Intervista a Philippe Tondre

"Vado a fare jogging con i miei studenti."

Philippe Tondre è nato nel 1989 e ha iniziato a suonare l'oboe nella sua città natale, Mulhouse, in Francia, con Yves Cautres, prima di studiare con David Walter al Conservatorio Nazionale Superiore di Musica di Parigi. La sua carriera professionale è iniziata ancora studente, all'età di 18 anni, quando è stato nominato primo oboe della SWR Symphony Orchestra di Stoccarda. È stato anche invitato a ricoprire il ruolo di primo oboe con importanti orchestre, tra cui la Royal Concertgebouw Orchestra di Amsterdam, la Budapest Festival Orchestra e la Bavarian Radio Symphony Orchestra. Nel 2010, Seiji Ozawa lo ha scelto come primo oboe della Saito Kinen Festival Orchestra, ora conosciuta come Seiji Ozawa Festival Orchestra. La sua totale dedizione all'oboe e il suo costante desiderio di migliorare come musicista lo hanno portato a cinque intensi e stimolanti anni di partecipazione a concorsi internazionali. Indubbiamente, uno dei suoi momenti più importanti è stata la vittoria del Concorso Internazionale di Musica ARD di Monaco nel 2011 e l'assegnazione del prestigioso Anello di Beethoven, un'onorificenza musicale conferita dal Beethovenfest di Bonn. Nel 2016 è stato nominato primo oboe della Gewandhaus Orchestra di Lipsia. Nel 2020 è diventato primo oboe della Chamber Orchestra of Europe e ha vinto l'ambito posto di primo oboe con la Philadelphia Orchestra sotto la direzione di Yannick Nézet-Séguin. Nel 2022 è stato nominato professore al Curtis Institute of Music di Philadelphia.

Sei diventato primo oboista dell'Orchestra Sinfonica SWR mentre eri ancora studente. Com'è stato quell'inizio della tua vita professionale?
Diventare primo oboista dell'Orchestra Sinfonica SWR mentre ero ancora studente è stata un'esperienza entusiasmante e formativa. È stato un onore incredibile ricoprire una posizione così importante in così giovane età, ma ha comportato anche una grande responsabilità. Conciliare gli studi con le esigenze della vita professionale ha richiesto disciplina e un rapido apprendimento.

Sono stato incredibilmente fortunato ad avere colleghi eccezionali che mi hanno accolto a braccia aperte e hanno avuto la pazienza di lavorare con un giovane esordiente. Il loro supporto e la loro generosità mi hanno permesso di crescere nel ruolo e di sviluppare sia le mie capacità che la mia sicurezza. Lavorare con musicisti così affermati è stato fonte di ispirazione e mi ha aiutato a maturare rapidamente sia come musicista che come membro di un team. Ripensandoci, sono molto grato per questa opportunità: ha plasmato il mio approccio alla musica e mi ha instillato una ricerca dell'eccellenza che dura da tutta la vita.

Tre anni dopo, Seiji Ozawa ti ha nominato primo oboista dell'Orchestra Saito Kinen. Come hai vissuto la cultura e il popolo giapponese?
A tre anni dall'inizio della mia carriera professionale, la nomina di Seiji Ozawa a primo oboista dell'Orchestra Saito Kinen è stata una tappa fondamentale per me. Non solo mi ha dato l'opportunità di lavorare con uno dei direttori d'orchestra più stimolanti del nostro tempo, ma mi ha anche fatto conoscere il ricco patrimonio culturale del Giappone e il calore della sua gente.

Il mio legame con il Giappone è iniziato attraverso la musica, ma si è rapidamente esteso ben oltre. Lavorare con la Saito Kinen Orchestra è stato come entrare a far parte di una famiglia: c'era un incredibile senso di cameratismo e di condivisione di intenti tra i musicisti. Al di fuori delle prove e delle esibizioni, mi sono immerso nella cultura giapponese, esplorando l'arte, la storia e la cucina del Paese, e sperimentando il profondo rispetto e la cura che caratterizzano la vita quotidiana in Giappone.

Ciò che mi ha colpito di più è stata l'enfasi sull'armonia e l'amore per i dettagli in ogni aspetto della cultura giapponese, qualcosa che ha profondamente risuonato con il mio approccio alla musica. Queste esperienze non solo hanno arricchito la mia vita personale, ma hanno anche profondamente plasmato la mia prospettiva come musicista. Il Giappone rimane un posto speciale per me, sia professionalmente che personalmente.

Seiji Ozawa è stato per me più di un direttore d'orchestra: è stato un mentore e quasi una figura paterna. La sua dedizione, la sua visione e la sua umanità sono state fonte di infinita ispirazione, e la sua fiducia in me mi ha dato la sicurezza necessaria per crescere sia come musicista che come persona. Mi ha insegnato lezioni preziose sulla musica, sulla leadership e sull'umiltà, e la sua influenza continua ancora oggi. Lavorare con lui è stato un privilegio e un'esperienza che conserverò per sempre.

Nel 2016 sei entrato a far parte dell'Orchestra del Gewandhaus di Lipsia come primo oboista. Quali sono state le differenze rispetto alle tue precedenti orchestre?
Entrare a far parte dell'Orchestra del Gewandhaus di Lipsia come primo oboista nel 2016 è stata un'esperienza straordinaria. L'Orchestra del Gewandhaus vanta una tradizione eccezionale che si estende per oltre due secoli, ed essere parte di un'istituzione così prestigiosa è stato al tempo stesso un onore e una grande fonte di ispirazione.

Una delle differenze più significative rispetto alle mie precedenti orchestre era la tradizione sonora unica della Gewandhaus Orchester. Il suono dell'orchestra possiede un calore e una profondità distintivi, radicati nel suo rapporto di lunga data con compositori come Mendelssohn e Brahms. Adattarmi a questo mondo sonoro distintivo è stato sia una sfida che un privilegio, poiché ho dovuto perfezionare il mio modo di suonare per integrarmi perfettamente nell'ensemble, contribuendo allo stesso tempo con la mia voce come oboista solista.

Inoltre, lo stretto legame della Gewandhaus Orchestra con la sua città natale, Lipsia, ha favorito un profondo senso di comunità. Il legame con il pubblico è stato molto personale, come se l'orchestra fosse parte integrante dell'identità culturale della città. Questo si differenziava in qualche modo dall'approccio più internazionale di altre orchestre con cui avevo suonato e conferiva alle esibizioni una dimensione incredibilmente significativa e intima.

Ogni orchestra ha il suo carattere, e l'enfasi sulla tradizione e sullo spirito di squadra al Gewandhaus mi ha insegnato molto sull'importanza del patrimonio e su come la musica ci connetta al passato ispirando al contempo il presente.

Poi, nel 2020, è arrivato il passaggio alla Philadelphia Orchestra come primo oboista. Come hai vissuto le differenze culturali in America?
Entrare a far parte della Philadelphia Orchestra come primo oboista nel 2020 è stato un passo entusiasmante nella mia carriera, ma ha anche presentato nuove sfide, in particolare l'adattamento a un ambiente culturale diverso. Gli Stati Uniti hanno una cultura musicale unica che enfatizza sia l'espressione individuale che la collaborazione collettiva. C'è una forte consapevolezza che la voce del musicista sia parte integrante del tessuto orchestrale, e l'ho percepito subito a Philadelphia.

Una delle differenze più evidenti per me è stata l'apertura alla sperimentazione e all'innovazione nella scena musicale americana. C'è la volontà di esplorare nuove interpretazioni, superare i limiti e provare cose che potrebbero non essere così comuni nelle istituzioni europee più tradizionali. Allo stesso tempo, c'è un profondo rispetto per la tradizione classica, e ho trovato un vero equilibrio tra l'onorare il passato e accogliere il presente.

Nel complesso, il passaggio alla Philadelphia Orchestra è stato arricchente sotto ogni punto di vista. Non si tratta solo delle differenze musicali, ma anche di come queste differenze riflettano i valori e lo spirito della cultura qui negli Stati Uniti.

Nel frattempo, hai vinto alcuni concorsi importanti che ti sono serviti da trampolino di lancio per la tua carriera solista parallela. Qual è stato il concorso più importante per te e com'è stata l'esperienza?
I concorsi sono stati una parte importante del mio percorso musicale e ognuno mi ha insegnato lezioni preziose. Se dovessi sceglierne uno più significativo, sarebbe il Concorso Internazionale di Musica ARD di Monaco del 2011. Vincere questo prestigioso concorso è stato un momento cruciale nella mia carriera, perché mi ha aperto molte porte e mi ha affermato sulla scena internazionale.

Prepararsi e partecipare a un concorso così prestigioso è stata un'esperienza intensa. Ha richiesto mesi di pratica e concentrazione, non solo per perfezionare il repertorio, ma anche per sviluppare la forza mentale necessaria per esibirsi sotto pressione. Il Concorso ARD è stato particolarmente impegnativo perché ha messo in luce sia i solisti che i musicisti da camera. Mi ha permesso di dimostrare la mia versatilità e la mia capacità di interagire con altri musicisti, doti che ancora oggi metto a frutto.

Oltre alle esigenze tecniche e musicali, questa competizione è stata particolarmente significativa perché mi ha offerto l'opportunità di raggiungere un pubblico più ampio e di incontrare musicisti eccezionali provenienti da tutto il mondo. Vincere è stata una conferma dei miei anni di duro lavoro, ma, cosa ancora più importante, mi ha fornito una piattaforma per mettermi in mostra come solista di fronte a un pubblico più vasto. È stato un momento cruciale che ha plasmato il mio percorso come musicista d'orchestra e solista.

Insegni anche come professore al Curtis Institute of Music di Philadelphia. Cosa cerchi quando selezioni i tuoi studenti?
Insegnare al Curtis Institute of Music è una parte molto gratificante della mia carriera. Il Curtis è noto per la sua tradizione di eccellenza e per aver formato alcuni dei migliori giovani musicisti al mondo, quindi il processo di selezione è rigoroso e meticoloso.

Quando seleziono gli studenti, presto particolare attenzione alla loro musicalità e al loro potenziale. Certo, una solida base tecnica è importante, ma ciò che mi colpisce davvero è la loro capacità di trasmettere qualcosa che trascende le note sulla pagina, che sia attraverso il fraseggio, il colore del suono o una connessione emotiva con la musica. Cerco l'individualità, quella scintilla di creatività e curiosità che dimostra la loro disponibilità a crescere ulteriormente come artisti.

Un'altra qualità fondamentale è la dedizione. Essere un musicista richiede non solo talento, ma anche un'eccezionale etica del lavoro e resilienza. Voglio lavorare con studenti appassionati e aperti di mente, disposti a impegnarsi duramente per affinare la propria arte e sviluppare la propria voce unica.

Infine, apprezzo molto il lavoro di squadra. La musica è un'esperienza condivisa e, al Curtis, dove la musica da camera e il suonare in ensemble sono parte integrante del curriculum, è importante che gli studenti possano collaborare con gli altri in modo significativo e rispettoso. Il mio obiettivo è formare musicisti completi, non solo tecnicamente competenti, ma anche artisticamente riflessivi e pronti a dare il loro contributo al mondo della musica.

Ho letto che vai anche a correre con i tuoi studenti. Cerchi di creare un senso di squadra in classe o è un'iniziativa degli studenti?
Sì, è vero che vado a correre con i miei studenti! Credo che costruire un senso di comunità e cameratismo all'interno della classe sia altrettanto importante quanto concentrarsi sullo sviluppo individuale. La musica può essere molto competitiva, ma è anche profondamente collaborativa, quindi cerco di creare un ambiente in cui gli studenti possano sostenersi e ispirarsi a vicenda, sia dentro che fuori dalla classe.

Correre insieme, o semplicemente trascorrere del tempo in un'atmosfera rilassata, aiuta ad abbattere le barriere e crea uno spazio in cui possiamo entrare in contatto a un livello più personale. Non si tratta solo di attività fisica; si tratta anche di costruire fiducia, promuovere una comunicazione aperta e creare un senso di appartenenza. Tuttavia, lo spirito di squadra nasce naturalmente anche dagli studenti stessi. Portano la loro energia e personalità al gruppo, e sono fortunata ad avere classi che amano davvero lavorare insieme e crescere come gruppo.

In definitiva, considero il mio ruolo non solo come quello di insegnare oboe, ma anche come quello di aiutare i miei studenti a diventare musicisti e persone complete. Che si tratti di fare jogging, suonare musica da camera o partecipare a discussioni in studio, cerco di creare un'atmosfera in cui tutti si sentano incoraggiati a contribuire, collaborare e ispirarsi a vicenda per dare il meglio di sé.

Cosa preferiscono i tuoi studenti: una carriera da solista o un posto in un'orchestra? Cosa consigli loro?
I miei studenti hanno obiettivi diversi: alcuni sognano una carriera da solista, altri preferirebbero suonare in un'orchestra. Alla Curtis School of Music, incoraggiamo entrambi i percorsi, così come la musica da camera, l'insegnamento e altri modi creativi per costruire una carriera nel mondo della musica.

I miei consigli dipendono dal singolo studente. Una carriera da solista richiede non solo un'esecuzione eccezionale, ma anche una forte autostima artistica, indipendenza e la capacità di prosperare in un ambiente altamente imprevedibile. Un posto in un'orchestra, d'altra parte, richiede grande adattabilità, capacità di lavoro di squadra e la capacità di integrarsi perfettamente mantenendo la propria voce. Entrambi i percorsi sono gratificanti a modo loro e consiglio sempre ai miei studenti di mantenere una mentalità aperta, poiché le carriere spesso prendono svolte inaspettate.

Ancora più importante, li incoraggio ad acquisire esperienze diversificate durante la loro formazione, partecipando a concorsi per solisti, suonando in orchestre o formando ensemble di musica da camera, in modo che possano scoprire cosa li ispira veramente. La carriera più appagante è quella che si allinea con le loro passioni e i loro punti di forza, sia come solisti, musicisti d'orchestra o una combinazione di entrambi.

Sei ancora giovane; quali sono i tuoi obiettivi e le tue ambizioni musicali?
Mi sento incredibilmente fortunato ad aver sperimentato così tanti aspetti diversi del mondo della musica: esibirmi come solista, suonare in orchestre straordinarie e insegnare alla prossima generazione di musicisti. Il mio obiettivo più grande per il futuro è continuare a crescere come artista e trovare nuovi modi per condividere la musica con il pubblico.

Uno dei miei obiettivi è ampliare il repertorio dell'oboe promuovendo opere meno note e collaborando con compositori per creare nuova musica. L'oboe ha un suono così ricco ed espressivo, e voglio contribuire al suo ulteriore sviluppo aprendo nuove prospettive per questo strumento.

Allo stesso tempo, vorrei approfondire ulteriormente le mie collaborazioni artistiche, sia attraverso la musica da camera, progetti discografici o opere interdisciplinari che combinano la musica con altre forme d'arte. E naturalmente, l'insegnamento rimane una parte importante della mia vita: spero di continuare a ispirare e guidare i giovani musicisti nella loro ricerca della propria strada.

In definitiva, il mio obiettivo è scoprire, imparare e condividere il mio amore per la musica in quanti più modi significativi possibili.

Quali sono le tue passioni al di fuori della musica?
La musica è una parte importante della mia vita, ma ho anche altre passioni che mi ispirano e mi danno equilibrio. Amo lo sport e l'attività fisica: che si tratti di nuoto, jogging, ciclismo o escursionismo, stare all'aria aperta mi aiuta a recuperare sia fisicamente che mentalmente. Nuotare è fondamentale per me.

Inoltre, apprezzo molto le arti visive. Mia sorella ed io condividiamo la passione per la pittura e il disegno, e trovo che la creatività visiva sia una forma di espressione diversa, ma altrettanto potente. Viaggiare è un'altra mia grande passione: scoprire nuove culture, incontrare persone di diversa provenienza e sperimentare le ricche tradizioni artistiche e culinarie del mondo mi ispira costantemente, sia a livello personale che musicale.

In definitiva, penso che le mie passioni al di fuori della musica mi aiutino a rimanere aperto e creativo e che spesso influenzino il mio approccio al suonare e all'insegnare.

Intervista di Florian Schär | Classicpoint.net | 1 giugno 2025
© Immagine: Philippe Tondre