Robert Groslot in un'intervista

"La musica non esprime altro che se stessa."

Il musicista belga Robert Groslot si è fatto un nome come pianista e, soprattutto, come direttore della "Notte dei Proms". In questo mega-evento, che si tiene ogni anno dal 1994 e ha come tema "Il meglio di 300 anni di musica popolare", Groslot dirige l'orchestra "II Novecento", da lui fondata. Sebbene la "Notte" lo porti regolarmente nelle principali città, il 64enne si considera principalmente un compositore. Dopo lavori orchestrali e solistici, ha recentemente pubblicato il suo primo CD interamente dedicato alla musica da camera.

Classicpoint.ch: Signor Groslot, lei è conosciuto principalmente come pianista, e ancor più come direttore d'orchestra. Tuttavia, si considera soprattutto un compositore, principalmente di musica orchestrale. Ora ha pubblicato il suo primo CD di musica da camera, "Chamber Works for Clarinet". Com'è stato per lei questo "esperimento cameristico"?
Come pianista, ho sempre tratto grande gioia dalla musica da camera. Suonare con un piccolo gruppo di persone – di solito buoni amici ed eccellenti musicisti – è sempre un'esperienza unica, intensa e insostituibile. Ciononostante, mi ci è voluto un po' di tempo prima di dedicarmi alla musica da camera come compositore. A quanto pare, prima ho dovuto soddisfare il mio profondo bisogno di comporre opere più ampie e scrivere 16 concerti per orchestra... (ride)

Quali composizioni cameristiche hai scritto in passato e quali esperienze hai avuto con esse?
Negli ultimi due anni ho composto numerosi pezzi per formazioni cameristiche tradizionali, ad esempio un quartetto d'archi – intitolato "Matrix in Persian Blue" – e una sonata per violino, che un anno fa mi sembrava assolutamente impossibile (ride). Ma ho anche sperimentato nuove combinazioni strumentali, come in "The Phoenician Sailor", un pezzo per ottavino, corno inglese, trombone basso e pianoforte. Considero i limiti che il genere cameristico sembra avere rispetto alla musica orchestrale molto più come un arricchimento che come una carenza. Perché qui, su scala ridotta, si aprono possibilità di sperimentazione completamente nuove. La musica cameristica di Beethoven è molto più audace delle sue opere per orchestra. E, cosa molto importante: come compositore, scrivi musica cameristica per esecutori che conosci molto bene.

Come mai il clarinetto è al centro della registrazione del CD?
Tutti i brani del CD "Opere da camera per clarinetto" sono stati scritti su richiesta del clarinettista Vlad Weverbergh. Ho composto queste opere in un periodo relativamente breve, e questo è probabilmente anche il motivo per cui il CD risulta stilisticamente molto unitario. In "Curve dipinte" ho voluto contrapporre alla tradizionale serietà dei famosi quintetti per clarinetto – ad esempio, di Brahms o Reger – una spensierata leggerezza. "Parfum éphémères", scritto per la strumentazione del "Trio di Kegelstatt" di Mozart – ovvero per pianoforte, violino e viola – è composto da cinque bozzetti quasi impressionistici. "Hoquetus, Battaglia & Madrigal" per clarinetto e arpa si rifà naturalmente alle tecniche medievali, e "La luna di Wagner" è una riflessione notturna sull'accordo di Tristano.

La sua musica per clarinetto è comprensibile, accessibile e al tempo stesso molto sensuale e giocosa. Queste qualità sono ancora "ammesse" oggi?
Non dobbiamo dimenticare che l'arte nasce sempre in due fasi: la prima, da un concetto, e la seconda, dalla sua concreta realizzazione. I concetti possono essere più o meno consapevoli, o persino puramente intuitivi. Lo sviluppo di un concetto o di un'idea, tuttavia, è intrinsecamente sensuale, quasi per definizione, perché deve essere percepito attraverso i sensi. A mio avviso, il tentativo di alcuni compositori di attribuire alla musica compiti diversi da quelli puramente sensoriali è forzato, poiché la musica non esprime altro che se stessa. Da parte mia, vivo anche strutture molto complesse – come quella del mio concerto per pianoforte – come qualcosa di emotivo e non semplicemente guidato dalla ragione.

In che modo la tua conoscenza della direzione d'orchestra ti aiuta nella composizione?
Dirigere capolavori del passato è una fonte inesauribile di informazioni, ben più intensa del semplice ascolto. Un direttore d'orchestra, per così dire, si trasforma all'interno del brano che sta dirigendo, sia mentalmente che fisicamente. Questa attività mi ha anche incoraggiato a trascrivere e organizzare le mie idee e i miei concetti musicali – tempi, sfumature, articolazioni, ecc. – nel modo più preciso possibile. Un esempio concreto: raramente scrivo indicazioni di tempo in 5/8, ma sempre 1/4 + 3/8 o 3/8 + 1/4, in modo che ogni musicista, direttore compreso, conosca e suoni immediatamente l'accentuazione corretta senza perdere tempo in prova. Il compositore britannico Michael Tippett, di cui amo molto la musica, collegava i suoi motivi compositivi con delle travi che attraversano le battute. Questo complica notevolmente la leggibilità. Cerco sempre di rendere il processo di assimilazione il più semplice possibile per l'esecutore.

Soprattutto in Germania, ci sono delle riserve sui "direttori d'orchestra compositori". Qual è la sua opinione al riguardo?
I pregiudizi sono sempre sciocchi e riprovevoli. Tuttavia, è evidente che musicisti come Gustav Mahler, Richard Strauss e Leonard Bernstein siano stati anche importanti direttori d'orchestra e grandi compositori. Certo, ci sono bravi direttori che compongono in modo meno interessante e bravi compositori che non sanno dirigere. E ci sono stati, e ci sono tuttora, musicisti che non ne capiscono nulla (ride).

La musica del XX secolo è stata – e per certi versi lo è ancora – caratterizzata da una guerra di trincea ideologica. La musica dodecafonica, e in seguito il serialismo, furono elevati a dogma; l'atonalità era all'ordine del giorno dopo la Seconda Guerra Mondiale. Quanto è importante per te prendere posizione in questo contesto? E perché scrivi in ​​modo così tonale e accessibile?
Anche per me questo è stato un grosso problema e uno dei motivi per cui ho scritto così poco negli anni '80 e '90. L'espansione della scala settennale dopo l'uso della dodecafonia è uno sviluppo logico, profondamente intrecciato con la natura della musica. L'evitamento rigoroso della tonalità e l'uso esclusivo dei principi seriali mi sembrano, in molti casi – anche se non sempre – forzati. Il compositore belga André Laporte, nato nel 1931, che ha scritto opere d'avanguardia, disse una volta che non si può ignorare continuamente la tonalità nel corso della storia. Credo che lo sviluppo della musica dopo la Prima Guerra Mondiale sia fin troppo comprensibile e forse persino inevitabile in questa forma, in parte a causa delle grandi tragedie della storia e in parte a causa della natura stessa della musica, le cui potenzialità furono mal interpretate.  

Come descriveresti il ​​tuo stile, il tuo modo di comporre musica?
Il linguaggio musicale in cui scrivo mi sembra del tutto naturale. Riesco a muovermi al suo interno con facilità e libertà, eppure è anche molto accessibile a un ascoltatore esperto. Credo che il mio linguaggio musicale sia personale e riconoscibile. Sappiamo tutti che ci sono molti problemi nel nostro mondo, ma penso che abbia poco senso cercare costantemente di esprimerli attraverso la musica. La politica e la letteratura sono molto più adatte a questo scopo. Con la mia musica, voglio esprimere l'esperienza della vita stessa, la gioia che provo ogni notte e ogni giorno, le tante meraviglie della nostra esistenza e, naturalmente, l'eterno mistero. Soprattutto, voglio riportare il sorriso nella musica.

In quale tradizione storica e musicale ti collochi? Dove vedi le tue radici intellettuali e artistiche?
Mi sento europeo nel corpo e nell'anima, e penso anche che nella mia musica si possano percepire molte influenze germaniche e latine: forse è tipicamente belga? (ride). Anche la tradizione anglosassone gioca un ruolo importante per me. "Pioggia sulla città rosa" e, ad esempio, la prima e l'ultima parte di "Curve dipinte" hanno chiaramente radici americane. Il mio amore per le forme di ampio respiro – ad esempio, in "Il grande globo", "Venere nera" o in alcuni dei miei concerti – è indubbiamente germanico. I colori brillanti di molte composizioni, d'altra parte, rivelano il mio amore per tutto ciò che è mediterraneo. Mi vedo chiaramente come erede di una stirpe iniziata con Beethoven e che passa per Liszt, Debussy, Stravinsky, Bartók, fino ad arrivare a Lutosławski e Ligeti, senza voler essere paragonato a questi maestri.

La musica può, dovrebbe o deve in qualche modo prendere posizione, in altre parole – e intesa nel senso più ampio – essere politica?
Stravinsky aveva ragione quando affermava che la musica non esprime altro che se stessa. Certo, molti brani musicali ci ricordano circostanze quotidiane o persino politiche, soprattutto quando i testi vengono cantati o musicati. Ma anche queste cose rimangono nell'ambito dell'associazione. Negare la dimensione fondamentalmente estetica della musica è inutile, perché in tal caso non ne rimarrebbe nulla.

Quanto è "soggettiva" la tua musica? La categoria di "musica esistenziale" o persino di "opera confessionale" ha ancora un senso oggi?
Ogni buon compositore si esprime costantemente. In questo senso, la buona musica è sempre esistenziale. È comprensibile che gli artisti che vivono in circostanze difficili sentano il bisogno di esprimerlo nella loro arte. Ma queste idee extramusicali funzionano solo per associazione, non attraverso la musica stessa. Alcuni compositori si prendono così sul serio che il risultato diventa pomposo o addirittura ridicolo. Quindi restiamo umili e usiamo il linguaggio musicale così com'è.

Quali sono i tuoi progetti e desideri per il futuro?
Spero di comporre molte altre opere, anche in generi che non conosco ancora (ride). Mi attrae anche il teatro musicale; mi piacerebbe scrivere un'opera o realizzare un film d'opera. Non parlo di musica da film, dove i suoni hanno sempre una funzione di supporto, ma piuttosto di un nuovo tipo di film d'autore in cui suoni, testi e sequenze video formano un'unità organica e drammatica. Ho anche un progetto concreto per un'opera orchestrale di ampio respiro che potrebbe diventare una sintesi del mio mondo musicale (ride).

Intervista al Dott. Burkhard Schäfer in qualità di autore ospite per Classicpoint.ch | 1° ottobre 2015