David Philip Hefti in un'intervista

"Fortunatamente, le idee mi vengono senza sforzo."

David Philip Hefti è vincitore del prestigioso Concorso di Composizione Gustav Mahler di Vienna, del Concorso Pablo Casals di Prades e del Concorso George Enescu di Bucarest, e ha ricevuto il Premio Hindemith e il Premio del Compositore della Fondazione Musicale Ernst von Siemens. La sua straordinaria opera spazia dalla musica da camera e dalle composizioni per ensemble alle opere per orchestra.

Classicpoint.ch: Da dove prendi le tue idee, quando ti vengono?
Fortunatamente, le idee mi vengono in un lampo. Ma è del tutto imprevedibile quando questo accade. Ecco perché porto sempre con me il mio piccolo quaderno. Uno dei miei momenti più creativi è poco prima di addormentarmi, in quello stato crepuscolare tra la veglia e il mondo dei sogni, nel silenzio assoluto. Inoltre, traggo generalmente ispirazione dalla vita di tutti i giorni, e in particolare dalla poesia, dalle arti visive, dalle passeggiate e dalle conversazioni con gli amici. Anche se vado ai concerti molto spesso, è raro che la musica "straniera" mi ispiri a mettere nero su bianco la mia musica, il che mi sorprende sempre.

Riesci a esprimere verbalmente il tuo attuale stile compositivo? E come si è sviluppato?
Purtroppo no, non sono uno scrittore! Scherzi a parte: non è facile per me esprimere a parole il mio stile attuale, perché bisogna ascoltare la musica, percepirla sensorialmente. Ciononostante, ecco un tentativo: il mio linguaggio musicale si è sviluppato in modo del tutto naturale. All'inizio della mia carriera, lavoravo esclusivamente con i 12 toni cromatici. Dopo i miei primi timidi tentativi di tonalità durante l'infanzia, mi sono presto orientato verso il linguaggio tonale di Alban Berg, naturalmente senza mai raggiungere il suo livello... Negli anni successivi, ho ampliato il mio linguaggio sonoro includendo microtoni e toni naturali, multifonici e tutte le tecniche esecutive contemporanee, fino alla pura produzione di rumore, finché il mio stile attuale non è emerso da queste componenti come una fusione organica. Il mio obiettivo non è quello di concatenare effetti, ma piuttosto di creare un'espansione sfaccettata della tavolozza sonora e dell'armonia che ne deriva. Tuttavia, sono ben lungi dall'essere terminato il mio percorso! Il mio stile continuerà a evolversi finché continuerò a comporre. Tuttavia, la direzione che prenderà questo sviluppo è completamente libera, poiché non lo influenzerò razionalmente, ma lascerò che sia la mia voce interiore a guidarmi.

Guardando indietro, dove vedi le differenze tra le tue opere?
Quando finisco un nuovo brano, mi sembra sempre la migliore composizione che abbia mai creato, indipendentemente dalla strumentazione o dalla durata. Logicamente, questo significherebbe che tutti i miei pezzi potrebbero essere disposti cronologicamente come una collana di perle, creando automaticamente un catalogo di opere di qualità crescente. Tuttavia, guardando indietro, mi rendo conto che la qualità, l'originalità e la profondità musicale variano. Lo sviluppo non è affatto lineare! D'altra parte, si può osservare che la tecnica compositiva, la gestione degli strumenti, diventa sempre più raffinata e delicata grazie ad anni di esperienza. Stilisticamente, due opere create nello stesso periodo sono relativamente simili, poiché il mio stile, come già accennato, si è sviluppato lentamente e organicamente. Ma guardando indietro di diversi anni, le differenze maggiori risiedono nell'espressione emotiva, negli aspetti formali e nella trasparenza della musica.

In che modo la tua biografia influenza il tuo lavoro?
La mia biografia influenza il mio lavoro costantemente e ovunque. Questo non si potrebbe evitare nemmeno se lo volessi, perché non sono un robot ma un essere umano con fluttuazioni emotive. Oserei dire che questo vale per ogni artista. Tuttavia, non si deve concludere che componga musica allegra quando mi sento bene e che scriva musica cupa e triste quando non sto bene. Tutti i fattori che influenzano la mia vita confluiscono quindi indirettamente e inconsciamente nella mia musica. Per me, anche il luogo in cui vivo è cruciale. Ad esempio, ho vissuto a Londra per circa sei mesi e non ho composto una sola nota durante quel periodo perché ero semplicemente sopraffatto dall'offerta culturale, dall'energia vibrante della città e, naturalmente, dai numerosi pub, che mi impedivano di lavorare. Dopo il mio periodo a Londra, la mia energia compositiva è sgorgata come una sorgente inesauribile. Solo pochi mesi dopo sono stato finalmente in grado di elaborare, canalizzare e tradurre su carta gli stimoli travolgenti. Anche la mia vita privata ha avuto un'influenza significativa sul mio lavoro: da quando ho incontrato mia moglie quattro anni fa, il numero di composizioni che completo ogni anno è raddoppiato. Il matrimonio ha trasformato uno scrittore inizialmente lento in un compositore un po' più veloce ed estremamente ispirato!

Comporresti diversamente se vivessi in una parte completamente diversa del mondo?
Assolutamente! Il mio breve soggiorno a Londra è solo un esempio. Certo, la mia musica è già presente nel mio corpo e nella mia mente, in attesa di essere liberata e scritta. Attingo da me stesso, per così dire. Tuttavia, le influenze esterne, compresi altri luoghi, influenzano i suoni dentro di me. Se vivessi in Giappone, la mia musica suonerebbe sicuramente molto diversa, sebbene la mia firma musicale rimarrebbe sicuramente riconoscibile. Ma anche qui, non si dovrebbe concludere che la mia musica acquisirebbe un "tocco estremo-orientale" percepibile in Giappone. L'influenza geografica sarebbe molto sottile e, ancora una volta, inconscia.

Potresti descrivere il tuo processo creativo per comporre un brano?
Poiché comporre non è solo la mia vocazione, ma anche la mia professione, cerco di rendere la mia vita quotidiana il più interessante e varia possibile. Pertanto, ogni brano ha un processo creativo diverso. Mi prendo la libertà di delineare i due estremi tra cui si collocano i miei approcci compositivi, con tutte le loro forme ibride: prima sviluppo la struttura e la progressione formale dell'intero brano e disegno un diagramma cronologico in cui vengono inseriti tutti i parametri musicali. Per farlo, utilizzo singole parole, simboli inventati o persino note musicali. Anche la drammaturgia e le relazioni tra tempi, sezioni formali, motivi, ecc. confluiscono in questo schizzo, proprio come il progetto di un architetto. Solo allora mi siedo con un foglio bianco e inizio a scrivere l'intero brano, con l'atto stesso della scrittura che influenza la musica. Nelle prime fasi della mia composizione, ho implementato meticolosamente i concetti esistenti, sforzandomi di non discostarmi dai piani. Con l'aumentare dell'esperienza, mi sono lasciato guidare sempre di più dall'ispirazione, abbandonando i vincoli dello schizzo, per poi tornarci ripetutamente. Il secondo estremo di un processo creativo è arrivato molto più tardi, con ancora più esperienza e fiducia in me stesso: non c'è nessun concetto, nessuna idea, nessun limite. Mi siedo davanti al foglio bianco e aspetto di vedere cosa succede. Questo momento doloroso può durare per sempre! Quando (o meglio, se!) l'ispirazione finalmente arriva, per me è il modo più felice di comporre. Come guidato da una mano invisibile, annoto nota dopo nota finché il pezzo finito, sviluppato organicamente, non si trova davanti a me. È sorprendente che un'opera creata in questo modo risulti spesso, a un'analisi successiva, più rigorosamente composta di un'opera che segue un concetto matematico. Questo mi dimostra che si compone non solo con le viscere e non solo con la testa, ma con entrambe contemporaneamente, poiché sono indissolubilmente legate. Tra questi due tipi di processo creativo, esistono, naturalmente, innumerevoli affascinanti forme ibride. Tutti i processi creativi, tuttavia, hanno in comune il fatto che la notazione della doppia battuta finale significhi il completamento definitivo di una partitura. Da questo momento in poi, le opere non vengono più toccate, né per correzioni né per peggioramenti, e vengono inviate al mondo musicale esattamente come sono.

Attualmente sta lavorando alla sua prima opera. Può raccontarci qualcosa a riguardo?
Ho nutrito un enorme rispetto per questo compito, anche se la mia gestione tecnica dell'apparato orchestrale può ormai essere considerata di routine dopo decenni di esperienza compositiva, così come il mio lavoro con le parti vocali. Ma un'opera è molto più di una semplice orchestra, coro e solisti! La sua vastità – la mia opera più lunga finora dura 35 minuti – mi ha fatto sudare, per non parlare della drammaturgia di un'impresa così imponente e dello sviluppo dei singoli ruoli e personaggi. Tuttavia, sono incredibilmente fortunato a poter musicare un libretto straordinario. Si intitola "La maschera di Anna", basato sull'omonimo racconto di Alain Claude Sulzer. L'autore, che è un grande amante e intenditore di musica e opera, ha scritto il libretto personalmente. Il suo linguaggio è così ritmato che ha iniziato a risuonare nella mia mente fin dalla prima lettura. Circa metà dell'opera è ormai composta e la mia iniziale ansia è svanita. Inoltre, lavorare alla mia opera mi sta dando più piacere di quasi qualsiasi altra esperienza in tutta la mia carriera. Certo, ci sono sempre periodi di stagnazione, fasi critiche e ostacoli da superare, ma la gioia che provo in quest'opera li supera di gran lunga. Attribuisco questo al libretto eccezionale, che, nonostante tutta la sua tragedia – omicidio! suicidio! – mi fa spesso sorridere e persino ridere nel silenzio della mia stanza. Non avrei mai immaginato che lavorare a un'opera potesse ispirarmi e deliziarmi così profondamente. E quindi, non vedo l'ora della prima a San Gallo nel maggio 2017...

Ritiene che Internet abbia un'influenza sullo sviluppo della musica contemporanea?
I nuovi media hanno un'influenza significativa sullo sviluppo della musica (contemporanea). È sorprendente che, soprattutto nell'ambito della musica elettronica e dei progetti multimediali, non ci siano praticamente più limiti. Oggi gli artisti hanno accesso non solo a software altamente sofisticati, ma anche a interi database sonori. Comporre con strumenti elettronici è diventato tecnicamente più semplice, mentre gli standard artistici ed estetici rimangono (e devono rimanere) elevati come prima. È quindi diventato più difficile selezionare le opere di qualità dall'infinita abbondanza di composizioni odierne. Questo vale naturalmente anche per la musica acustica. Una partitura creata con un software di notazione musicale ha quasi sempre un aspetto graficamente magnifico; quindi è necessario un orecchio estremamente attento per riconoscere se la musica splendidamente stampata abbia effettivamente un valore artistico. Tuttavia, Internet è di fondamentale importanza per la diffusione della musica contemporanea. Oggi, un set completo di materiale per l'esecuzione può essere inviato a un'orchestra dall'altra parte del mondo, stampato ed eseguito. Lo stesso vale per le registrazioni. Per un compositore, oggi, non è più assolutamente necessario che un editore distribuisca le sue opere. Con un po' di abilità e un po' di tempo, possono farlo da soli. Devo confessare che apprezzo il fatto che sia gli spartiti che i file audio siano disponibili sempre e ovunque. Tuttavia, mi dà molto fastidio che oggigiorno tutto debba essere gratuito. In fin dei conti, questo danneggia non solo gli artisti, ma anche interi settori dell'industria musicale. L'intero settore editoriale sta già attraversando una trasformazione e sono molto curioso di vedere come si evolverà questo sviluppo. L'innovazione è fondamentale! Per quanto riguarda la diffusione musicale, ho un atteggiamento assolutamente positivo nei confronti di Internet. Sono convinto che i social media svolgeranno un ruolo estremamente importante in futuro nell'attrarre un pubblico di tutte le età nelle sale da concerto. Le possibilità mi sembrano infinite e sono già in fase di esplorazione. L'attenzione, tuttavia, si sposterà sempre più sui social media. Certo, su Internet circolano anche un'infinità di assurdità, ma se si sa come usare i media elettronici e trarne benefici positivi, Internet è un meraviglioso canale informativo aggiuntivo.

Cosa è importante per te in tutte le tue opere? Stabilisci standard e criteri generalmente validi?
Per me è estremamente importante che la mia musica, indipendentemente dalla densità della strumentazione, sia sempre trasparente e udibile. Ogni singola nota ha il suo posto essenziale e richiede di essere percepita dall'orecchio. Questo fa sì che anche i passaggi orchestrati in modo denso e cupo suonino lucidi. Un paradosso! Inoltre, attribuisco grande importanza al rigore formale, che, per così dire, prende l'ascoltatore per mano e lo guida attraverso l'intera composizione, assicurando che i capisaldi importanti dell'opera rimangano impressi nella memoria fin dal primo ascolto. E infine, il mio obiettivo è quello di trascrivere le mie partiture in modo così preciso che l'esecutore non abbia praticamente dubbi sulla sua eseguibilità tecnica, anche con opere complesse. Solo in questo modo posso essere certo che i brani suoneranno esattamente come li ho immaginati, anche senza la mia presenza alle prove e ai concerti – sebbene questa meticolosità, ovviamente, non si estenda al contributo interpretativo degli esecutori!

Cosa vuoi ottenere con la tua musica?
Voglio che chi ascolta la mia musica sia in qualche modo toccato emotivamente. Che si tratti di un consenso entusiasta o di un rifiuto radicale è secondario. Solo l'indifferenza apatica mi disturba. Se la mia musica suscita anche pensieri che poi cambiano o influenzano qualcosa nella vita dell'ascoltatore, ne sono molto felice! Sebbene tutta la musica sia politica, la maggior parte della mia musica non porta un messaggio politico o socio-critico: non è né più né meno che suono.

Hai un obiettivo di vita globale come compositore?
Ho compiuto 40 anni quest'anno e mi pongo proprio questa domanda. Statisticamente parlando, sto ancora lavorando ai miei primi lavori... Ripensandoci, sono stupito di quanta musica abbia già composto. E così mi sono chiesto se non dovessi semplicemente scrivere più opere orchestrali, più musica da camera e più musica vocale. In questo senso, la commissione dell'opera è arrivata al momento perfetto, come una sfida imprevedibile. Parallelamente all'opera, sto lavorando alla mia ampia sinfonia, che sto scrivendo movimento per movimento su commissione di quattro orchestre diverse. Due movimenti sono già stati eseguiti in prima assoluta rispettivamente dall'Orchestre Symphonique de Montréal diretta da Kent Nagano e dalla Bamberg Symphony diretta da Jonathan Nott. Mi piacerebbe dedicarmi a progetti così speciali, e anche di ampia portata, in futuro. Naturalmente, ci sono anche diverse orchestre e artisti con cui mi piacerebbe collaborare. Tuttavia, non ho un piano di carriera preciso, perché la vita, come tutti sappiamo, è completamente imprevedibile. Procedo lentamente e con attenzione, passo dopo passo, e non vedo l'ora di affrontare tutte le prossime commissioni, progetti, performance e, soprattutto, di incontrare altri artisti interessanti.

Intervista di Florian Schär | Classicpoint.ch | 2 novembre 2015
© Foto: Manu Theobald

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