Intervista a Philippe Tondre

"Vado a fare jogging con i miei studenti."

Philippe Tondre è nato nel 1989 e ha iniziato a suonare l'oboe nella sua città natale, Mulhouse, in Francia, con Yves Cautres, prima di studiare con David Walter al Conservatorio Nazionale Superiore di Musica di Parigi. La sua carriera professionale è iniziata ancora studente, all'età di 18 anni, quando è stato nominato primo oboe della SWR Symphony Orchestra di Stoccarda. È stato anche invitato a ricoprire il ruolo di primo oboe con importanti orchestre, tra cui la Royal Concertgebouw Orchestra di Amsterdam, la Budapest Festival Orchestra e la Bavarian Radio Symphony Orchestra. Nel 2010, Seiji Ozawa lo ha scelto come primo oboe della Saito Kinen Festival Orchestra, ora conosciuta come Seiji Ozawa Festival Orchestra. La sua totale dedizione all'oboe e il suo costante desiderio di migliorare come musicista lo hanno portato a cinque intensi e stimolanti anni di partecipazione a concorsi internazionali. Indubbiamente, uno dei suoi momenti più importanti è stata la vittoria del Concorso Internazionale di Musica ARD di Monaco nel 2011 e l'assegnazione del prestigioso Anello di Beethoven, un'onorificenza musicale conferita dal Beethovenfest di Bonn. Nel 2016 è stato nominato primo oboe della Gewandhaus Orchestra di Lipsia. Nel 2020 è diventato primo oboe della Chamber Orchestra of Europe e ha vinto l'ambito posto di primo oboe con la Philadelphia Orchestra sotto la direzione di Yannick Nézet-Séguin. Nel 2022 è stato nominato professore al Curtis Institute of Music di Philadelphia.

Sei diventato oboe principale della SWR Symphony Orchestra mentre eri ancora studente. Com'è stato quell'inizio della tua vita professionale?
Diventare oboe principale della SWR Symphony Orchestra mentre eri ancora studente è stata un'esperienza entusiasmante e formativa. È stato un onore incredibile ricoprire una posizione così importante a un'età così giovane, ma comportava anche una grande responsabilità. Conciliare gli studi con le esigenze della vita professionale ha richiesto disciplina e un percorso di apprendimento molto ripido.

Sono stato incredibilmente fortunato ad avere colleghi eccezionali che mi hanno accolto a braccia aperte e hanno avuto la pazienza di lavorare con un giovane nuovo arrivato. Il loro supporto e la loro generosità mi hanno permesso di crescere nel ruolo e di sviluppare sia le mie capacità che la mia sicurezza. Lavorare con musicisti così affermati è stato stimolante e mi ha aiutato a maturare rapidamente sia come musicista che come membro del team. Guardando indietro, sono molto grato per questa opportunità: ha plasmato il mio approccio alla creazione musicale e mi ha instillato una ricerca dell'eccellenza che durerà tutta la vita.

Tre anni dopo, Seiji Ozawa l'ha nominata primo oboe della Saito Kinen Orchestra. Come ha vissuto la cultura e il popolo giapponese?
Dopo tre anni di carriera professionale, la nomina di Seiji Ozawa a primo oboe della Saito Kinen Orchestra ha rappresentato una pietra miliare significativa per me. Non solo mi ha dato l'opportunità di lavorare con uno dei direttori d'orchestra più stimolanti del nostro tempo, ma mi ha anche fatto conoscere il ricco patrimonio culturale giapponese e il calore della sua gente.

Il mio legame con il Giappone è iniziato attraverso la musica, ma si è rapidamente esteso ben oltre. Lavorare con la Saito Kinen Orchestra è stato come entrare a far parte di una famiglia: c'era un incredibile senso di cameratismo e di condivisione di intenti tra i musicisti. Al di fuori delle prove e delle esibizioni, mi sono immerso nella cultura giapponese, esplorando l'arte, la storia e la cucina del Paese, e sperimentando il profondo rispetto e la cura che caratterizzano la vita quotidiana in Giappone.

Ciò che mi ha colpito di più è stata l'enfasi sull'armonia e l'amore per i dettagli in ogni aspetto della cultura giapponese, qualcosa che ha profondamente risuonato con il mio approccio alla musica. Queste esperienze non solo hanno arricchito la mia vita personale, ma hanno anche profondamente plasmato la mia prospettiva come musicista. Il Giappone rimane un posto speciale per me, sia professionalmente che personalmente.

Per me, Seiji Ozawa è stato più di un direttore d'orchestra: è stato un mentore e quasi una figura paterna. La sua dedizione, la sua visione e la sua umanità sono state fonte di continua ispirazione, e la sua fiducia in me mi ha dato la fiducia necessaria per crescere sia come musicista che come persona. Mi ha insegnato lezioni preziose sulla musica, la leadership e l'umiltà, e la sua influenza continua ancora oggi. Lavorare con lui è stato un privilegio e un'esperienza che conserverò per sempre.

Nel 2016 è entrato a far parte dell'Orchestra del Gewandhaus di Lipsia come primo oboe. Quali sono state le differenze rispetto alle sue precedenti orchestre?
Entrare a far parte dell'Orchestra del Gewandhaus di Lipsia come primo oboe nel 2016 è stata un'esperienza straordinaria. L'Orchestra del Gewandhaus vanta una tradizione straordinaria che dura da oltre due secoli, e far parte di un'istituzione così prestigiosa è stato al tempo stesso fonte di umiltà e di ispirazione.

Una delle differenze più significative rispetto alle mie precedenti orchestre era la tradizione sonora unica della Gewandhaus Orchester. Il suono dell'orchestra possiede un calore e una profondità distintivi, radicati nel suo rapporto di lunga data con compositori come Mendelssohn e Brahms. Adattarmi a questo mondo sonoro distintivo è stato sia una sfida che un privilegio, poiché ho dovuto perfezionare il mio modo di suonare per integrarmi perfettamente nell'ensemble, contribuendo allo stesso tempo con la mia voce come oboista solista.

Inoltre, lo stretto legame della Gewandhaus Orchestra con la sua città natale, Lipsia, ha favorito un profondo senso di comunità. Il legame con il pubblico è stato molto personale, come se l'orchestra fosse parte integrante dell'identità culturale della città. Questo si differenziava in qualche modo dall'approccio più internazionale di altre orchestre con cui avevo suonato e conferiva alle esibizioni una dimensione incredibilmente significativa e intima.

Ogni orchestra ha il suo carattere, e l'enfasi sulla tradizione e lo spirito di squadra del Gewandhaus mi hanno insegnato molto sull'importanza del patrimonio e su come la musica ci colleghi al passato ispirando allo stesso tempo il presente.

Poi, nel 2020, sono passato alla Philadelphia Orchestra come primo oboe. Come hai vissuto le differenze culturali in America?
Entrare a far parte della Philadelphia Orchestra come primo oboe nel 2020 è stato un passo entusiasmante nella mia carriera, ma ha anche presentato nuove sfide, in particolare l'adattamento a un ambiente culturale diverso. Gli Stati Uniti hanno una cultura musicale unica che enfatizza sia l'espressione individuale che la collaborazione collettiva. C'è una forte consapevolezza che la voce del musicista sia parte integrante del tessuto orchestrale, e l'ho percepito subito a Philadelphia.

Una delle differenze più evidenti per me è stata l'apertura alla sperimentazione e all'innovazione nella scena musicale americana. C'è la volontà di esplorare nuove interpretazioni, superare i limiti e provare cose che potrebbero non essere così comuni nelle istituzioni europee più tradizionali. Allo stesso tempo, c'è un profondo rispetto per la tradizione classica, e ho trovato un vero equilibrio tra l'onorare il passato e accogliere il presente.

Nel complesso, il passaggio alla Philadelphia Orchestra è stato arricchente sotto ogni aspetto. Non si tratta solo delle differenze musicali, ma anche di come queste differenze riflettano i valori e lo spirito della cultura qui negli Stati Uniti.

Nel frattempo, hai vinto alcuni importanti concorsi che sono serviti da trampolino di lancio per la tua parallela carriera da solista. Qual è stato il concorso più importante per te e com'è stato?
I concorsi sono stati una parte importante del mio percorso musicale e ognuno di essi mi ha insegnato lezioni inestimabili. Se dovessi scegliere il più significativo, sarebbe l'ARD International Music Competition del 2011 a Monaco. Vincere questo prestigioso concorso è stato un momento cruciale della mia carriera, poiché mi ha aperto molte porte e mi ha affermato sulla scena internazionale.

Prepararsi e partecipare a un concorso così prestigioso è stata un'esperienza intensa. Ha richiesto mesi di pratica e concentrazione, non solo per perfezionare il repertorio, ma anche per sviluppare la forza mentale necessaria per esibirsi sotto pressione. Il Concorso ARD è stato particolarmente impegnativo perché ha messo in luce sia i solisti che i musicisti da camera. Mi ha permesso di dimostrare la mia versatilità e la mia capacità di interagire con altri musicisti, doti che ancora oggi metto a frutto.

Oltre alle esigenze tecniche e musicali, questo concorso è stato particolarmente significativo perché mi ha offerto l'opportunità di raggiungere un pubblico più ampio e di incontrare musicisti eccezionali da tutto il mondo. Vincere è stata la conferma dei miei anni di duro lavoro, ma ancora più importante, mi ha fornito una piattaforma per mostrarmi come solista a un pubblico più vasto. È stato un momento cruciale che ha plasmato il mio percorso come musicista d'orchestra e solista.

Insegni anche come professore al Curtis Institute of Music di Philadelphia. Cosa cerchi quando selezioni i tuoi studenti?
Insegnare al Curtis Institute of Music è una parte molto gratificante della mia carriera. Il Curtis è noto per la sua tradizione di eccellenza e per aver formato alcuni dei migliori giovani musicisti al mondo, quindi il processo di selezione è rigoroso e meticoloso.

Quando seleziono gli studenti, presto particolare attenzione alla loro musicalità e al loro potenziale. Certo, una solida base tecnica è importante, ma ciò che mi colpisce davvero è la loro capacità di trasmettere qualcosa che trascende le note sulla pagina, che sia attraverso il fraseggio, il colore del suono o una connessione emotiva con la musica. Cerco l'individualità, quella scintilla di creatività e curiosità che dimostra la loro disponibilità a crescere ulteriormente come artisti.

Un'altra qualità fondamentale è la dedizione. Essere un musicista richiede non solo talento, ma anche un'eccezionale etica del lavoro e resilienza. Voglio lavorare con studenti appassionati e aperti di mente, disposti a impegnarsi duramente per affinare la propria arte e sviluppare la propria voce unica.

Infine, apprezzo il lavoro di squadra. La musica è un'esperienza condivisa e alla Curtis, dove la musica da camera e l'ensemble sono parte integrante del curriculum, è importante che gli studenti possano collaborare con gli altri in modo significativo e rispettoso. Il mio obiettivo è formare musicisti a tutto tondo, non solo tecnicamente competenti, ma anche artisticamente riflessivi e pronti a contribuire al mondo della musica.

Ho letto che andate anche a fare jogging con i vostri studenti. Cercate di costruire una classe come una squadra o questo viene dagli studenti?
Sì, è vero che vado a fare jogging con i miei studenti! Credo che costruire un senso di comunità e cameratismo all'interno della classe sia importante tanto quanto concentrarsi sullo sviluppo individuale. La musica può essere molto competitiva, ma è anche profondamente collaborativa, quindi cerco di creare un ambiente in cui gli studenti possano sostenersi e ispirarsi a vicenda, sia dentro che fuori dalla classe.

Correre insieme, o semplicemente trascorrere del tempo in un'atmosfera rilassata, aiuta ad abbattere le barriere e crea uno spazio in cui possiamo entrare in contatto a un livello più personale. Non si tratta solo di attività fisica; si tratta anche di costruire fiducia, promuovere una comunicazione aperta e creare un senso di appartenenza. Tuttavia, lo spirito di squadra nasce naturalmente anche dagli studenti stessi. Portano la loro energia e personalità al gruppo, e sono fortunata ad avere classi che amano davvero lavorare insieme e crescere come gruppo.

In definitiva, vedo il mio ruolo non solo come insegnante di oboe, ma anche come aiuto ai miei studenti a diventare musicisti e individui completi. Che si tratti di jogging, musica da camera o discussioni in studio, cerco di creare un'atmosfera in cui tutti si sentano incoraggiati a contribuire, collaborare e ispirarsi a vicenda per raggiungere il massimo.

Cosa preferiscono i tuoi studenti: una carriera da solista o un posto in un'orchestra? Cosa consigli?
I miei studenti hanno obiettivi diversi: alcuni sognano una carriera da solista, altri preferirebbero suonare in un'orchestra. Alla Curtis School of Music incoraggiamo entrambi i percorsi, così come la musica da camera, l'insegnamento e altri modi creativi per costruire una carriera nella musica.

I miei consigli dipendono dal singolo studente. Una carriera da solista richiede non solo un'esecuzione eccezionale, ma anche una forte autostima artistica, indipendenza e la capacità di prosperare in un ambiente altamente imprevedibile. Un posto in un'orchestra, d'altra parte, richiede grande adattabilità, capacità di lavoro di squadra e la capacità di integrarsi perfettamente mantenendo la propria voce. Entrambi i percorsi sono gratificanti a modo loro e consiglio sempre ai miei studenti di mantenere una mentalità aperta, poiché le carriere spesso prendono svolte inaspettate.

Ancora più importante, li incoraggio ad acquisire esperienze diverse durante la loro formazione, che si tratti di partecipare a concorsi da solista, suonare in orchestra o formare ensemble di musica da camera, in modo che possano scoprire cosa li ispira veramente. La carriera più appagante è quella che si allinea alle loro passioni e ai loro punti di forza, che sia come solista, come musicista d'orchestra o una combinazione di entrambi.

Sei ancora giovane; quali sono i tuoi obiettivi e le tue ambizioni musicali?
Mi sento incredibilmente fortunato ad aver sperimentato così tanti aspetti diversi del mondo della musica: esibendomi come solista, suonando in orchestre straordinarie e insegnando alla prossima generazione di musicisti. Il mio più grande obiettivo per il futuro è continuare a crescere come artista e trovare nuovi modi per condividere la musica con il pubblico.

Uno dei miei obiettivi è ampliare il repertorio dell'oboe promuovendo opere meno note e collaborando con compositori per creare nuova musica. L'oboe ha un suono così ricco ed espressivo, e voglio contribuire al suo ulteriore sviluppo aprendo nuove prospettive per questo strumento.

Allo stesso tempo, vorrei approfondire ulteriormente le mie collaborazioni artistiche, sia attraverso la musica da camera, progetti discografici o opere interdisciplinari che combinano la musica con altre forme d'arte. E naturalmente, l'insegnamento rimane una parte importante della mia vita: spero di continuare a ispirare e guidare i giovani musicisti nella loro ricerca della propria strada.

In definitiva, il mio obiettivo è scoprire, imparare e condividere il mio amore per la musica nel maggior numero di modi significativi possibile.

Quali sono le tue passioni al di fuori della musica?
La musica è una parte importante della mia vita, ma ho anche passioni al di fuori della musica che mi ispirano e mi danno equilibrio. Amo lo sport e l'attività fisica: che si tratti di nuoto, jogging, ciclismo o escursionismo, stare all'aria aperta mi aiuta a recuperare sia fisicamente che mentalmente. Il nuoto è essenziale per me.

Inoltre, apprezzo molto le arti visive. Mia sorella ed io condividiamo la passione per la pittura e il disegno, e trovo che la creatività visiva sia una forma di espressione diversa, ma altrettanto potente. Viaggiare è un'altra mia grande passione: scoprire nuove culture, incontrare persone di diversa provenienza e sperimentare le ricche tradizioni artistiche e culinarie del mondo mi ispira costantemente, sia a livello personale che musicale.

In definitiva, penso che le mie passioni al di fuori della musica mi aiutino a rimanere aperto e creativo e che spesso influenzino il mio approccio al suonare e all'insegnare.

Intervista di Florian Schär | Classicpoint.net | 1 giugno 2025
© Immagine: Philippe Tondre