Tabea Zimmermann in un'intervista

"Probabilmente rimarrà sempre una questione di prospettiva."

Tabea Zimmermann è considerata una delle violiste più importanti al mondo. È richiesta a livello internazionale sia come solista che come membro del Quartetto Arcanto. È la più giovane docente tedesca e ha iniziato a insegnare a Saarbrücken nel 1987. Nel 1994 ha assunto la cattedra di viola presso l'Università di Musica e Arti Performative di Francoforte e, dall'ottobre 2002, è docente presso la Scuola di Musica Hanns Eisler di Berlino.


Classicpoint.ch: Ha iniziato a suonare la viola all'età di tre anni. Ritiene che sia un vantaggio iniziare subito a studiare la viola o che per una carriera da violista non sia rilevante iniziare con il violino e cambiare in seguito? Oggi, ritengo che sia meno importante iniziare direttamente con la viola. Tuttavia, ritengo che la qualità dell'insegnamento iniziale sia così cruciale che consiglierei a un bambino interessato alla musica di scegliere uno strumento piuttosto che un altro, a seconda della qualità degli insegnanti disponibili. (Meglio un insegnante di violino esperto che un insegnante di viola inesperto!)
Dal punto di vista di un professore universitario, sono molto preoccupato per la prossima generazione di musicisti. Spesso dobbiamo scegliere tra giovani asiatici eccezionalmente preparati e giovani tedeschi che hanno appena espresso interesse ma sono indietro di diversi anni perché non hanno quattro o cinque anni di studio intensivo dello strumento.

Sei cresciuto in una famiglia di musicisti. I tuoi genitori erano severi con te riguardo all'apprendimento di uno strumento?
I miei genitori sono stati molto, molto severi nell'educazione dei loro sei figli! E anche se questo mi ha conferito uno status speciale tra i miei coetanei, e continuo a trarre grande beneficio dall'educazione musicale nella prima infanzia, rimpiango ancora l'infanzia che non mi è stata concessa. Immagino che sarà sempre una questione di prospettiva.

Lei ha tre figli, tutti e tre suonano uno strumento. Supervisiona o monitora la loro pratica?
I miei tre figli sono davvero molto musicali e hanno imparato a suonare diversi strumenti con relativa facilità. Tuttavia, in base alla mia esperienza personale, non posso offrire loro il rigore che li porterebbe senza dubbio a risultati migliori. A volte dubito del mio approccio rilassato, ma d'altra parte, i miei figli hanno vita infinitamente più difficile perché hanno sempre in mente un risultato specifico. Ho potuto acquisire la mia esperienza nell'ambiente protetto della scuola di musica in modo rilassato e senza l'esperienza o la conoscenza dei genitori, dato che i miei genitori non erano professionisti. Hanno stabilito e monitorato il tempo assegnato alla pratica, ma ho avuto più libertà riguardo ai contenuti di quanta ne possano avere i miei figli.

Lei è professore alla Scuola di Musica Hanns Eisler di Berlino. Ci sono momenti di pura gioia nel suo insegnamento, come dopo un concerto di particolare successo?
Ci sono innumerevoli momenti di gioia legati all'insegnamento in senso lato. Questo può accadere durante la lezione stessa, ma non necessariamente. A volte, anni dopo la laurea di uno studente, ricevo una lettera che fa riferimento ai dettagli delle lezioni. Ad esempio, se qualcuno mi scrive che solo ora si sta rendendo conto di ciò che ha imparato allora, mi rende felice perché il frutto ha portato il seme che ho avuto il privilegio di piantare. Un sentimento di gioia nasce sempre quando uno studente supera se stesso, quando i limiti percepiti vengono improvvisamente infranti. Considero il mio insegnamento più come una guida per lo studio individuale, per testare i propri limiti, ecc., che come una raccolta di brani appresi alla perfezione. Tuttavia, una buona esperienza è anche legata alla perseveranza dello studente e al raggiungimento di un buon risultato, e non solo alla conoscenza teorica di come ottenere un buon risultato. Un aspetto importante è sicuramente fornire consigli sensati sulla scelta del repertorio, sul numero di brani da eseguire e sul proprio ritmo. Il mio motto è: meglio suonare meno pezzi ma acquisire una buona esperienza concertistica che suonare troppo e troppo presto.

Cosa ne pensi delle competizioni?
Raramente propongo una competizione, ma se gli studenti vogliono sviluppare autonomamente un programma ambizioso, naturalmente li sostengo, anche se non nascondo che spesso preferirei lavorare intensamente senza la pressione del successo. Alcuni giovani, però, hanno bisogno di confrontarsi con gli altri per poter valutare le proprie capacità. A seconda della personalità, dei progressi, ecc., l'ho anche fortemente sconsigliato! Dipende molto dal singolo studente.

Ha studiato con Sándor Végh a Salisburgo. In che modo ha avuto un'influenza su di lei?
Sándor Végh è stato particolarmente influente perché il suo lavoro mi ha ricordato il meraviglioso lavoro del mio primo maestro, Dietmar Mantel. L'opera fantasiosa di Végh è stata una meravigliosa continuazione dell'opera di Mantel, e così si è chiuso un cerchio. Purtroppo, tutti e tre i miei maestri sono scomparsi e mi sarebbe piaciuto consultarli su un paio di questioni.

Gran parte del tuo lavoro si svolge con l'Arcanto String Quartet. Come è nata questa collaborazione?
L'Arcanto Quartet è il mio passatempo preferito (e spero anche per i miei colleghi :-)). Ci siamo conosciuti a un festival in Provenza nel 2002 e abbiamo suonato il nostro primo programma insieme. Questo è seguito a diverse esperienze di musica da camera in quasi ogni forma immaginabile. Dato che spesso condividiamo obiettivi musicali simili e andiamo molto d'accordo anche a livello personale, vorrei definirlo un colpo di fortuna. Spero che suoneremo insieme per almeno altri 10 anni, che lavoreremo insieme a molti altri capolavori e che la nostra collaborazione ci piaccia ancora di più!

Cosa apprezza particolarmente del suonare in un quartetto d'archi rispetto all'esibirsi come solista?
Apprezzo in particolar modo l'opportunità di crescita condivisa, sia personale che musicale. Poiché questi aspetti sono sempre strettamente correlati all'espressione artistica, i musicisti da camera, a mio parere, acquisiscono esperienze più profonde di quanto sarebbe mai possibile con i metodi di lavoro di un'orchestra sinfonica. Che fortuna che, come quartetto, anche dopo anni di lavoro su un brano, si possano sempre sperimentare nuovi approcci, esercitarsi su passaggi difficili per la centesima volta e così via. Può essere davvero un grande piacere godere della risonanza condivisa degli strumenti e della consonanza dei nostri pensieri. A volte, tuttavia, il nostro motto è "ognuno come vuole", una volta concordata la struttura della nostra interpretazione congiunta e la partitura consente tali approcci individuali al materiale tematico...

Ha studiato molto intensamente il Concerto per viola di Bartók. Cosa la affascina di Bartók e cosa in particolare di quest'opera?
Ciò che mi affascina del Concerto per viola di Bartók è lo stato in cui ce lo ha lasciato a causa della sua morte prematura e il confronto con la sua eredità intellettuale. Forse è stata persino la prima opera in cui ho potuto riconoscere la netta differenza tra la "tradizione" e gli schizzi effettivamente scritti dal compositore.
Non pretendo affatto oggi di sapere cosa intendesse Bartók , ma sono certo che persino il suo allievo Tibor Serly e suo figlio Peter Bartók, con le due versioni attualmente accettate, non riuscirono a discernere con certezza l'intenzione del compositore.
Mi interesserebbe molto sapere cosa un compositore come Kurtág o Eötvös avrebbe ricavato dagli schizzi per colmare le lacune nei passaggi orchestrali.
Come esecutore e anche come insegnante, trovo affascinante "interrogare" la partitura, familiarizzare con il maggior numero possibile di opere del compositore per apprendere il suo linguaggio tonale e la sua grammatica musicale unici. Anche qui, mi interessa meno il prodotto finito che il processo attraverso il quale un giovane sviluppa un'interpretazione personale di una partitura. Perché è sicuramente l'unica ragione per cui noi musicisti non siamo ancora stati sostituiti dalle macchine. Se ci fosse un'unica, perfetta lettura, se tempo e dinamica dipendessero esclusivamente dal compositore e non fossero soggetti a variazioni dovute all'acustica della sala, alle condizioni fisiche del musicista in un dato giorno o all'interpretazione personale, allora potremmo semplicemente lasciare che siano i computer a suonare! Ma per fortuna, è l'aspetto umano a interessarmi, la capacità di fermare apparentemente il tempo, di consentire un respiro condiviso, e così via...

Ci sono altre opere con cui ti sei confrontato con la stessa intensità?
Negli ultimi anni ho studiato intensamente l'opera di Paul Hindemith e cerco di creare un'esperienza di ascolto piacevole per il pubblico attraverso la mia interpretazione in concerto. Tuttavia, ci sono meno dubbi sull'intenzione del compositore, poiché la sua notazione era molto precisa ed era lui stesso una persona così pragmatica che non c'è molto spazio per versioni diverse – ma c'è sicuramente spazio per interpretazioni diverse!

Intervista di Florian Schär | Classicpoint.ch | 5 febbraio 2013
© Foto: Marco Borggreve

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