Interview mit Elena Stikhina

«Das Opernhaus Zürich hat für mich eine ganz besondere Bedeutung.»

Elena Stikhina ist eine international gefeierte russische Opernsängerin (Sopran), die sich in den letzten Jahren als eine der herausragenden Stimmen ihres Fachs etabliert hat. Sie wurde in Russland geboren und erhielt ihre musikalische Ausbildung am renommierten Sankt Petersburger Konservatorium. Erste große Aufmerksamkeit erlangte sie als Ensemblemitglied des Mariinski-Theaters in St. Petersburg, wo sie zentrale Partien des italienischen und russischen Repertoires sang.
Internationale Durchbrüche feierte Stikhina unter anderem an der Metropolitan Opera in New York, der Wiener Staatsoper, der Mailänder Scala sowie bei den Bayreuther Festspielen. Besonders geschätzt wird sie für ihre kraftvolle, zugleich lyrische Stimme und ihre intensive Bühnenpräsenz. Zu ihren bedeutendsten Rollen zählen Tosca (Puccini), Aida (Verdi), Senta in Der fliegende Holländer und Elisabeth in Tannhäuser (Wagner).
Mit ihrer musikalischen Ausdruckskraft und technischen Präzision zählt Elena Stikhina heute zu den führenden Sopranistinnen ihrer Generation.

Wie hat sich Ihr Verständnis von „Tosca“ oder „Aida“ im Laufe der Jahre verändert?
Wenn man sich zum ersten Mal in die Oper verliebt, gibt man sich ihr völlig hin. Man nimmt alles als ein einziges großes, grandioses Ganzes in sich auf. Dann beginnt man, eine Rolle einzustudieren, und plötzlich befindet man sich im Kopf der Figur und lebt im Libretto. Aber jedes Mal, wenn man für eine neue Inszenierung zu einer Rolle zurückkehrt, entdeckt man etwas Neues. Eine andere Nuance in der Musik, eine neue Spannung zwischen den Figuren, eine Wahrheit, die man zuvor irgendwie übersehen hat. Bei Aida ist das Erste, was einen überwältigt, das Spektakel. Die großen Ensembles, der Chor, das schiere Ausmaß des Ganzen. Erst später wird es zu etwas viel Intimerem. Eine Geschichte über echte Menschen, ihre unmöglichen Entscheidungen, ihre Trauer. Tosca war für mich ein Rätsel für sich. Lange Zeit hat mich der erste Akt verwirrt. Warum fühlt er sich so anders an als alles, was danach kommt? Warum ist die Musik so leicht? Dann gab mir mein Lehrer den Schlüssel. Behandle ihn wie eine Operette. Verspielt und ungeschützt. Denn die Tragödie hat einfach noch nicht begonnen. Diese eine Erkenntnis hat alles verändert.

Gibt es eine Rolle, von der du heute sagen würdest, dass du sie vor fünf Jahren ganz anders interpretiert hättest?
Ehrlich gesagt, jede einzelne davon. Man kann dieselbe Oper nie zweimal auf dieselbe Weise singen. Jede Aufführung ist absolut einzigartig. Wenn man über die Jahre immer wieder zu einer Rolle zurückkehrt, entwickelt sie sich mit einem weiter. Das eigene Leben verändert sich, die Perspektive verschiebt sich, und die Figur verändert sich genau mit ihr. Mir fällt keine einzige Oper ein, die ich heute genauso aufführen könnte wie vor fünf Jahren oder wie ich es in fünf Jahren tun werde. Die Rolle wird mit einem älter.

Auf welche Vorurteile über dramatische Stimmen stößt man immer wieder?
Erst kürzlich bin ich auf ein ziemlich charmantes Vorurteil gestoßen. Menschen mit dramatischen Stimmen hören offenbar nur gerne anderen dramatischen Stimmen zu. Völlig falsch und, ehrlich gesagt, ein wenig beleidigend für unseren Geschmack! Aber der größere Mythos ist, dass dramatische Stimmen mit zwanzig Jahren einfach schon voll ausgebildet sind. Ja, das Potenzial muss von Anfang an vorhanden sein. Aber eine kraftvolle Stimme reift sehr oft über viele Jahre hinweg. Es ist wirklich selten, dass ein dramatisches Instrument so früh im Leben schon stabil und vollendet ist. Und dann gibt es noch die Annahme, dass große Stimmen keine Technik brauchen. Dass Sänger wie ich einfach nur dastehen und die Natur die ganze Arbeit machen lassen. Das bringt mich immer zum Schmunzeln.

Fühlt sich wirklich jede Bühne anders an, oder ist das ein Mythos?
Keineswegs ein Mythos. Jede Bühne fühlt sich völlig anders an, denn jedes Theater hat seine eigene Akustik und seine eigene Atmosphäre. Die Akustik ist das Werk der Architekten. Die Atmosphäre ist etwas ganz anderes. Sie entsteht durch das Publikum und die Zeit über Jahrzehnte hinweg und lässt sich einfach nicht entwerfen. Sie sammelt sich einfach an. 

Gibt es ein Opernhaus, das Sie besonders tief geprägt hat?
Alle Theater sind auf ihre eigene Weise besonders. Aber das Opernhaus Zürich hat für mich eine ganz besondere Bedeutung. Dort habe ich zum ersten Mal in Europa Salome gesungen. Der emotionale Druck war immens. Eine deutsche Oper in einem deutschsprachigen Land zu singen, ist wirklich beängstigend. Die Aussprache ist gnadenlos, und Salome verlangt obendrein noch eine enorme körperliche Bewegung. Aber all die harte Arbeit hat sich gelohnt, und Zürich wird mir deswegen immer etwas Besonderes bedeuten.

Sie treten derzeit als Amelia in „Un ballo in maschera“ an der Zürcher Oper auf. Wie viel von Elena steckt in Amelia?
Ehrlich gesagt, nicht sehr viel. Ich sehe mich selten in meinen Figuren wieder. Wir sind meist ganz unterschiedliche Menschen. Aber während der Proben arbeite ich hart daran, wie meine Figur zu denken, jede ihrer Entscheidungen zu begründen, selbst jene, die ich völlig unlogisch finde. Wenn ich sie nicht von innen heraus verstehen kann, kann ich sie von außen einfach nicht überzeugend verkörpern.

Viele Ihrer Rollen sind mit extremem emotionalem Druck verbunden. Nehmen Sie etwas davon mit nach Hause?
Ich habe ein persönliches Mantra: Wenn man das Theater verlässt, lässt man die Figur zurück. Für mich ist die Trennung von Arbeit und Privatleben absolut unerlässlich. Die Tür zur Garderobe schwingt in beide Richtungen. 

Gibt es eine Figur, die Sie persönlich verändert hat?
Jede Rolle bringt mich zum Nachdenken. Nicht unbedingt über mich selbst, aber jede hinterlässt Spuren. Ich würde sogar sagen, es ist umgekehrt. Das Leben hinterlässt Spuren bei meinen Figuren. Ein bestimmtes Ereignis oder eine Erfahrung in deinem eigenen Leben kann dein Verständnis einer Rolle, das, was du in sie einbringst, und das, was du fühlst, wenn du sie singst, völlig auf den Kopf stellen. Die Figur verändert dich nicht. Du veränderst die Figur. 

Gab es eine Aufführung, bei der die Reaktion des Publikums besonders intensiv war?
Ja, 2017 sprang ich an der Pariser Oper ein, um Anna Netrebko in „Eugen Onegin“ zu ersetzen. Der Protest gegen den Besetzungswechsel war genauso laut wie die Ovationen nach der Briefszene. Beim letzten Vorhang war der Empfang außergewöhnlich. Es war im wahrsten Sinne des Wortes ein neues Kapitel in meiner Karriere. 

Wenn Sie keine Sängerin geworden wären, wohin hätte Ihr Weg Sie geführt?
Das werden wir nie erfahren. Wenn man seine Leidenschaft findet, wirklich findet, kann man sich nicht mehr vorstellen, an etwas anderes zu denken. Ich bin sicher, ich hätte irgendwo meinen Platz gefunden. Aber darüber spekulieren, was das gewesen wäre? Das kann ich wirklich nicht. 

Gibt es Rituale vor einer Aufführung, die dir wichtig sind?
Ich liebe es, mich vor einer Vorstellung auszuruhen, manchmal sogar nachmittags zu schlafen. Aber was wirklich heilig ist, sind die letzten dreißig Minuten vor dem Vorhang. Aufwärmen, in mich hineinhören, die Stille finden. Ich muss allein sein, ohne Unterbrechungen, ohne Lärm. Nur ich und die Musik, die gleich erklingen wird. 

Welche Leidenschaften hast du außerhalb der Musik?
Vor allem meine Familie. Die Zeit mit ihnen ist unersetzlich. Kino, lange Spaziergänge, die Natur und gutes Essen. Eigentlich ganz einfache Dinge. Aber nach einer Woche Verdi sind einfache Dinge genau das, was man braucht.

Interview von Florian Schär | Classicpoint.net | 01.06.2026
Bild Copyright: Daria Valetova