Vadim Gluzman im Interview
« Instrumente sind lebende, atmende Wesen mit Seele, Gefühlen, Stimmungen und Meinungen. »
Vadim Gluzmans außergewöhnliche Kunstfertigkeit besteht in der Fortsetzung der großen Geigertradition des 19. und 20. Jahrhunderts, die er mit der Frische und Dynamik der Gegenwart belebt. Zu seinem breit gefächerten Repertoire zählt insbesondere auch die zeitgenössische Musik, die er fördert und liebt. Er ist ein weltweit gefragter Solist; Livemitschnitte sowie preisgekrönte Aufnahmen, die er exklusiv für das Label BIS aufgenommen hat, ergänzen seine umfangreiche Konzerttätigkeit.
Classicpoint.net: Als Kind täuschten Sie Ihre Eltern, als hätten Sie viel geübt. Wann hat sich das geändert, und hatten Sie Freude am Üben?
Ich glaube der wirkliche Grund, warum ich angefangen habe Geige zu spielen, war ein Fall von kindlicher Eifersucht. Mein Vater ist ein Dirigent und meine Mutter Musikwissenschaftlerin. Beide unterrichten, und ich wollte genau so viel Aufmerksamkeit von ihnen bekommen, wie sie Ihren Studenten widmeten. Also wollte ich auch von ihnen unterrichtet werden. Wohlüberlegt haben sie mich dann aber nicht selbst gelehrt, sondern in einer Schule für musiktalentierte Kinder in der Sowjetunion angemeldet. Zu dieser Zeit lebte ich in Riga, der Hauptstadt von Lettland. Am Ende der Prüfungen sagten sie, dass ich einen sehr starken Klang habe und hatte bestanden. Dann wollte die Jury meine Hände sehen. Ich war absolut überzeugt davon, dass sie schauen wollten, ob ich saubere Fingernägel habe. Am nächsten Tag haben sie die Liste der aufgenommenen Studenten ausgehängt. Ich war auf der Liste und neben meinem Namen stand “Skripka” - Violine. Es gab keine Diskussion und keine Verhandlungen. Mir wurde gesagt, dass ich Geiger war und das war es dann. Damit musste ich klarkommen.
Auf Russisch ist die Violine weiblich und das Klavier männlich. Mein Vater hatte mir erklärt, dass das Klavier der König der Instrumente sei und die Violine die Königin. Was denken Sie, würde ein 6 Jahre alter Junge spielen wollen, eine Königin? Natürlich nicht, er will den König spielen! Ich habe mir vorgenommen, dass ich bei meinem nächsten Besuch in Riga die Leute fragen werde, wie sie sechsjährige Hände beurteilen. Wie sehen sie die Entwicklung voraus, wie können sie beurteilen, ob das gute Geiger-Hände werden? Denn in der Tat sind meine Hände gut für die Geige, für das Klavier sind sie aber überhaupt nicht geeignet. Mein erster Lehrer unterrichtet noch immer an dieser Schule, er ist jetzt fast 80 Jahre alt.
Als wir nach dem Zusammenbruch der Sowjetunion nach Jerusalem auswanderten, war das für mich ein kultureller Schock. Persönlich, musikalisch, künstlerisch, alles Mögliche: Es herrschte eine ganz andere Haltung gegenüber allem. Was mich am meisten reizte, war meine neu erlangte Selbstbestimmung, dass ich nun selbst in der Lage war, Entscheidungen selbständig treffen zu dürfen. Freiheit ist ein von Gott gegebenes Geschenk, das uns in der Sowjetunion genommen worden war. An einem Ort anzukommen, wo Demokratie gelebt wird, war wie zu merken, dass ich nie zuvor geatmet habe. Bis ich 16 Jahre alt war, war es mir nicht erlaubt zu atmen und ich war mir auch gar nicht bewusst, dass ich nicht atmete. Doch plötzlich hatte ich Zugang zum Sauerstoff, zu dieser Freiheit und es änderte komplett meine Perspektive.
Von klein auf wurde mir gesagt: „Du bist ein Geiger“. Die bloße Idee, dass ich diese Aussage hinterfragen könnte, war unvorstellbar. Als es mir dann aber erlaubt war, meine Welt in Frage zu stellen, begann ich daran zu zweifeln. War ich wirklich ein Geiger? Es gab eine Zeit, in der ich glaubte, dass ich es nicht sei. Wenn nicht Isaac Stern und Arkady Fomin (mein erster Lehrer in Dallas, als ich für das Studium nach Amerika ging) gewesen wären, hätte ich wohl aufgegeben. Sie waren richtungsweisende Personen, sie haben mich davon abgebracht, an meiner Zukunft zu zweifeln und haben mich stattdessen bestärkt, diese zu gestalten.
Sie wurden nach dem Modell der Russischen Schule unterrichtet. Was denken Sie über diese Art von Unterricht heute?
Das ist nicht ganz korrekt. Ich studierte in der ehemaligen Sowjetunion, aber meine erste Lehrerin in Riga (Romans) unterrichtete nach der deutschen Schule und Tradition des Geigenspiels. Mein einziger richtiger Kontakt zur russischen Schule war die einjährige Studienzeit bei Zakhar Bron in Novosibirsk. Man kann mich also nicht als repräsentativen Geiger der russischen Schule bezeichnen. Trotzdem bin ich sehr vertraut damit. Es gibt viele positive Aspekte wie z.B. ein Höchstmaß an Professionalismus von klein auf und eine fundierte Basistechnik. Es gibt aber auch viele Aspekte, die mir missfallen. Der Fokus ist zu stark auf das virtuose Repertoire gelegt, es fehlen richtige Auftrittsmöglichkeiten und frühe kammermusikalische Erfahrungen. Das ergibt eine sehr einseitige Ausbildung. Der Unterricht ist meist sehr autoritär und basiert auf der einen „korrekten“ Interpretation des Lehrers statt die Schüler darin zu bestärken, die eigenen Meinungen, den eigenen Geschmack und die eigene musikalische Richtung zu suchen und auszubilden.
Bitte erzählen Sie uns, wie es dazu gekommen ist, dass Sie von Isaac Stern unterrichtet wurden? Was haben Sie von ihm gelernt?
Ich war 16 Jahre alt und war gerade zwei Wochen zuvor in Jerusalem angekommen, als ich erfahren hatte, dass Isaac Stern Kinder im Music Centre anhört. Alle anderen hatten wahrscheinlich zwei Jahre im Voraus einen Vorspieltermin ausgemacht, aber ich bin einfach hingegangen, habe mich vorgestellt und gesagt, dass ich Isaac Stern vorspielen wollte. Schließlich kam er in den Raum, die Rezeptionistin erklärte ihm, dass da ein Junge aus Lettland gekommen sei und er war so nett, mich anzuhören. Wenige Stunden später kam ich aus dem Music Center mit einer neuen Geige, einem Schulplatz, einem Stipendium und dem Bewusstsein, dass ich absolut nichts über Musik, geschweige denn über das Geigenspiel an sich wusste.
Mein enges Verhältnis zu Isaac Stern hat mich sehr vorangebracht, obwohl es alles andere als einfach war. Er hatte diese unglaubliche Energie in sich, wie eine Maschine, die ihn nie anhalten lässt. Nichts war gut genug, und ich sage das im positivsten Sinn. Er war nur interessiert an dem, was verbessert werden konnte. Es war sinnlos, die Zeit mit Konzentration auf die Stärken zu verschwenden, wenn man stattdessen Mängel perfektionieren konnte.
Ihr Lehrer war auch Zakhar Bron. Sie haben mit Maxim Vengerov, Vadim Repin und anderen in der gleichen Klasse studiert. Wie war das?
Rückblickend war es eine extrem aufregende Zeit. Natürlich konnte ich es zu dieser Zeit nicht richtig genießen, ich war ein Teenager, aber was für eine Umgebung, mit ihnen allen zusammen aufzuwachsen. Im Grunde genommen war es ein täglicher Wettbewerb. Es waren nicht nur Maxim und Vadim dort, sondern auch Natalia Prischepenko – sie war lange Zeit Primaria des Artemis Quartetts. … Es war wirklich ein unglaublich fruchtbares Umfeld und Zakhar Bron war natürlich eine großartige Inspiration. Er verstand es, uns auf unterschiedlichste Arten zu inspirieren – entweder durch Vorspielen oder durch Anschreien – und jeder von uns erhielt eine wirklich individualisierte Behandlung.
Haben Sie Tipps, wie man mit der Nervosität umgehen soll?
Nervosität – das ist ganz einfach, ich kümmere mich einfach nicht darum. Natürlich werde ich nervös wie alle anderen, und natürlich beeinträchtigt es mein Spiel. Das einzige Mittel dagegen, das ich über all die Jahre gefunden habe, ist auf die Bühne zu gehen, immer wieder und immer wieder. Erfahrung ist das beste Rezept. Geh auf die Bühne so oft wie möglich. einen anderen Weg gibt es absolut nicht. Man ist am Anfang ängstlich, das ist ganz klar. Selbst wenn man nur vor 10 Leuten steht, ist man fast zu nervös zu sprechen. Das ist normal. Aber normal ist gut, ich sehe nichts Falsches darin. Offen gesagt, wenn man weiß, wie man mit Nervosität umgehen muss, verbessert sie nur den Auftritt. Ab und an schaffe ich es, die sogenannte „Nervosität“ zu kanalisieren und in kreative Inspiration umzuwandeln. Sie wird die Leistung nicht mindern, wenn man gelernt hat, damit umzugehen. Und man lernt das, indem man es macht. Man kann lernen, die Nervosität zum eigenen Freund zu machen. Sei deinen Freunden nahe. Und deinen Feinden noch näher. Und vielleicht wirst du eines Tages erkennen, ernsthaft erkennen, dass wir nur Klang produzieren, hoffentlich wunderschönen Klang. Wir operieren nicht, wir bauen keine Gebäude, wir stellen keine Produkte her. Was wir machen, fügt niemandem Schaden zu, selbst wenn wir es schlecht machen. Wenn du wirklich liebst, was du tust, wenn du ohne Musik nicht leben kannst, wird der Tag kommen, an dem die gesammelte Erfahrung die Nervosität kompensiert. Ich sage jedem, der mir diese Frage stellt: Finde jede mögliche Gelegenheit um vorzuspielen, und denke nicht ans Geld, zumindest nicht in dem Moment. Ein Altenheim, eine Kirche, eine Synagoge oder irgendeine andere Auftrittsmöglichkeit. Und dann spiel einfach.
Sie reisen viel um die Welt, um Konzerte zu geben. Gibt es eine witzige Geschichte, die Sie uns erzählen können?
Meine liebsten lustigen Momente passieren immer bei Proben oder manchmal auch bei Konzerten, wenn die Musiker sich gegenseitig reinlegen. Leider kann man diese Geschichten nicht nacherzählen, das muss man selbst erleben. Aber ein lustiger Moment kommt mir in den Sinn. Vor einigen Jahren habe ich mich mit der Anfangszeit eines Konzerts beim Festival in Colorado vertan. Ich hatte kaum Zeit den Geigenkasten zu öffnen, die Geige zu stimmen und auf die Bühne zu gehen. Ich hatte schon die halbe Sonate Nr. 2 von Prokofjew gespielt, als ich bemerkte, dass ich vergessen hatte, meine Schuhe zu wechseln und weiße Laufschuhe mit knallgelben Streifen trug. Es war unglaublich schwer, nicht zu lachen und ich bin sicher, dass sich viele Besucher im Publikum über meinen Kleiderstil gewundert haben.
Sie spielen die legendäre 1690 Ex-Leopold Auer Stradivari. Können Sie uns etwas über dieses wunderbare Instrument erzählen?
Die Ex-Leopold Auer Geige wurde von Antonio Stradivari im Jahre 1690 gebaut. Das Instrument wurde nach dem ehemaligen Besitzer genannt, einem ungarisch-jüdischen Geiger, der einer der wichtigsten Geigenpädagogen im 19. Jahrhundert war. Unter seinen Studenten waren Legenden wie Heifetz, Elman und Gorski. Auer lebte von 1845 bis 1930. Er hat ein halbes Jahrhundert in Russland gelebt und als kaiserlicher Hofgeiger von drei Zaren gedient.
Mary Galvin und Geoff Fushi, die Gründer der Stradivari Society, hörten mein Rezital Debüt beim Ravinia Festival. Es muss ihnen gefallen haben, was sie gehört haben, denn als ich einen Monat später von einer Tournee nach Hause kam, hatte ich auf dem Anrufbeantworter eine Nachricht mit einer Einladung nach Chicago, um eine Geige abzuholen, die gerade verfügbar geworden war. Ich reiste direkt am nächsten Tag hin. Als mir die Geige übergeben wurde und ich begann, sie zu stimmen, hatte ich ein deutliches Gefühl, dass mich jemand von hinten beobachtet. Ich drehte mich um und sah ein riesiges Porträt von Leopold Auer, das mich von der Wand des Bein & Fushi Shops anschaute!
Ich erkannte, dass ich die russische Verbindung unglaublich inspirierend fand. Ich wurde in russischer Tradition geschult, und diese Tradition wurde mit diesem Instrument gegründet. Ja, ich liebe diesen historischen Rückbezug, der sich mir mit dieser Geige bietet. Aber ich denke, dass während ich diesen Kreis schließe, ich gleichzeitig etwas Neues beginnen kann. Ich glaube sehr stark, dass Instrumente lebende, atmende Wesen mit Seele, Gefühlen, Stimmungen und Meinungen sind. Eine Beziehung zu einem Instrument ist in vielen Bereichen vergleichbar mit menschlichen Beziehungen. Wie in jeder Beziehung beeinflusst man sich gegenseitig, hinterlässt Teile der Seele im Gegenüber. Wir geben dem Instrument mit Sicherheit unseren Stempel. Wer auch immer diese Geige seit Auer vor mir gespielt hat, Leonidas Kavakos und Dylana Jensen, alle haben einen Teil ihrer Seele im Instrument gelassen.
Die Geige ist ein Teil meines Körpers. Worte können nicht beschreiben wie wunderschön dieses Instrument ist. Ich kann dadurch 15 Mal schneller rennen, 15 Mal tiefer tauchen. Als ich das erste Mal diese Geige in den Händen hielt und Klänge mit meinem Bogen produzierte, verstand ich, dass mein Leben sich geändert hatte.
Diese Geige besitzt alle vorstellbaren und manchmal auch unvorstellbaren Schattierungen von Farbe und Intensität, von den dunkelsten, tiefsten intensivsten Farben zu den hellsten, federleichtesten, himmlischsten Klängen! Eine solch riesige Auswahl haben zu können, ist das größte Geschenk für einen Künstler. Es inspiriert mich immer wieder, neue Klänge und Interpretationen zu suchen.
Sie haben kürzlich mit dem Luzerner Sinfonieorchester Brahms aufgenommen. Wie ist Ihr Bezug zum Komponisten Brahms und den Werken, welche Sie eingespielt haben?
Es ist wichtig sich in Erinnerung zu rufen, dass es ein modernes Stück war, als Joseph Joachim es gespielt hat. Dank seiner Neugierde, seinem Zukunftsdenken und seinem Vertrauen in Komponisten wie Brahms haben wir dieses Repertoire. Natürlich sage ich nicht, dass Brahms dieses Konzert nicht ohne Joachim hätte schreiben können, aber es wäre ohne dessen Einfluss ein anderes Stück geworden. Vor vielen Jahren, als ich das erste Mal dieses Konzert mit Orchester gespielt habe, ging ich auf die Bühne und das Orchester spielte das Eröffnungstutti. Ich erinnere mich, dass ich plötzlich diese Frage im Kopf hatte: „Wer gibt mir das Recht, diese Musik zu spielen?“ Das ist mir davor nie passiert, weder während des Übens noch im Laufe der Proben. Erst als ich vor dem Publikum stand, erwischte mich dieser Gedanke wie eine kalte Dusche. Aber mir wurde bewusst, dass ich nicht das Gewicht aller großen Interpreten, die dieses Stück gespielt haben, auf meinen Schultern tragen kann. Das wäre auf gewisse Art und Weise lähmend. Alles was ich machen kann, ist zu vermitteln, wie ich dieses Stück empfinde, so ehrlich ich nur kann.
Mittlerweile habe ich fast alles gespielt, was Brahms für Geige komponiert hat, und ich habe es auch gewagt, einige Werke einzuspielen. Es bedarf keiner Erwähnung, dass er einer der größten Komponisten ist, die die Menschheit je hervorgebracht hat. Jedes einzelne Werk ist ein Meisterstück ohne Ausnahme. Jedes Mal wenn ich z.B. das Brahms-Violinkonzert spiele, fühle ich, als ob ich in den Besitz eines perfekten Palastes mit außergewöhnlicher Außen- und Innenarchitektur komme. Meine Aufgabe ist es dann, ihn mit Möbeln und Dekorationen so auszustatten, dass die Schönheit des Palasts hervorgehoben wird, ich ihn aber gleichzeitig ganz unverwechselbar mein Eigen mache. Es ist ein sensibler Balanceakt, eine große Herausforderung, aber es bringt unglaubliche Inspiration und Befriedigung.
Die Sonate berührt mich so sehr wie kaum ein anderes Werk von Brahms es je könnte. Da ist etwas unglaublich Intimes und tief Bewegendes drin, das nicht in Worte zu fassen ist. Es ist eines der introvertiertesten Werke von Brahms, und das macht es emotional umso stärker und eindrucksvoller. Innere Blutungen sind die schmerzhaftesten, und so fühle es sich bei diesem Werk an.
Was interessiert Sie neben der Musik?
Ich liebe es zu lesen, habe immer drei bis vier Bücher in meinem Koffer. Bis jetzt lese ich noch nicht elektronisch. Mein Geschmack ist breit gefächert, von Biographien, historischen Büchern und Novellen bis zu Krimis lese ich so ziemlich alles.
Interview von Florian Schär | Classicpoint.net | 3.10.2017
© Foto: Marco Gorggreve