Tabea Zimmermann in un'intervista

"Probabilmente rimarrà sempre una questione di prospettiva."

Tabea Zimmermann è considerata una delle violiste più importanti al mondo. È molto richiesta a livello internazionale sia come solista che come membro dell'Arcanto Quartet. La più giovane professoressa in Germania, ha iniziato a insegnare a Saarbrücken nel 1987. Nel 1994 ha assunto la direzione del corso di viola presso l'Università di Musica e Arti Performative di Francoforte e, dall'ottobre 2002, è docente presso la Scuola di Musica Hanns Eisler di Berlino.

Classicpoint.ch: Hai iniziato a suonare la viola all'età di tre anni. Pensi che sia un vantaggio iniziare subito a studiare la viola, o non fa differenza per una carriera da violista se si inizia con il violino e si passa alla viola in seguito?
Oggi penso che sia meno cruciale iniziare direttamente con la viola. Tuttavia, ritengo che la qualità dell'insegnamento iniziale sia così importante che consiglierei a un bambino interessato alla musica di scegliere uno strumento piuttosto che un altro, a seconda della qualità degli insegnanti disponibili. (Meglio un insegnante di violino esperto che un insegnante di viola inesperto!)
Dal punto di vista di un professore universitario, sono molto preoccupato per la prossima generazione di musicisti. Spesso dobbiamo scegliere tra giovani asiatici eccezionalmente ben preparati e giovani tedeschi che hanno appena manifestato interesse, ma sono indietro di diversi anni perché mancano di quattro o cinque anni di studio intensivo dello strumento.

Sei cresciuto in una famiglia di musicisti. I tuoi genitori erano severi con te riguardo all'apprendimento di uno strumento?
I miei genitori sono stati molto, molto severi nell'educare i loro sei figli! E anche se questo mi ha dato uno status speciale tra i miei coetanei, e ancora oggi traggo grandi benefici dall'educazione musicale ricevuta fin dalla tenera età, rimpiango comunque un'infanzia che non mi è stata permessa. Suppongo che sia sempre una questione di prospettiva.

Lei ha tre figli, tutti e tre suonano uno strumento. Li supervisiona o ne controlla le lezioni?
I miei tre figli sono tutti molto portati per la musica e hanno imparato a suonare diversi strumenti con relativa facilità. Tuttavia, in base alla mia esperienza personale, non posso offrire loro la severità che senza dubbio li porterebbe a risultati migliori. A volte dubito del mio approccio rilassato, ma d'altra parte, per i miei figli è infinitamente più difficile perché hanno sempre in mente un risultato specifico. Io ho potuto acquisire la mia esperienza nell'ambiente protetto della scuola di musica, in modo rilassato e senza la supervisione o la conoscenza dei miei genitori, dato che non erano professionisti. Loro stabilivano e controllavano il tempo dedicato alle lezioni, ma io avevo più libertà per quanto riguarda i contenuti rispetto a quella che possono avere i miei figli.

Lei è professore alla Scuola di Musica Hanns Eisler di Berlino. Ci sono momenti di pura gioia nel suo insegnamento, come ad esempio dopo un concerto particolarmente riuscito?
Ci sono innumerevoli momenti di gioia legati all'insegnamento nel senso più ampio del termine. Questo può accadere durante la lezione stessa, ma non necessariamente. A volte, anni dopo il diploma di uno studente, ricevo una lettera che fa riferimento a dettagli delle lezioni. Ad esempio, se qualcuno mi scrive dicendo che solo ora si rende conto di ciò che ha imparato allora, mi rende felice perché il seme che ho avuto il privilegio di piantare ha dato i suoi frutti. Un sentimento di gioia nasce sempre quando uno studente supera se stesso, quando i limiti percepiti vengono improvvisamente infranti. Considero il mio insegnamento più come una guida per lo studio autonomo, per mettere alla prova i propri limiti, ecc., che come una raccolta di brani imparati alla perfezione. Tuttavia, una buona esperienza è legata anche alla perseveranza dello studente e al raggiungimento di un buon risultato, e non solo alla conoscenza teorica di come ottenerlo. Un aspetto importante è certamente quello di fornire validi consigli sulla scelta del repertorio, sul numero di opere da eseguire e sulla gestione dei tempi. Il mio motto è: meglio suonare meno pezzi ma acquisire una buona esperienza concertistica piuttosto che suonare troppo e troppo presto.

Cosa ne pensi delle competizioni?
Raramente le propongo, ma se gli studenti desiderano sviluppare un programma ambizioso in autonomia, li sostengo naturalmente, pur non nascondendo il fatto che spesso preferirei lavorare intensamente senza la pressione del successo. Tuttavia, alcuni giovani hanno bisogno di confrontarsi con gli altri per poter valutare le proprie capacità. A seconda della personalità, dei progressi, ecc., ho anche fortemente sconsigliato la partecipazione alle competizioni! Dipende davvero dal singolo studente.

Hai studiato con Sándor Végh a Salisburgo. In che modo ti ha influenzato?
Sándor Végh è stato particolarmente influente perché il suo lavoro mi ricordava quello meraviglioso del mio primo maestro, Dietmar Mantel. Il lavoro immaginifico di Végh era una splendida continuazione di quello di Mantel, e così il cerchio si chiudeva. Purtroppo, tutti e tre i miei maestri sono scomparsi, e mi sarebbe piaciuto consultarmi con loro su un paio di questioni.

Gran parte del tuo lavoro è dedicato all'Arcanto String Quartet. Come è nata questa collaborazione?
L'Arcanto Quartet è per me (e spero anche per i miei colleghi) un passatempo meraviglioso. Ci siamo conosciuti a un festival in Provenza nel 2002 e abbiamo suonato il nostro primo programma insieme. A questo sono seguite diverse esperienze di musica da camera in quasi ogni forma immaginabile. Dato che spesso condividiamo obiettivi musicali simili e andiamo anche molto d'accordo a livello personale, direi che è stata una vera fortuna. Spero di poter suonare insieme per almeno altri 10 anni, di lavorare a molti altri capolavori insieme e di goderci ancora di più la nostra collaborazione!

Cosa apprezzi in particolare del suonare in un quartetto d'archi rispetto all'esibirsi come solista?
Apprezzo soprattutto l'opportunità di crescita condivisa, sia a livello personale che musicale. Poiché questi aspetti sono sempre inscindibili dall'espressione artistica, i musicisti da camera, a mio parere, acquisiscono esperienze più profonde di quanto sarebbe possibile con i metodi di lavoro di un'orchestra sinfonica. È una fortuna che, come quartetto, anche dopo anni di lavoro su un brano, si possano sempre sperimentare nuovi approcci, provare i passaggi difficili per la centesima volta e così via. Può essere davvero un grande piacere godere della risonanza condivisa degli strumenti e della consonanza dei nostri pensieri. A volte, però, il nostro motto è "ognuno come vuole", una volta concordato il quadro di riferimento per la nostra interpretazione comune e quando la partitura permette tali approcci individuali al materiale tematico...

Hai studiato il Concerto per viola di Bartók in modo molto approfondito. Cosa ti affascina di Bartók, e in particolare di quest'opera?
Ciò che mi affascina del Concerto per viola di Bartók è lo stato in cui ce l'ha lasciato a causa della sua morte prematura, e il confronto con la sua eredità intellettuale. Forse è stata addirittura la prima opera in cui ho potuto riconoscere la netta differenza tra la "tradizione" e gli schizzi effettivamente scritti dal compositore.
Non pretendo certo di sapere oggi cosa Bartók intendesse , ma sono sicuro che nemmeno il suo allievo Tibor Serly e suo figlio Peter Bartók, con le due versioni attualmente accettate, sarebbero riusciti a decifrare con certezza l'intento del compositore.
Sarei molto interessato a sapere cosa un compositore come Kurtág o Eötvös avrebbe tratto dagli schizzi per colmare le lacune nei passaggi orchestrali.
Come interprete e anche come insegnante, trovo affascinante il processo di "interrogare" la partitura, di familiarizzare con quante più opere possibili del compositore per apprendere il suo linguaggio tonale e la sua grammatica musicale unici. Anche qui, mi interessa meno il prodotto finito che il processo attraverso il quale un giovane sviluppa un'interpretazione personale di una partitura. Perché questo è sicuramente l'unico motivo per cui noi musicisti non siamo ancora stati rimpiazzati dalle macchine. Se esistesse un'unica interpretazione perfetta, se il tempo e le dinamiche dipendessero esclusivamente dal compositore e non fossero soggetti a variazioni dovute all'acustica della sala, alle condizioni fisiche del musicista in un dato giorno o all'interpretazione personale, allora potremmo semplicemente lasciare che suonino i computer! Ma per fortuna, si tratta dell'aspetto umano, della capacità di fermare apparentemente il tempo, di permettere un respiro condiviso, e così via...

Ci sono altre opere con cui ti sei confrontato con la stessa intensità?
Negli ultimi anni, ho studiato intensamente l'opera di Paul Hindemith e cerco di offrire al pubblico un'esperienza d'ascolto piacevole attraverso la mia interpretazione durante i concerti. Tuttavia, non ci sono molti dubbi sull'intenzione del compositore, dato che annotava con grande precisione ed era lui stesso una persona molto pragmatica, quindi non c'è molto spazio per versioni diverse , ma certamente c'è spazio per diverse interpretazioni!

Intervista di Florian Schär | Classicpoint.ch | 5 febbraio 2013
© Foto: Marco Borggreve

Prossimi concerti

5 novembre 2026 - Tabea Zimmermann (viola), ORF Vienna Radio Symphony Orchestra, Ingo Metzmacher (direttore)
7 novembre 2026 - Valeriy Sokolov & Friends
16 novembre 2026 - Celebrazione del compleanno di Hindemith
6 febbraio 2027 - Tabea Zimmermann (viola), Antoine Tamestit (viola)
19 aprile 2027 - Daniel Ottensamer (clarinetto), Stefan Dohr (corno), Christian Tetzlaff (violino), Tabea Zimmermann (viola), Kirill Gerstein (pianoforte)