Teodoro Anzellotti in un'intervista

"La custodia della fisarmonica di mio padre non doveva essere aperta."

Oltre 300 composizioni sono state scritte per Teodoro Anzellotti. Da oltre 30 anni è una presenza fissa sulla scena concertistica, insegnando e registrando CD. Ha svolto un ruolo chiave nell'integrazione della fisarmonica dalla musica popolare a quella classica. Attraverso tecniche innovative, ha ampliato la tavolozza timbrica del suo strumento a un livello senza precedenti.

Classicpoint.ch: Suo padre suonava già la fisarmonica quando lei viveva ancora in Italia. Cosa significava la fisarmonica per suo padre?
La fisarmonica era parte integrante della sua vita e del suo amore. Dopo l'emigrazione, divenne ancora più importante nel suo nuovo paese. Se fosse stato possibile dedicarsi alla musica professionalmente ai suoi tempi e nella sua regione, lo avrebbe sicuramente fatto.
Il suo orecchio era infallibile e conosceva a memoria migliaia di brani. Questo rimane indelebilmente impresso nella mia memoria ancora oggi.
 
Come è arrivato a suonare la fisarmonica?
La custodia della fisarmonica di mio padre era off-limits. E come spesso accade con i bambini, questo tabù esercitava un fascino particolare su di me. Quando finalmente mi è stato permesso di suonare la fisarmonica, ne sono rimasto affascinato e praticamente inseparabile dallo strumento.

Lei è cresciuto in Germania. Se confronta la Germania con il suo paese natale, l'Italia, quali sono le differenze per quanto riguarda la fisarmonica?
Per il grande pubblico, la fisarmonica è ancora strettamente associata alla musica popolare. Se è interessante o sofisticata, la fisarmonica ha uno status più elevato.
In Italia, tracce di musica popolare con radici molto antiche persistono ancora, ad esempio nelle canzoni napoletane. Elementi di questa musica si possono trovare persino nelle opere di Pergolesi, con le loro ambiguità tra tonalità maggiori e minori, o nei ritmi delle tarantelle. Questa musica è suonata e amata ancora oggi, e con essa l'attuale formazione strumentale, inclusa la fisarmonica. In Italia, mi sembra che ci siano generalmente meno pregiudizi e classificazioni riguardo all'arte o agli artisti. Nei
paesi di lingua tedesca, la fisarmonica ha ancora un'immagine piuttosto sobria e modesta. Tuttavia, a causa dell'influenza e della presenza di vari generi musicali del mondo, quest'immagine sta cambiando da tempo.
Gli amanti della musica classica ora conoscono e apprezzano la fisarmonica anche come strumento da concerto classico. Soprattutto nei festival, dove la curiosità, la sete di sorpresa e il desiderio di innovazione sono maggiori rispetto alle serie in abbonamento, i programmi per fisarmonica sono molto apprezzati, sempre più richiesti e frequentemente eseguiti.
Nei festival di musica contemporanea, è ormai parte integrante del repertorio strumentale.

Da bambino, ti esercitavi in ​​modo ossessivo. I tuoi genitori, per paura, una volta ti hanno persino portato via la fisarmonica e ti hanno rinchiuso. Qual era la tua motivazione?
Mi piaceva immensamente, ed è per questo che c'erano questi periodi di intenso entusiasmo. Suonare la fisarmonica era di gran lunga ciò che amavo di più, e certamente ciò in cui ero più bravo.
Non so esattamente cosa abbia scatenato questa passione.

Sono state scritte per te più di 350 opere. Cosa affascina i compositori della fisarmonica?
La fisarmonica è uno strumento estremamente versatile. Possiede una grande varietà timbrica ed è una sorta di "strumento di sintesi". Può essere facilmente combinata o mixata con tutti i gruppi di strumenti, fondersi con essi o distinguersi sonoramente. Possiede un mondo sonoro misterioso e sensuale. Può suonare delicata e flessibile, e persino leggera e un po' caotica nei registri più acuti, mentre altre volte può essere diretta, brillante e carica di enorme intensità e ricchezza, oppure pallida o liturgica.
Ma ciò che è particolarmente speciale e unico è il fatto di essere uno strumento polifonico a fiato e a tastiera. I suoni possono essere fatti crescere e regredire dal nulla. Il peso dei suoni può essere modellato e percepito con entrambe le mani, le braccia o tutto il corpo. È uno strumento che respira in modo udibile e visibile, e credo che questa qualità sia di particolare interesse per i compositori e affascini gli ascoltatori. Per altri, la sua natura insolita potrebbe avere un certo fascino.

Perché i compositori di musica classica di alto livello scoprirono la fisarmonica solo allora?
Solo negli anni '60 le fisarmoniche da concerto divennero facilmente reperibili. Prima di allora, erano disponibili solo come strumenti su misura direttamente da alcuni produttori. Molti compositori probabilmente non ne erano nemmeno a conoscenza. Alban Berg, ad esempio, ebbe difficoltà a trovare un fisarmonicista adatto per la prima del suo Wozzeck del 1925, uno il cui strumento potesse suonare tutto con l'intonazione precisa e nelle ottave corrette. Ci riuscì solo dopo una lunga ricerca.
Allo stesso modo, Sascha Heifetz, un appassionato di fisarmonica, commissionò per sé uno strumento su misura in Italia negli anni '30.
La differenza rispetto alle fisarmoniche convenzionali è che non solo consentono di suonare note basse preprogrammate meccanicamente con accordi armonicamente corrispondenti, il che è pratico per suonare in modo semplice e veloce da imparare, ma offrono anche note singole su sei ottave. In linea di principio, qualsiasi brano scritto per strumenti a tastiera può essere eseguito tecnicamente correttamente su una fisarmonica. Da allora, è gradualmente iniziato uno sviluppo serio e indipendente della letteratura sulla fisarmonica, che ha permesso di esplorare la fisarmonica in nuove e complesse dimensioni sonore e tecniche.
Naturalmente, ciò ha richiesto pionieri eccezionalmente talentuosi, coraggiosi e stimolanti che si sono rivolti ai compositori. Inizialmente, l'attenzione era rivolta alla definizione di standard. Anche l'aspetto pedagogico ha svolto un ruolo comprensibile e importante a quel tempo. Non si cercavano estremi.
Io, d'altra parte, sono spinto da un'insaziabile curiosità di esplorare ogni sfaccettatura della fisarmonica, di mettere in discussione gli standard sonori e tecnici e di testare e ampliare continuamente i miei limiti e quelli dello strumento. Da questo, e naturalmente dalla selezione dei compositori, sono emersi un repertorio, una tecnica, uno stile esecutivo corrispondenti e anche domande su come migliorare la costruzione della fisarmonica.

Recentemente, è stata composta molta più letteratura nuova per la fisarmonica che per qualsiasi altro strumento. La fisarmonica è lo strumento solista del futuro?
In effetti, in tutto il mondo è stata creata una vasta mole di letteratura interessante. Non solo brani solistici, ma anche musica per un'ampia varietà di ensemble più o meno numerosi, o concerti solistici con orchestra. Per molti musicisti, soprattutto i tastieristi, i brani solistici o i programmi puramente solistici rappresentano una sfida evidente. Oggi esiste un oceano di meravigliosi brani solistici che consentono di realizzare i programmi più diversi e interessanti.
Tuttavia, credo che in futuro la fisarmonica si svilupperà ulteriormente nella musica da camera e diventerà anche una componente più affermata del nuovo repertorio orchestrale e d'insieme.

Lei insegna presso le accademie musicali di Berna e Friburgo in Brisgovia. Dove vede le differenze tra i sistemi universitari e gli studenti in Svizzera e Germania?
Grazie alla riforma di Bologna, le accademie musicali in Germania hanno potuto mantenere un periodo di studio di quattro anni per i corsi di laurea triennale. L'anno in più è evidente per la specializzazione strumentale.
Gli studenti in Svizzera apprezzano il fatto che la musica da camera e la musica contemporanea ricevano maggiore supporto organizzativo, pianificazione e promozione. Il lavoro di progetto e l'apertura a nuove idee sono incoraggiati e quasi sempre portano a esibizioni pubbliche. Gli studenti ricevono generalmente una guida e un supporto più approfonditi, anche nelle materie secondarie.
In Germania, ci si aspetta dagli studenti maggiore iniziativa, indipendenza e flessibilità. Molto si fa anche in modo informale.
Tuttavia, nonostante i contenuti dei corsi, le sedi e le tradizioni individualizzate, le università stanno lavorando intensamente, soprattutto di recente, per adeguare le molteplici esigenze della futura vita professionale e preparare al meglio gli studenti. Ad esempio, la possibilità di vivere come "musicista patchwork" freelance, che sta diventando sempre più comune tra i musicisti di oggi.

E la prossima generazione? Il numero e la qualità degli studenti di fisarmonica stanno aumentando o diminuendo?
Secondo le statistiche, la fisarmonica è il terzo strumento più popolare tra i bambini in Germania e Svizzera.
Nelle zone rurali, tuttavia, è ancora più spesso insegnata da insegnanti part-time. L'idea di lavorare come fisarmonicista professionista e proseguire gli studi musicali completi all'università è ancora piuttosto insolita in questi ambienti.
Ciononostante, il numero di studenti di fisarmonica si è moltiplicato negli ultimi 20 anni. Le domande di iscrizione sono diventate più internazionali. La qualità complessiva è aumentata significativamente. Un livello di esecuzione professionale elevato viene ora raggiunto tre o quattro anni prima.
Nelle prestigiose classi universitarie, ora si può trovare almeno uno studente in grado di suonare brani che 20 anni fa erano considerati estremamente impegnativi e avevano solo pochi solisti nel loro repertorio.
Anche la sicurezza stilistica e la qualità del suono si sono ulteriormente sviluppate.
Molti strumenti hanno richiesto un periodo di sviluppo di 200 anni per raggiungere una tecnica esecutiva altamente raffinata e un repertorio ampio. La fisarmonica lo suonava a una velocità vertiginosa. Come in time-lapse.

Hai altre passioni oltre a suonare la fisarmonica?
Oltre alla mia famiglia, non ho molto tempo libero e cerco di vivere e godermi consapevolmente le cose di tutti i giorni. Bei paesaggi, viaggi, buona cucina. Oppure, da molto tempo mi interesso di fisarmoniche. Ho idee e criteri molto precisi e ho avuto la fortuna di trovare un liutaio eccezionale e, per me, perfetto nel laboratorio Bugari molti anni fa. Mantengo uno stretto contatto con i suoi tecnici. Il pianista Pierre-Laurent Aimard ha fatto un paragone calzante per il dialogo tra liutai e musicisti: "È un po' come un pilota di Formula 1 e i suoi tecnici".

Intervista di Florian Schär | Classicpoint.ch | 4 agosto 2014