David Philip Hefti in un'intervista

"Fortunatamente, le idee mi vengono senza sforzo."

David Philip Hefti è vincitore del prestigioso Concorso di Composizione Gustav Mahler di Vienna, del Concorso Pablo Casals di Prades e del Concorso George Enescu di Bucarest, e ha ricevuto il Premio Hindemith e il Premio del Compositore della Fondazione Musicale Ernst von Siemens. La sua straordinaria opera spazia dalla musica da camera e dalle composizioni per ensemble alle opere per orchestra.

Classicpoint.ch: Da dove prendi le tue idee, quando ti vengono?
Fortunatamente, le idee mi vengono in un lampo. Ma è completamente imprevedibile quando accade. Ecco perché porto sempre con me il mio piccolo taccuino. Uno dei miei momenti più creativi è poco prima di addormentarmi, in quello stato crepuscolare tra la veglia e il mondo dei sogni, nel silenzio assoluto. Inoltre, in generale traggo ispirazione dalla vita di tutti i giorni, e in particolare dalla poesia, dalle arti visive, dalle passeggiate e dalle conversazioni con gli amici. Anche se vado spesso ai concerti, è raro che la musica "straniera" mi ispiri a mettere su carta la mia musica, cosa che mi sorprende sempre.

Puoi descrivere a parole il tuo attuale stile compositivo? E come si è evoluto?
Purtroppo no, perché non sono uno scrittore! Scherzi a parte: non mi è facile esprimere a parole il mio stile attuale, perché bisogna ascoltare la musica, percepirla con i sensi. Tuttavia, ci provo: il mio linguaggio musicale si è sviluppato in modo piuttosto naturale. All'inizio della mia carriera, lavoravo esclusivamente con i 12 toni cromatici. Dopo i miei primi timidi approcci alla tonalità durante l'infanzia, mi sono presto orientato verso il linguaggio tonale di Alban Berg, ovviamente senza mai raggiungere il suo livello... Negli anni successivi, ho ampliato il mio linguaggio sonoro includendo microtoni e toni naturali, multifonici e tutte le tecniche esecutive contemporanee, fino alla pura produzione di rumore, finché il mio stile attuale non è emerso da queste componenti come una fusione organica. Il mio obiettivo non è quello di concatenare effetti, ma piuttosto di creare un'espansione sfaccettata della tavolozza sonora e dell'armonia che ne deriva. Tuttavia, il mio percorso è tutt'altro che concluso! Il mio stile continuerà ad evolversi finché comporrò. Tuttavia, la direzione che prenderà questo sviluppo è del tutto aperta, poiché non la influenzerò razionalmente, ma mi lascerò guidare dalla mia voce interiore.

Guardando indietro, dove riscontri le differenze tra le tue opere?
Quando finisco un nuovo pezzo, ho sempre la sensazione che sia la migliore composizione che abbia mai creato, a prescindere dalla strumentazione o dalla durata. Logicamente, questo significherebbe che tutte le mie opere potrebbero essere disposte cronologicamente come una collana di perle, creando automaticamente un catalogo di lavori di qualità crescente. Tuttavia, ripensandoci, mi rendo conto che la qualità, l'originalità e la profondità musicale variano. Lo sviluppo non è affatto lineare! D'altra parte, si può osservare che la tecnica compositiva, la gestione degli strumenti, si affina e si perfeziona sempre di più grazie agli anni di esperienza. Stilisticamente, due opere create nello stesso periodo sono relativamente simili, poiché il mio stile, come già accennato, si è sviluppato lentamente e organicamente. Ma guardando indietro di diversi anni, le maggiori differenze risiedono nell'espressione emotiva, negli aspetti formali e nella trasparenza della musica.

In che modo la tua biografia influenza il tuo lavoro?
La mia biografia influenza il mio lavoro costantemente e ovunque. Non potrei evitarlo nemmeno volendo, dato che non sono un robot ma un essere umano con le sue fluttuazioni emotive. Oserei dire che questo vale per ogni artista. Tuttavia, non bisogna concludere che compongo musica allegra quando sto bene e musica cupa e triste quando non sto bene. Tutti i fattori che influenzano la mia vita confluiscono quindi indirettamente e inconsciamente nella mia musica. Per me, anche il luogo in cui vivo è cruciale. Ad esempio, ho vissuto a Londra per circa sei mesi e non ho composto una sola nota in quel periodo perché ero semplicemente sopraffatto dall'offerta culturale, dalla vibrante energia della città e, naturalmente, dai numerosi pub, il che mi impediva di lavorare. Dopo il mio periodo a Londra, la mia energia compositiva è sgorgata come una sorgente inesauribile. Solo qualche mese dopo sono finalmente riuscito a elaborare, incanalare e tradurre quegli stimoli travolgenti su carta. Anche la mia vita privata ha avuto un'influenza significativa sul mio lavoro: da quando ho conosciuto mia moglie quattro anni fa, il numero di composizioni che realizzo ogni anno è raddoppiato. Il matrimonio ha trasformato lo scrittore, un tempo lento, in un compositore un po' più veloce e straordinariamente ispirato!

Componeresti in modo diverso se vivessi in una parte del mondo completamente diversa?
Assolutamente! Il mio breve soggiorno a Londra ne è solo un esempio. Certo, la mia musica è già presente nel mio corpo e nella mia mente, in attesa di essere liberata e messa per iscritto. Traggo ispirazione da dentro di me, per così dire. Tuttavia, le influenze esterne, compresi altri luoghi, influenzano i suoni che creo dentro di me. Se vivessi in Giappone, la mia musica suonerebbe sicuramente molto diversa, anche se la mia impronta musicale rimarrebbe indubbiamente riconoscibile. Ma anche in questo caso, non si dovrebbe concludere che la mia musica acquisirebbe un "tocco dell'Estremo Oriente" chiaramente percepibile in Giappone. L'influenza geografica sarebbe molto sottile e, ancora una volta, inconscia.

Potresti descrivere il tuo processo creativo per la composizione di un brano?
Dato che comporre non è solo la mia vocazione, ma anche la mia professione, cerco di rendere la mia vita quotidiana il più interessante e varia possibile. Pertanto, ogni brano ha un processo creativo diverso. Mi prenderò la libertà di delineare i due estremi tra cui si collocano i miei approcci compositivi, con tutte le loro forme ibride: innanzitutto sviluppo la struttura e la progressione formale dell'intero brano e disegno uno schema temporale in cui inserisco tutti i parametri musicali. Per questo utilizzo singole parole, simboli inventati o persino note musicali. Anche la drammaturgia e le relazioni tra tempi, sezioni formali, motivi, ecc., confluiscono in questo schema, un po' come la planimetria di un architetto. Solo allora mi siedo con un foglio bianco e inizio a scrivere l'intero brano, lasciando che l'atto stesso di scrivere influenzi la musica. Nelle prime fasi della composizione, ho implementato meticolosamente concetti preesistenti, sforzandomi di non deviare dai piani. Con l'esperienza, mi sono lasciato guidare sempre di più dall'ispirazione, abbandonando i vincoli dello schizzo, per poi ritornarvi ripetutamente. Il secondo estremo del processo creativo è arrivato molto più tardi, con ancora più esperienza e sicurezza in me stesso: non c'è un concetto, nessuna idea, nessun limite. Mi siedo davanti al foglio bianco e aspetto di vedere cosa succede. Questo momento doloroso può durare un'eternità! Quando (o meglio, se!) l'ispirazione finalmente arriva, è per me il modo più appagante di comporre. Come guidato da una mano invisibile, una nota dopo l'altra viene scritta finché il brano finito, sviluppatosi organicamente, non si materializza davanti a me. È sorprendente che un'opera creata in questo modo si riveli spesso, a un'analisi successiva, più rigorosamente composta di un'opera che segue un concetto matematico. Questo mi dimostra che si compone non solo con l'istinto e non solo con la mente, ma con entrambi simultaneamente, poiché sono indissolubilmente legati. Tra questi due tipi di processo creativo, esistono, naturalmente, innumerevoli e affascinanti forme ibride. Tutti i processi creativi, tuttavia, condividono la caratteristica comune che la notazione con la doppia barra spessa alla fine indica il completamento definitivo di una partitura. Da questo momento in poi, le opere non vengono più toccate, né per correzioni né per peggiorarle, e vengono inviate al mondo musicale esattamente come sono.

Attualmente stai lavorando alla tua prima opera. Puoi parlarcene?
Ho nutrito un enorme rispetto per questo compito, anche se la mia gestione tecnica dell'apparato orchestrale può ormai considerarsi di routine dopo decenni di esperienza compositiva, così come il mio lavoro sulle parti vocali. Ma un'opera è molto più di una semplice orchestra, un coro e dei solisti! La sua vastità – la mia opera più lunga fino ad ora dura 35 minuti – mi ha fatto sudare freddo, per non parlare della drammaturgia di un'impresa così imponente e dello sviluppo dei singoli ruoli e personaggi. Tuttavia, sono incredibilmente fortunato ad aver musicato un libretto straordinario. Si intitola "La maschera di Anna", tratto dall'omonimo romanzo breve di Alain Claude Sulzer. L'autore, grande amante e intenditore di musica e opera, ha scritto lui stesso il libretto. Il suo linguaggio è così ritmico che ha iniziato a risuonare nella mia mente fin dalla prima lettura. Circa metà dell'opera è già composta e la mia ansia iniziale è svanita. Inoltre, lavorare alla mia opera mi sta dando più piacere di quasi qualsiasi altra esperienza della mia intera carriera. Certo, ci sono sempre periodi di stallo, fasi critiche e ostacoli da superare, ma la gioia che trovo in questo lavoro li supera di gran lunga. Attribuisco questo al libretto straordinario che, nonostante tutta la sua tragicità – omicidio! suicidio! – molto spesso mi fa sorridere e persino ridere nella quiete della mia stanza. Non avrei mai immaginato che lavorare a un'opera potesse ispirarmi e deliziarmi così profondamente. E quindi, non vedo l'ora che arrivi la prima a San Gallo nel maggio 2017...

Riscontri un'influenza di Internet sullo sviluppo della musica contemporanea?
I nuovi media hanno un'influenza significativa sullo sviluppo della musica (contemporanea). È sorprendente che, soprattutto nei settori della musica elettronica e dei progetti multimediali, non ci siano praticamente più limiti. Oggi gli artisti hanno accesso non solo a software altamente sofisticati, ma anche a interi database sonori. Comporre con strumenti elettronici è diventato tecnicamente più semplice, mentre gli standard artistici ed estetici rimangono (e devono rimanere) elevati come prima. È quindi diventato più difficile selezionare le opere di qualità dall'infinita abbondanza di composizioni odierne. Questo vale naturalmente anche per la musica acustica. Una partitura creata con un software di notazione ha quasi sempre un aspetto grafico magnifico; quindi bisogna avere un orecchio estremamente fine per riconoscere se la musica stampata in modo impeccabile abbia effettivamente un valore artistico. Tuttavia, Internet è di fondamentale importanza per la diffusione della musica contemporanea. Oggi, un set completo di materiale per l'esecuzione può essere inviato a un'orchestra dall'altra parte del mondo, stampato ed eseguito. Lo stesso vale per le registrazioni. Oggi, per un compositore, non è più assolutamente indispensabile avere un editore che distribuisca le proprie opere. Con un po' di abilità e tempo, può farlo da solo. Devo ammettere che apprezzo il fatto che spartiti e file audio siano disponibili sempre e ovunque. Tuttavia, mi infastidisce enormemente che al giorno d'oggi tutto debba essere gratuito. Alla fine, questo non danneggia solo gli artisti, ma anche interi settori dell'industria musicale. L'intero settore editoriale sta già attraversando una trasformazione e sono molto curioso di vedere come si evolverà. L'innovazione è fondamentale! Per quanto riguarda la diffusione della musica, sono assolutamente favorevole a Internet. Sono convinto che i social media giocheranno un ruolo estremamente importante in futuro nell'attrarre un pubblico di tutte le età nelle sale da concerto. Le possibilità mi sembrano illimitate e sono già oggetto di timide esplorazioni. L'attenzione, tuttavia, si sposterà sempre più sui social media. Certo, su Internet si trova anche un'infinità di sciocchezze, ma se si sa come utilizzare i media elettronici e trarne benefici positivi, Internet è un meraviglioso canale di informazione aggiuntivo.

Cosa è importante per te in tutte le tue opere? Stabilisci standard e criteri generalmente applicabili?
Per me è estremamente importante che la mia musica, a prescindere dalla densità della strumentazione, sia sempre trasparente e udibile. Ogni singola nota ha il suo posto essenziale ed esige di essere percepita dall'orecchio. Questo fa sì che anche i passaggi orchestrati in modo denso e cupo risultino limpidi. Un paradosso! Inoltre, attribuisco grande valore al rigore formale, che, per così dire, prende per mano l'ascoltatore e lo guida attraverso l'intera composizione, assicurando che i punti cardine dell'opera rimangano impressi nella memoria fin dal primo ascolto. Infine, il mio obiettivo è quello di trascrivere le mie partiture con tale precisione che l'esecutore non abbia praticamente alcun dubbio sulla fattibilità tecnica, anche con opere complesse. Solo in questo modo posso essere certo che i brani suoneranno esattamente come li ho immaginati, anche senza la mia presenza alle prove e ai concerti – sebbene questa meticolosità, ovviamente, non si estenda al contributo interpretativo degli esecutori!

Cosa vuoi ottenere con la tua musica?
Voglio che chi ascolta la mia musica ne venga in qualche modo toccato emotivamente. Che si tratti di un'approvazione entusiasta o di un rifiuto radicale è secondario. Solo l'indifferenza apatica mi disturba. Se la mia musica suscita anche riflessioni che poi cambiano o influenzano qualcosa nella vita di chi ascolta, ne sono molto felice! Sebbene tutta la musica sia politica, la maggior parte della mia musica non veicola un messaggio politico o sociocritico: è semplicemente suono.

Hai un obiettivo di vita generale come compositore?
Quest'anno ho compiuto 40 anni e mi sono posto proprio questa domanda. Statisticamente parlando, sto ancora lavorando alle mie prime opere... Ripensandoci, sono stupito di quanta musica ho già composto. E così mi sono chiesto se non fosse il caso di scrivere più opere orchestrali, più musica da camera e più musica vocale. In questo senso, la commissione per l'opera è arrivata al momento perfetto, come una sfida imprevedibile. Parallelamente all'opera, sto lavorando alla mia ampia sinfonia, che sto scrivendo movimento per movimento su commissione di quattro diverse orchestre. Due movimenti sono già stati eseguiti in prima assoluta dall'Orchestre symphonique de Montréal diretta da Kent Nagano e dalla Bamberg Symphony diretta da Jonathan Nott, rispettivamente. Vorrei dedicarmi in futuro a progetti così speciali e di ampio respiro. Naturalmente, ci sono anche diverse orchestre e interpreti con cui mi piacerebbe collaborare. Tuttavia, non ho un piano di carriera, poiché la vita, come tutti sappiamo, è completamente imprevedibile. Procedo con calma e attenzione, passo dopo passo, e attendo con entusiasmo tutte le commissioni, i progetti, le performance future e soprattutto i nuovi incontri con artisti interessanti.

Intervista di Florian Schär | Classicpoint.ch | 2 novembre 2015
© Foto: Manu Theobald