attention.

Vous avez été invitée à concevoir et à organiser la série « Cocktail pour les Muses » pour le Casino de Berne et à vous produire vous-même à chaque concert. Il en résulte des productions élaborées et uniques, mêlant musique classique et autres genres musicaux et formes d'art. Comment cette idée a-t-elle vu le jour ?
Après d'importants travaux de rénovation au Casino de Berne, son département culturel m'a invitée à créer cette série. Le Casino de Berne souhaitait attirer un public plus large, au-delà de sa clientèle habituelle. J'ai adoré diriger cette série de 2018 à 2023. Nous organisions jusqu'à trois événements par an. Par exemple, lors du premier, j'ai joué avec mon ensemble ORIGIN aux côtés d'Andreas Schaerer, Kalle Kalima et Wolfgang Zwiauer. Au programme : Bach, improvisations, jazz et œuvres récemment composées. Ce furent des moments magiques dont je garde un souvenir impérissable et que l'on peut revoir sur YouTube.

Vous êtes souvent invitée à prendre la parole lors de conférences, souvent avec votre violon. De quoi aimez-vous parler le plus ?
Je suis passionnée ; je peux m'enthousiasmer très vite pour des sujets aussi variés que la musique, d'autres formes d'art, les sciences, la politique ou l'histoire. Les invitations à donner des conférences arrivaient généralement dans le cadre de récitals et, parfois, j'avais l'occasion de m'adresser à un public peu ou pas familier avec la musique classique. D'un côté, cela expose beaucoup, comme pour TEDx, mais de l'autre, c'est une expérience formidable et extrêmement enrichissante.

Vous avez développé votre propre méthode d'enseignement, et votre livre, « Michaela's Music House, The Magic of the Violin », a été primé. Quels sont les aspects clés de votre méthode ?
Sans doute la stimulation de l'imagination dès le plus jeune âge, une approche approfondie de la technique instrumentale et la conviction profonde que les élèves doivent acquérir leur autonomie musicale le plus rapidement possible. Plus un élève quitte ma classe avec un esprit critique, prêt à se lancer dans sa propre aventure musicale, plus grande est ma satisfaction.

Dans votre thèse de doctorat, vous avez retracé l'histoire contemporaine du violon et analysé les similitudes et les différences de la pédagogie du violon au XXe siècle. Quelles sont vos principales conclusions ?
Difficile à résumer. L'ouvrage compte plus de 200 pages et aborde plus de 20 thèses de grands violonistes, de Geminiani en 1751 à Menuhin et Bron, en passant par Spohr, Baillot, de Bériot et David. Ce livre comprend des entretiens avec des figures emblématiques du violon, dont certains ont été mes professeurs : Ana Chumachenco, Zakhar Bron, Shmuel Ashkenasi, Herman Krebbers, Boris Kushnir, Nora Chastain et Maxim Vengerov. On y trouve une mine de conseils précieux sur la technique et le mouvement.
Je recommande à tous les passionnés de violon, désireux de découvrir les méthodes d'enseignement des grands pédagogues des 270 dernières années, de télécharger ma thèse. Elle est disponible gratuitement sur le site web du Trinity College, où j'ai obtenu mon doctorat.

Quels sont vos projets actuels ?
Je suis en tournée en tant que soliste avec l'Orchestre de Chambre hongrois Anima Musicae, je prépare les programmes de la saison 2025/26 et je travaille à l'élaboration d'un récital solo, ainsi qu'au développement de « The Journey » avec Lukas Bärfuss. J'apprends également discrètement l'art de la direction d'orchestre auprès de chefs d'orchestre exceptionnels.

Que faites-vous en dehors de la musique ?
Beaucoup de choses, j'aime tout. Mais d'une manière ou d'une autre, tout ce que je fais finit par se retrouver sur scène. Je suis mère, j'aime bouger, j'écris et je lis beaucoup, j'adore être en déplacement, et j'ai une curiosité insatiable et un grand intérêt pour les rencontres. Bref, une passionnée.

Interview de Florian Schär | Classicpoint.net | 1er avril 2024
Photo : Balazs Borocz